El mal dejó de estar contenido

Annabelle 3: Viene a Casa (Annabelle Comes Home, 2019) es una película de terror que constituye el debut en la dirección de Gary Dauberman, reconocido por ser el guionista de IT (2017) y de las dos anteriores entregas de Annabelle. A partir de una historia concebida por James Wan y Dauberman, esta tercera parte de la muñeca endemoniada se alza como la séptima cinta dentro del universo del Conjuro. Vera Farmiga y Patrick Wilson vuelven a ponerse en la piel de los investigadores paranormales Lorraine y Ed Warren, no obstante aquí el protagonismo lo tiene la joven Mckenna Grace (Yo Soy Tonya, Capitana Marvel). El reparto se completa con Katie Sarife, Madison Iseman, Michael Cimino, Samara Lee, Bill Kottkamp, Luca Luhan, entre otros.

Un año después de que Ed (Patrick Wilson) y Lorraine (Vera Farmiga) deciden mantener a la muñeca Annabelle bajo llave en una caja de cristal, la pareja debe hacer un viaje por lo que dejan a su pequeña hija Judy (Mckenna Grace) con la niñera Mary Ellen (Madison Iseman). En ese tiempo que los Warren no están en el hogar, Daniela (Katie Sarife), amiga de Mary, ve la oportunidad perfecta para conocer la casa del demonólogo y la clarividente más cuestionados del país. Sin hacer caso a las advertencias de Mary Ellen, Daniela entrará al cuarto donde los Warren guardan todos los artefactos malignos. Al abrir la caja donde se encuentra Annabelle, el mal será desatado haciendo que tanto Daniela como Mary Ellen y Judy pasen unas horas llenas de espanto.

Objetos que se caen solos, ruidos extraños, golpes en la puerta para que después no haya nadie, espíritus demoníacos detrás de los personajes y luces que se apagan solas son solo algunos de los clichés que abundan en esta producción, la cual no requirió de mucho presupuesto ya que casi toda la trama sucede dentro de la casa de los Warren. Aunque la película tenga una estética oscura y neblinosa bien lograda, en ningún momento logra generar tensión o miedo, lo cual es un grave problema teniendo en cuenta que estamos ante una película de terror.

Esto sucede gracias a que la historia no tiene nada innovador para aportar: jump scare tras jump scare, ya estamos acostumbrados a la temática de las casas embrujadas por lo que la película en sí se convierte en más de lo mismo. Como la muñeca no es suficiente antagonista, el director decidió agregar a otras figuras malévolas como una novia que posee personas, un hombre lobo/sabueso infernal y un barquero con monedas sobre sus ojos. Los nuevos personajes demoníacos solo sirven para que la película logre alcanzar la duración deseada, ya que no hay intenciones de desarrollar a cada uno como se debe.

Por otro lado, del trío protagónico solo sale bien parada la niña Mckenna Grace, que brinda una notable actuación con la que el espectador logra empatizar. Judy se enfrenta a situaciones de bullying en la escuela por la labor que realizan sus padres, pero no solo eso la perturba sino también el don que posee (al igual que su madre, Judy ve a personas muertas o sabe información por sí sola). Mckenna ya venía demostrando que es una joven actriz en ascenso en filmes como Un Don Excepcional (Gifted, 2017) o series como La Maldición de Hill House (The Haunting of Hill House, 2018); en este caso, su personaje es el único que tiene inteligencia, lo que hace que la película sea más llevadera teniendo en cuenta que cada acción que realiza Daniela (Katie Sarife) es completamente estúpida.

En cuanto a la pareja de los Warren, resulta una lástima que su aparición en el filme sea tan corta. Lorraine y Ed solo están presentes en el comienzo y el desenlace, dejando la sensación de que si hubieran tenido más tiempo en pantalla la película hubiese sido otra cosa.

En conclusión, Annabelle 3: Viene a Casa está muy por debajo de lo que nos brindó Annabelle 2: La Creación (Annabelle: Creation, 2017). Sumamente trillada y con un guión que no le da importancia a la mayoría de sus personajes, esta nueva película dentro del universo del Conjuro solo puede ser disfrutada si no es tomada muy en serio.

Puntaje: 5

Una mujer independiente

No Soy Tu Mami (2019) es una película de comedia dirigida y co-escrita por Marcos Carnevale (Corazón de León, Inseparables). Coproducida entre Argentina y Brasil, la cinta está protagonizada y producida por Julieta Díaz. El reparto se completa con Pablo Echarri, Sofía Orel Vladimirsky, Daniela Pal, Christian Sancho, Sebastián Wainraich, Valeria Lois, Celina Font, Luca Martin, Luciana Lifschitz, entre otros.

