El incorregible

Dogman (2018) es una película dramática italiana dirigida y co-escrita por Matteo Garrone (Gomorra). Inspirada en hechos reales ocurridos en un suburbio pobre el 18 de febrero de 1988, el reparto está compuesto por Marcello Fonte, Edoardo Pesce, Alida Baldari Calabria, Nunzia Schiano, Francesco Acquaroli, Adamo Dionisi, entre otros. La cinta fue seleccionada para competir por la Palma de Oro en el Festival de Cannes, lugar en donde Marcello Fonte recibió el premio de Mejor Actor.

La historia se centra en Marcello (Marcello Fonte), un peluquero canino en el barrio de Magliana que le vende droga a su corpulento amigo Simone (Edoardo Pesce), ex boxeador y criminal reincidente. Marcello está separado pero mantiene una buena relación con su hija Alida (Alida Baldari Calabria), con la cual comparte viajes y competencias de peluquería para perros. No obstante, la violencia de Simone para que Marcello le venda más cocaína o para que se una en los robos de joyas (metiéndose en casas por la noche) irá en aumento, llegando a que prácticamente Simone obligue a su amigo a que le dé la llave de su negocio para poder meterse en el local de al lado que se dedica a la venta de oro. De esta manera, Marcello poco a poco descenderá a los infiernos: cansado de esta relación de amistad ultra tóxica, el amante de los animales tratará de hacer justicia por mano propia.

Con detalles que hacen recordar al cuento bíblico de David contra Goliat, en esta película Garrone nos presenta a un protagonista flaco, de baja estatura y buenas intenciones, que se lleva bien con sus vecinos y ama su empleo. Por otro lado está Simone, cocainómano robusto con el que es imposible razonar: cuando a Simone se le mete una idea en la cabeza, él hace lo que sea para llevarla a cabo, muchas veces utilizando la violencia para intimidar al prójimo y obligarlo a que accione como él quiere. Con semejantes personajes que se desenvuelven por un barrio decadente, el director consigue que la película sea sumamente atrapante, logrando que los 102 minutos de duración se pasen volando sin siquiera sentirse.

La cinematografía, a cargo de Nicolai Brüel, abarca de manera amplia el vecindario marginado donde se desarrolla la trama. Con poca luz, cielo nublado y viento, la ambientación se contrasta con la relación de opresión que vive Marcello. También tenemos varios planos centrados en su cara, en donde el actor Marcello Fonte demuestra con sus expresiones y forma de mirar por qué es el gran merecedor del premio a Mejor Actor en Cannes.

A pesar de que el protagonista cometa varios errores, el espectador logra empatizar con él, lo que hace dar cuenta de cuán bien está construido su personaje. Totalmente crédulo, ingenuo y esperanzado, al final del día Marcello solo busca volver a ser aceptado y respetado por sus propios vecinos, sin darse cuenta que esa confianza que anhela recuperar nunca la tuvo en primer lugar.

Aunque Dogman contenga escenas físicas violentas, el director prefirió centrarse más en la violencia psicológica que ejerce el dominante e incontrolable Simone. Con un último acto que puede considerarse precipitado en comparación al primero, la película plantea una problemática social interesante que invita a preguntarnos: ¿cuál es la solución ante un hombre incorregible que por ningún medio puede ser domesticado?

Puntaje: 8

El ritual del casamiento

Vigilia en Agosto (2019) es una película cordobesa dramática que constituye la ópera prima de Luis María Mercado, el cual la filmó en Oncativo (su ciudad natal) durante 2017. Protagonizada por Rita Pauls (Adriana Puccio en Historia de un Clan), el reparto se completa con María Fiorentino, Maximiliano Bini, Michel Noher, Eva Bianco, entre otros. La cinta participó en la competencia oficial del Festival de Málaga: Cine en Español, como también estuvo presente en el BAFICI dentro de la Sección de Derechos Humanos.

En un pequeño pueblo rural agroindustrial, a la joven Magda (Rita Pauls) le quedan pocos días para casarse con su prometido Marcelo (Maximiliano Bini). Con los preparativos en marcha, tanto los vecinos como los familiares se encuentran expectantes por la que será “la fiesta del año”. No obstante esos días previos Magda será testigo de varias situaciones muy raras, algunas de las cuales tienen como eje a su novio y otras le pasarán factura en su propio cuerpo. De todas maneras, la esperada boda debe llevarse a cabo cueste lo que cueste.

En su debut cinematográfico, Luis María Mercado nos sumerge en las tradiciones tan establecidas que tienen los pueblos en cuanto a un evento importante, en este caso el de un casamiento. Murmullos, secretos, el esfuerzo por aparentar y la presión tanto familiar como local se hacen presentes en la vida de Magdalena, una chica que se encuentra en un estado de confusión e incomodidad total.