La historia gira en torno a Paula (Julieta Díaz), una periodista que trabaja en una revista orientada al público femenino. Como las ventas no están siendo del todo buenas, Paula decide comenzar una nueva columna titulada “Razones para no ser madre”. Ella se siente muy identificada con esta temática, por lo que sus textos son completamente personales y sinceros. Mientras va conociendo a su nuevo vecino Rafael (Pablo Echarri), que es padre de la pequeña Rocío (Sofía Orel Vladimirsky), sus columnas (publicadas bajo un seudónimo) adquieren cada vez más visitas online. El hecho de que Paula utilice lo que vive día a día como material para su trabajo a la larga le terminará acarreando más de un problema.

La nueva cinta de Marcos Carnevale desde el vamos plantea a una protagonista con una ideología acorde a la de muchas mujeres de hoy en día. Decidida, liberal e independiente, Paula tiene sus propias razones que la hacen estar segura de que conseguir una pareja estable o ser madre son asuntos que no pueden estar más alejados de su lista de prioridades. Sin embargo, desde que el personaje de Pablo Echarri aparece en escena con su nena de cinco años, ya sabemos cómo va a terminar Paula. A pesar de la previsibilidad del filme y su cambio de rumbo, desde el guión se logra dejar en claro que la mujer no debería ser juzgada de acuerdo a cómo quiere vivir su vida, en especial si quiere ser soltera y no tener ningún niño.

Dirigida a un público familiar, la cinta consigue ser lo suficientemente amena gracias a las situaciones graciosas en la que se ven involucrados personajes secundarios como el de Daniela Pal (mejor amiga de Rafael) o Sebastián Wainraich (amigovio de Paula). Christian Sancho tiene un rol muy ridículo pero de igual manera da gracia; por otro lado, las actrices que interpretan a las madres del jardín de infantes son tan curiosas o pesadas como muchas veces sucede en la realidad.

La dupla Díaz/Echarri funciona, a la vez que es lindo ver a Paula compartir momentos con Rocío. Ésta última considera a Paula como su mamá, ya que a la suya no la ve casi nunca porque trabaja en otro país. Sofía Orel Vladimirsky transmite mucha ternura y picardía, siendo una niña adorable en todo momento.

Simple pero simpática, No Soy Tu Mami consigue sacar las sonrisas suficientes para pasar un buen rato en familia.

Puntaje: 6,50

La voz interior

Toy Story 4 (2019) es una película animada de comedia y aventuras que constituye el debut en la dirección de Josh Cooley, el cual fue uno de los co-escritores de Intensamente (Inside Out, 2015). Con un guión a cargo de Andrew Stanton y Stephany Folson, ésta es la cuarta película dentro de la franquicia de Toy Story iniciada en 1995. Las voces originales de los juguetes vuelven a ser puestas por Tom Hanks, Tim Allen, Annie Potts, Joan Cusack, Wallace Shawn, John Ratzenberger, entre otros. A la vez se agregan nuevos personajes a los que dan voz Tony Hale, Christina Hendricks, Keanu Reeves, Keegan-Michael Key, Jordan Peele y Ally Maki.

Luego del desenlace de Toy Story 3 (2010), los juguetes tienen una nueva dueña: la pequeña Bonnie (Madeleine McGraw). La niña debe ir al día de orientación del jardín de infantes, sin embargo no se encuentra segura y teme no ser aceptada por los demás chicos. Es por eso que, a pesar de que sus padres le dijeron que no puede llevar ningún juguete como compañía, Woody (Tom Hanks) decide escabullirse en su mochila y ayudarla ante cualquier inconveniente. Cuando la maestra le dice a Bonnie que debe hacer alguna manualidad con crayones, palitos e hilos, la nena comienza a sentirse triste por estar sola en una mesa sin materiales. Por lo tanto, Woody se mete en el cesto de basura y desde allí le tira algunos elementos a Bonnie para que pueda crear algo. De esa manera surge Forky (Tony Hale), una cuchara/tenedor de plástico con ojos de distinto tamaño, brazos frágiles y piecitos de madera. Desde que Bonnie le da vida a Forky, éste último pasa a ser su juguete súper favorito. No obstante Forky no se siente un juguete de verdad y afirma que es basura, por lo que Woody tomará como su responsabilidad la difícil tarea de asegurarse que Forky no se escape.

La que se creía en su momento una trilogía, en el 2010 llegaba a su fin con un cierre tan perfecto como emocionante. Sin embargo, y para sorpresa de todos, el guión para una cuarta entrega ya se venía elaborando dentro de Pixar incluso antes de que el tercero estuviera finalizado. Así es como nuestros juguetes más queridos vuelven en una nueva aventura a la pantalla grande, esta vez con una dosis de humor mucho mayor y con nuevos muñecos que dejan bastante de lado a los que ya conocemos.

Por empezar, Toy Story 4 es una película centrada en los personajes de Woody, Forky y la pastorcita de porcelana Betty, la cual tiene un cambio enorme de personalidad y accionar comparada a la Betty de los primeros dos filmes. En esta ocasión Woody comienza a sentirse inútil ya que Bonnie prefiere jugar con otros juguetes, por lo que al ver que la niña tiene especial aprecio por Forky, hará lo que sea para que la cuchara/tenedor entienda a quién pertenece ahora. Por su manera de moverse y sus líneas de diálogo, Forky se gana el corazón del espectador ni bien cobra vida. Adorable y un poco torpe, este nuevo integrante forja una relación de padre e hijo con Woody muy linda de ver.

Aparte de Forky tenemos a los graciosos peluches de feria Ducky (Keegan-Michael Key) y Bunny (Jordan Peele), un patito y conejito con los que Buzz (Tim Allen) se topa al intentar ir en busca de Woody. Las ideas que se les ocurren a Ducky y Bunny para que cierta misión tenga éxito sin dudas divertirán tanto a chicos como a grandes. Por otro lado, Keanu Reeves da voz a Duke Caboom, un intrépido motociclista canadiense que se siente apenado por no poder ser tan eficaz como se lo muestra en la publicidad del juguete. Duke tiene momentos en los que se destaca pero tampoco resulta memorable para la saga en sí.

En cuanto a los villanos, éstos se encuentran dentro de un negocio de antigüedades, lugar donde se desarrolla gran parte del relato. Este escenario logra darle a la película una cuota de oscuridad y rareza, en especial por el muñeco ventrílocuo Benson, que con sus ojos fijos y forma de su boca ya logra dar miedo. Como nos tiene acostumbrados esta saga, el personaje malvado de turno tiene un triste pasado que lo hizo convertirse en quién es ahora: tal es el caso de Gabby Gabby (Christina Hendricks), muñeca de la década de 1950 que parece buena hasta que se descubre cuáles son sus verdaderas intenciones para con Woody.

Llena de acción y humor, Toy Story 4 ni de cerca supera la maravilla que fue su antecesora. Sin embargo, esta nueva historia mantiene el espíritu de la franquicia y continúa dejando buenos mensajes, esta vez centrándose en lo esencial que es el escucharse a uno mismo y tener la valentía suficiente para seguir lo que nos dicta el corazón.

Puntaje: 7,50 

Vidas en sumo peligro

Hotel Mumbai (2018) es un thriller basado en hechos reales que fue dirigido y co-escrito por el australiano Anthony Maras, siendo éste su debut como director. Coproducido entre Estados Unidos, India y Australia, el reparto está compuesto por Dev Patel (Un Camino a Casa), Armie Hammer (Llámame por tu Nombre), Nazanin Boniadi, Tilda Cobham- Hervey, Natasha Liu Bordizzo (Helena en The Society), Amandeep Singh, Jason Isaacs (Harry Potter, The OA), Anupam Kher, entre otros. Inspirada en el documental de 2009 Surviving Mumbai, la cinta fue presentada en el Festival Internacional de Cine de Toronto.

La noche del 26 de noviembre de 2008, un grupo compuesto por diez terroristas musulmanes realiza un asalto coordinado a 12 locaciones de Mumbai, incluyendo la estación de tren, un restaurante y el lujoso Taj Mahal Palace Hotel. Allí dentro se encuentra la pareja compuesta por el norteamericano David (Armie Hammer) y la heredera musulmana Zahra (Nazanin Boniadi), que fueron a pasar las vacaciones con su bebé Cameron y la niñera Sally (Tilda Cobham- Hervey). También está el enigmático millonario ruso Vasili (Jason Isaacs), aparte de todo el staff de cocina del hotel liderado por el chef Oberoi (Anupam Kher). Completamente aterrorizados por la situación, Arjun (Dev Patel), uno de los empleados, deberá tratar de mantener la calma y evitar que cualquier persona realice un movimiento en falso, ya que una mínima acción no solo puede acabar con una vida sino con las de todos los que se encontraban cenando.

Los diversos atentados en Mumbai, capital financiera de la India, dejaron como consecuencia 173 personas muertas y 327 heridos. Teniendo en cuenta estas cifras, la película hace una impactante representación de los hechos sin suavizar ninguna escena, lo cual se agradece mucho. De esta manera durante las dos horas de metraje el espectador está 100% metido en el horror que se vive dentro del hotel, donde los terroristas, guiados por las órdenes telefónicas de un musulmán apodado Toro, disparan a cualquier persona que se cruce en su camino. La edición de sonido y las fuertes imágenes logran que estemos al filo de la butaca en todo momento, preocupándonos por los personajes a pesar de no conocerlos demasiado.

Anthony Maras como director sorprende teniendo en cuenta que éste es su primer filme. La tensión, adrenalina y miedo que contiene la trama se transmite de forma genuina hacia el espectador. A su vez, desde el guión se realiza un buen trabajo al mostrar la metodología de los terroristas, donde se entrenan a los jóvenes como soldados, lavándoles el cerebro con frases de Alá y metiéndoles la idea de que ellos están haciendo un favor al mundo al eliminar a las personas paganas. Ver cómo estas personas acatan lo que se les dice sin ni siquiera pensar por un segundo lo que están haciendo, y más teniendo en cuenta que es la realidad misma, termina asustando muchísimo más que cualquier película de terror.

Hotel Mumbai no es de fácil visionado, sin embargo es una cinta necesaria súper bien hecha que rinde homenaje a todos los valientes cocineros, mozos y empleados que en vez de escapar y salvar sus vidas, decidieron quedarse y proteger a sus huéspedes. Tan estremecedora como emocionante, al salir de la sala costará volver a ponerse en sintonía con la realidad.

Puntaje: 8,50

El infiltrado

Hombres de Negro: Internacional (Men in Black: International, 2019) es una película cómica de ciencia ficción y acción dirigida por F. Gary Gray. Co-escrita por Matt Holloway y Art Marcum, esta nueva producción constituye un spin-off dentro de la franquicia de Hombres de Negro. Protagonizada por Chris Hemsworth y Tessa Thompson, el reparto se completa con Rebecca Ferguson (El Gran Showman, Life), Rafe Spall (Black Mirror), Liam Neeson, entre otros. Emma Thompson vuelve a interpretar a la agente O y en esta ocasión Kumail Nanjiani le da la voz a un nuevo alien, compañero de los personajes de Hemsworth y Tessa Thompson.

La historia se centra en Molly (Tessa Thompson), una mujer que de chica tuvo contacto con un alienígena y vio desde su ventana cómo unos hombres vestidos de traje le borraron la memoria a sus padres. Ya de grande, lo que más desea Molly es pertenecer a ésta organización gubernamental que vigila la actividad extraterrestre en la Tierra. Sin ser reclutada, ella descubrirá por sí misma el cuartel general de los Hombres de Negro y no dudará en decirle a la jefa O (Emma Thompson) los motivos por los que le conviene contratarla como agente. Así es como Molly se calza el traje y tiene su primera misión dentro del período de prueba, una que incluye viajar hacia Londres y conocer al agente Henry (Chris Hemsworth). Los dos deberán descubrir quién es la persona que se introdujo de incógnito en la organización europea.

En 1997 se estrenaba la primera entrega de Hombres de Negro, dirigida por Barry Sonnenfeld como también lo fueron la floja segunda parte de 2002 y la entretenida tercera parte que salió en 2012. Esos filmes funcionaban en gran medida gracias a las propias reglas que establecieron. Al unirse a la organización secreta, los miembros dejaban su vida completamente atrás, se les borraba sus huellas dactilares y ya no tenían documento de identidad, por lo que estaban fuera del sistema y pasaban a ser invisibles. Con lugares diseñados para que los extraterrestres pudieran entrar y salir del país, los Hombres de Negro tenían sus respectivas armas para mantener el orden del planeta o eliminar a cualquier alien que resultara una amenaza para los humanos. Además, esas películas contaban con dos protagonistas que conformaban una dupla ideal, tan graciosa como efectiva. Tommy Lee Jones y Will Smith (el mentor Kay y el agente J) eran el espíritu de Hombres de Negro y solo por la presencia de ellos en la pantalla el espectador deseaba verlos en una nueva aventura.

Siete años después de la última entrega, Sony decidió expandir el universo de los Hombres de Negro armando una trama ambientada en Londres, Marruecos, Italia y Nueva York, con nuevos protagonistas pero manteniendo algunas referencias a las películas pasadas, tales como una pequeña aparición del perrito Frank o de los gusanos adictos al café. Aunque esta nueva película mantiene algunos elementos ya reconocidos de las anteriores, por ejemplo los famosos neuralizadores que borran la memoria, la respectiva vestimenta o la jerarquía dentro de la sociedad secreta, la esencia de Hombres de Negro aquí brilla por su ausencia.

Esto se debe a que por más que la cinta cuente con un comienzo que atrapa al espectador, luego de los 20 minutos se hace muy fácil perder el interés por esta nueva aventura. Chris Hemsworth otra vez construye a un personaje chistoso, un poco arrogante y descuidado, el problema es que aquí las bromas no causan la risa esperada. Aunque el actor hace buena dupla con Tessa Thompson, primera mujer en ponerse el traje, se hace inevitable compararlos con Jones y Smith, y, como era obvio, estos nuevos protagonistas quedan en un puesto demasiado inferior con respecto a los protagonistas originales.

Con escenas de acción que pretenden ser grandilocuentes pero más bien son aburridísimas, Hombres de Negro: Internacional se convierte en la peor película dentro de esta serie cinematográfica. Súper olvidable e innecesaria, lo único que puede llegar a sacar alguna que otra sonrisa son los comentarios de Peoni, un pequeño alien verde charlatán que tiene las mejores líneas dentro del filme.

Puntaje: 4

Una pareja dispareja

Ni en tus Sueños (Long Shot, 2019) es una comedia romántica dirigida por Jonathan Levine (Mi Novio es un Zombie) y co-escrita por Dan Sterling y Liz Hannah. Protagonizada por Seth Rogen (Buenos Vecinos) y Charlize Theron (Blancanieves y el Cazador, Atómica), el reparto se completa con June Diane Raphael, O’Shea Jackson Jr., Andy Serkis (El Señor de los Anillos, El Planeta de los Simios), Bob Odenkirk, Alexander Skarsgård (La Leyenda de Tarzán, Viviendo con el Enemigo), Tristan D. Lalla, Ravi Patel, entre otros.

La historia gira en torno a Fred Flarsky (Seth Rogen), un periodista que acaba de renunciar a su empleo ya que el periódico fue comprado por otra empresa que tiene ideologías completamente distintas. Para levantarle un poco el ánimo, Lance (O’Shea Jackson Jr.), mejor amigo de Fred, lo lleva a un evento de caridad donde tocará en vivo la banda Boyz II Men. Allí Flarsky se reencuentra con Charlotte Field (Charlize Theron), mujer que fue su niñera cuando tenía 13 años y de la cual Fred estuvo secretamente enamorado. Ahora Charlotte es Secretaria de Estado y, como el presidente actual no piensa postularse para la reelección, ella pretende ser candidata para el 2020. Luego de leer varios artículos antiguos de Fred, Charlotte decide ofrecerle un trabajo como redactor de sus próximos discursos. Sin tener nada que perder, Flarsky acepta la labor. En medio de una agenda ajetreada, viajes a distintos países y fiestas para hacer contactos, Charlotte y Fred se irán conociendo cada vez más, dándose cuenta de que lo que sienten el uno por el otro es amor.

Fresca, hilarante y sumamente divertida, Ni en tus Sueños es la comedia romántica que andaba haciendo mucha falta en la cartelera. La dupla compuesta por el humorista Seth Rogen y la actriz Charlize Theron generaba sus dudas, sin embargo estos dos sorprenden para bien ya que la química entre ellos resulta instantánea. Rogen tiene un sentido del humor peculiar, que muchas veces roza lo vulgar o lo bizarro, sin embargo aquí, gracias en mayor parte al guión, se logra un balance perfecto entre situaciones disparatadas y momentos que sirven para desarrollar la relación de los protagonistas. Por otro lado, Charlize se desenvuelve de forma muy natural en este género, lo que da ganas de verla en más proyectos así.

Sin lugar a dudas los chistes son uno de los puntos fuertes del filme. Éstos no se limitan a la risa fácil por algún movimiento físico o una broma simplista, sino que fueron pensados de manera ingeniosa. En variadas ocasiones se utilizan referencias a la cultura pop (películas, cantantes y series) que nunca quedan forzadas, más bien contribuyen a que la cinta fluya.

Por otro lado, el soundtrack del film se convierte en otro acierto. Aparte de las canciones de Boyz II Men, tenemos al súper popular sencillo «One Way or Another» de Blondie y la icónica balada de Roxette «It Must Have Been Love», que inevitablemente recuerda a Mujer Bonita (Pretty Woman, 1990). Además, la película contiene unas escenas ambientadas en una fiesta de Buenos Aires, donde suena «Por una Cabeza» en un espléndido baile.

Disfrutable de principio a fin, Ni en tus Sueños es la mejor opción para ir al cine con amigos. Con personajes tan entretenidos, simpáticos y, por sobre todo, ocurrentes, las carcajadas están aseguradas.

Puntaje: 8

Un sueño lúcido grupal

Pesadilla al Amanecer (Rassvet, 2019) es una película de terror rusa dirigida por Pavel Sidorov y escrita por Evgeny Kolyadintsev. Protagonizada por Alexandra Drozdova, el reparto se completa con Anna Slyu, Aleksandr Molochnikov, Anastasiya Kuimova, Oleg Vasilkov, Kuzma Kotrelev, Oksana Akinshina, entre otros.

Luego del festejo de cumpleaños de Sveta (Alexandra Drozdova), ella se levanta por la noche y ve a su hermano Anton (Kuzma Kotrelev) suicidarse tirándose por la ventana. Al parecer, las variadas pesadillas que sufría Anton, las cuales dejó anotadas en un cuaderno, fueron las que determinaron que él quisiera acabar con su vida. Para investigar más a fondo, Sveta se dirige, junto a su mejor amiga Nastya (Anastasiya Kuimova), a una institución de psiquiatría y somnología. Allí la joven se someterá a un sueño colectivo lúcido con tres personas más: la sonámbula Lily (Anna Slyu), el periodista y claustrofóbico Kirill (Aleksandr Molochnikov) y Vitaly (Oleg Vasilkov), señor que sufrió una experiencia traumática y sobrenatural en alta mar.

De los productores de La Novia (Nevesta, 2017) nos llega del país ruso otra cinta de terror que, como era de esperarse, no es una buena película. Por empezar, Pesadilla al Amanecer tiene un guión que da pena: en un principio se nos presenta información sobre la madre de la protagonista, la cual murió en 1999 también en el día de cumpleaños de Sveta. Se dice que sufría de esquizofrenia y depresión, motivos por los cuales decidió unirse a una secta donde se venera a un demonio sin cara. Sin embargo estos datos no sirven de nada ya que después, gracias a un pésimo montaje, no se ahonda más en el tema y se pasa a la situación traumática particular de cada personaje que se somete al sueño lúcido. El rol protagónico, así como los demás, están cero desarrollados, haciendo imposible que el espectador pueda generar empatía.

A pesar de que la atmósfera sombría está bien construida, la abundancia de jump scares con música alta repentina no permite que la sensación de miedo tenga lugar. Una niebla negra, un perro malvado, la cabeza de una persona muerta y variadas apariciones en la oscuridad son solo algunos de los clichés que terminan haciendo que la duración de la película (98 minutos) se sienta mucho más extensa.

Por otro lado, sobre el último efecto se utilizan unos efectos especiales muy poco elaborados que lo que menos consiguen es atemorizar. Además, en el desenlace hay una revelación sacada completamente de la galera ya que en ningún momento anterior se dio una mínima pista de lo que pasaba. Esto no solo hace que el giro sea ridículo, sino que también deja en evidencia lo mal estructurado que está el guión.

Pesadilla al Amanecer podría haber construido una historia interesante sobre los sueños y las intenciones de las sectas, sin embargo pasa a ser otra película de terror rusa que resulta una pérdida de tiempo.

Puntaje: 3,50

La fuerza más poderosa

X-Men: Dark Phoenix es una película de ciencia ficción y superhéroes que constituye el debut en la dirección de Simon Kinberg, el cual también se encargó del guión. El filme funciona como continuación de X-Men: Apocalipsis (X-Men: Apocalypse, 2016) y se alza como la duodécima producción dentro de la franquicia de los X-Men. El reparto vuelve a estar conformado por James McAvoy, Sophie Turner, Jennifer Lawrence, Nicholas Hoult, Michael Fassbender, Evan Peters, Kodi Smit- McPhee, Tye Sheridan, Alexandra Shipp, entre otros. Esta vez se agrega un personaje nuevo interpretado por Jessica Chastain (Mama, La Cumbre Escarlata).

La historia se centra en la vida de Jean Grey (Sophie Turner), una mutante joven muy especial que es acogida por el profesor Charles Xavier (James McAvoy) luego de una situación que terminó en tragedia debido a que Jean no supo controlar su poder. Pasados los años, Charles les encarga a Raven (Jennifer Lawrence), Hank (Nicholas Hoult), Scott (Tye Sheridan), Kurt (Kodi Smit-McPhee), Storm (Alexandra Shipp), Peter (Evan Peters) y Jean una nueva misión: ellos deberán viajar al espacio con el objetivo de salvar a unos humanos astronautas que se encuentran en peligro. Esa expedición no sale de acuerdo a lo planeado y Jean absorbe demasiada fulguración solar. Aunque al regresar a la Tierra la mutante asegura sentirse bien, su faceta más oscura comienza a notarse. Sumado a que la joven descubre la verdad sobre su pasado, el distanciamiento de Grey será inevitable, convirtiéndola en una amenaza tanto para los mutantes como para la humanidad.

Originalmente programada para ser estrenada en noviembre de 2018, luego de varios reshoots finalmente llega a la cartelera X-Men: Dark Phoenix, cinta que funciona como la culminación de la saga X-Men. A pesar de las hipótesis que se venían manejando sobre que ésta podría ser la peor película de la franquicia, estamos ante un filme que a pesar de sus fallas logra entretener y generar mucho interés desde el conflicto central, instalado alrededor del personaje de Jean Grey.

La mutante interpretada por Sophie Turner representa una dicotomía en sí misma: a pesar de su destructivo poder, es muy fácil empatizar con ella ya que desde el comienzo el espectador comprende que Jean no pretende ser una villana, solo no puede controlar sus emociones. Al ya tener un personaje súper atrapante en la trama, el rol de Jessica Chastain, del que desde los trailers y promoción no se quiso revelar mucho, queda totalmente opacado y desdibujado. Aunque Chastain tiene una escena inicial prometedora, desde el guión no se le dio el espacio necesario para lucirse, por lo que su participación termina siendo muy pobre y hasta se llega a la conclusión de que sería lo mismo si cualquier otra actriz hubiese encarnado ese papel.

La película fácilmente podría dividirse en dos partes: por un lado tenemos la primera mitad, en donde los diálogos son más relevantes, y por otro el tramo final donde se decidió meter toda la acción. Los cambios y regrabaciones que se hicieron sobre el tercer acto se vuelven muy notorios, aparte de que varios efectos dejan bastante que desear.

En cuanto al optimista Charles Xavier, en esta oportunidad varios mutantes comenzarán a cuestionar sus decisiones. Las escenas de discusión entre el fundador de la Academia para Jóvenes Dotados y Raven, así como las del profesor con Hank, resultan de las mejores del filme. Aquí vemos que Charles puede cometer errores como cualquier otro, lo que hace que este personaje sea más profundo y atractivo de lo que ya era.

X-Men: Dark Phoenix está muy lejos de ser una película perfecta, sin embargo es capaz de plantear cuestiones que dan pie para reflexionar tales como el derecho que tiene cada persona a conocer la verdad de su pasado, la certeza de que la venganza no repara el dolor y la celebración de las diferencias, de las que no hay que estar avergonzados ya que son las que nos hacen únicos y especiales. Aunque el tercer acto no esté a la altura de lo que se venía construyendo, la cinta de Simon Kinberg tiene a una protagonista ultra poderosa, como también vulnerable, que vale la pena conocer.

Puntaje: 7

Un viaje para salvar a su mejor amigo

Mi Mascota es un León (Mia et le lion blanc, 2018) es una película dramática y ecológica dirigida por Gilles de Maistre y co-escrita por su esposa Prune de Maistre. Protagonizada por Daniah De Villiers, el reparto se completa con Mélanie Laurent (El Hombre Duplicado), Ryan Mac Lennan, Langley Kirkwood, Brandon Auret, entre otros. El león del filme en la vida real se llama Thor. La cinta fue muy bien recibida en Europa, en especial en los países de Francia, Italia y Alemania.

Compuesta por los padres John (Langley Kirkwood) y Alice (Mélanie Laurent) y los hermanos Mick (Ryan Mac Lennan) y Mía (Daniah De Villiers), la familia Owen decide mudarse de Londres a una granja de leones ubicada en Sudáfrica. En un principio este cambio a Mía no le cae para nada bien ya que la niña no tiene amigos, aparte de que los animales no le interesan. Sin embargo, en Navidad nace Charlie (Thor), una cría de león blanco que a medida que pasa el tiempo se va ganando el corazón de Mía. Una vez que Mía descubre la función real de la granja de su padre, la joven emprenderá un viaje de seis días a pie para dejar a Charlie en una zona considerada un santuario para los leones.

Filmada durante tres años para que en cámara se pudiera notar el crecimiento en tiempo real tanto de la actriz principal como del animal, la cinta contó con la supervisión de Kevin Richardson, conservacionista y experto en el comportamiento de leones. Sin necesitar del CGI en tiempos en los que casi todo está computarizado, Mi Mascota es un León logra darnos una historia de ficción que desde lo visual se ve muy realista. No hay manera de que la relación que forjan Mía y el león no nos enternezca, siendo ésta evolución sin lugar a dudas lo mejor de la película.

A pesar de lo inverosímil que se vuelve la trama, el filme cuenta con un mensaje súper importante el cual gira alrededor de la concientización sobre la problemática del negocio de cacería de leones. Esta actividad en Sudáfrica es legal, por lo que las organizaciones proteccionistas cumplen un rol fundamental así como también los “santuarios”, espacios donde está terminantemente prohibido que los cazadores disparen a los animales.

Sin mostrar de manera explícita las consecuencias de la caza indiscriminada, Mi Mascota es un León contiene el balance justo entre momentos graciosos, drama e información verídica. Si sos amante de los animales, el progreso y camino de Charlie hacia una vida sin peligro humano vale mucho la pena.

Puntaje: 7

En la búsqueda de la verdad

Cuando Dejes De Quererme es un thriller policial que constituye el debut en solitario como director de Igor Legarreta. Coproducido entre Argentina y España, el guión corre por parte de Javier Echániz, Asier Guerricachebarría y Jon Iriarte. El reparto incluye a Florencia Torrente (siendo éste su primer rol protagónico), Eduardo Blanco, Miki Esparbé, Eneko Sagardoy, Joaquín Climent, Antonio Dechent, entre otros.

La historia gira en torno a Laura (Flor Torrente), una joven que fue criada por su padrastro Fredo (Eduardo Blanco) y su madre Elvira, la cual falleció hace cinco años. Nacida en España pero instalada en Buenos Aires, Laura recibe una llamada desde el país vasco que la desconcierta ya que le informan que el cadáver de Félix Careaga (Eneko Sagardoy), su padre biológico, ha sido hallado bajo tierra en un bosque. Según las pruebas forenses, Félix fue asesinado hace más de 30 años de un disparo en la nuca. De acuerdo a lo que le contó su madre, Laura siempre creyó que de chica su padre la abandonó y por eso nunca lo volvió a ver. Debido a esta nueva información, Laura viajará junto con su padrastro a España y tratará de resolver el misterio alrededor del crimen de su progenitor.

Con una ambientación lúgubre que concuerda con la temática de la cinta, Cuando Dejes De Quererme desde el vamos nos presenta un relato lleno de intriga en el que da ganas de, a la par de Laura, descubrir qué es lo que le ocurrió a Félix en el pasado. Una amante peluquera, varios hermanos, un retiro de una gran suma de dinero del banco, cartas y un seguro de vida son las primeras pistas que le permiten a Laura y Fredo, junto al enamorado agente Javier (Miki Esparbé), empezar a armar diversas hipótesis que serán representadas a través de flashbacks.

Aunque la cinta logra mantener el interés en su mayoría, es a medida que avanza el metraje cuando el guión se va enredando cada vez más y más. Esto inevitablemente genera una mezcla y confusión dentro de la cabeza del espectador, dándole al filme una complejidad rebuscada que en este caso se vuelve muy innecesaria. A su vez, las personas que vayan a ver este filme sin tener mucho conocimiento de la dictadura franquista y la organización terrorista ETA (Euskadi Ta Askatasuna) no podrán seguir fácilmente el hilo de la historia.

En cuanto a las actuaciones, se nota que a Florencia Torrente le falta bastante para otorgar escenas dramáticas que sean convincentes. No obstante la actriz hace una buena dupla con su padrastro interpretado por Eduardo Blanco, el cual aporta una cuota de humor que funciona para descontracturar en el momento justo.

A pesar de que el guión está lejos de ser perfecto ya que utiliza varias coincidencias a su favor para revelar nuevos datos, tal como la aparición de un personaje secundario que sabe algo en el momento justo, Cuando Dejes De Quererme funciona gracias a la atmósfera construida, su premisa interesante, la música y su fotografía. No será de los mejores policiales pero definitivamente se deja ver.

Puntaje: 6