Es gracias a la actuación de Rita Pauls, la cual también hace su debut protagónico, que el espectador puede ir captando qué es lo que el director nos quiere contar. Magda no expresa lo que le pasa por la cabeza en voz alta, pero solo con ver su mirada o expresiones faciales nos damos cuenta que no está para nada a gusto con la ceremonia que se aproxima y todo lo que ésta conlleva. Paso a paso, Mercado va llevando a su protagonista a un panorama sumamente asfixiante que hasta llega a contar con tintes de terror muy bien manejados.

Desde el comienzo la película cuenta con una rareza especial e inexplicable, una en la que se requiere que el espectador asocie por sí mismo lo que está pasando en pantalla ya que nada está servido en bandeja ni sobre explicado. Por este motivo Vigilia en Agosto no es un filme que va a ser aceptado por todos, en especial porque varias cuestiones quedan sin desarrollarse para que cada uno saque sus propias conclusiones.

Con una atmósfera turbia bien lograda de principio a fin, Vigilia en Agosto otorga una fructífera representación de lo que es convivir en un ambiente lleno de negatividad, cotilleos y envidia, con personas que esconden lo que verdaderamente son. Con una protagonista que no toma las riendas de su propia vida por lo difícil que resulta ir contra lo que desea su familia, la película nos invita a reflexionar sobre un lado poco explorado del casamiento, uno que es oscuro, fingido y para nada bonito.

Puntaje: 7

Una nadadora en peligro

Infierno en la Tormenta (Crawl, 2019) es una película de cine catástrofe dirigida por Alexandre Aja y co-escrita por Michael y Shawn Rasmussen. Protagonizada por Kaya Scodelario (Skins, Maze Runner), el reparto se completa con Barry Pepper, Ross Anderson, Morfydd Clark, entre otros. El director también ocupó el rol de productor junto a Sam Raimi (Spider-Man 1, 2 y 3).

La historia se centra en Haley Keller (Kaya Scodelario), una nadadora profesional de la Universidad de Florida que acaba de perder en una competencia. Haley recibe un llamado de su hermana Beth (Morfydd Clark), la cual le pregunta si sabe algo sobre su padre ya que lo llamó en reiteradas ocasiones pero no recibió respuesta. Con un huracán de categoría 5 aproximándose y la advertencia por la televisión de que todas las personas deben ser evacuadas, Haley decide arriesgarse e ir de igual manera a chequear cómo está su papá (por más que últimamente haya estado distanciada de él). Sin tener ningún tipo de contestación al entrar en la casa, la búsqueda pasará al sótano. Allí no solo Haley encontrará a su padre herido sino que también descubrirá quiénes fueron los causantes del daño: unos grandes cocodrilos que aún continúan al acecho. En estas circunstancias muy poco alentadoras, Haley deberá utilizar toda su agilidad y rapidez para tratar de que tanto su padre como ella estén a salvo.

Atrapante, efectiva y muy entretenida, Infierno en la Tormenta tiene varios aspectos positivos que la hacen sobresalir dentro del género. Por empezar, los efectos utilizados para el despiadado huracán resultan completamente creíbles, logrando que ya desde un principio el espectador pueda sumergirse de lleno en la trama. El agua que sube cada vez más en menor tiempo, el viento, el cielo, el sonido de la incesante lluvia y la soledad de padre e hija en ese sótano hacen que el interés por la resolución del conflicto no decaiga. Por otro lado, los cocodrilos consiguen asustar ni bien aparecen en pantalla gracias al buen manejo de cámara, que tiene un correcto balance entre estar por debajo y arriba del agua además de que aprovecha al máximo las zonas más oscuras.

La tensión se mantiene debido a la violencia que presentan los animales a la hora de atacar. Éstos tienen altas ansias de alimento, lo que da por resultado un par de escenas sangrientas que ayudan a fomentar la sensación de pánico. No obstante durante la segunda mitad del filme las inconsistencias e inverosimilitudes del guión comienzan a aparecer, haciendo que ya uno no se crea demasiado lo que está viendo y se haga preguntas tales como cuántas mordidas de cocodrilo puede resistir un ser humano o cuánto se puede aguantar sin respirar bajo el agua. Además, existe algún que otro momento que se nota muy conveniente para que el relato avance (por ejemplo, que el sótano tenga agujeros en las paredes que permitan ver hacia el exterior para pedir ayuda o que la protagonista encuentre un revólver un minuto antes de que el cocodrilo abra su hocico para atacarla).

En cuanto a las actuaciones, Kaya Scodelario da todo de sí tanto física como emocionalmente, lo que genera que su personaje nos importe y temamos por su bienestar. Barry Pepper como su padre también otorga una buena interpretación, logrando una dinámica dupla con Scodelario en la que a medida que avanza la historia iremos dándonos cuenta de qué asperezas del pasado existen en su relación.

Con un buen trabajo actoral y una buena dirección, Infierno en la Tormenta cumple su cometido al poner nervioso al espectador y hacerlo saltar de la butaca aunque sea una vez. Sus falencias quedan bastante en el olvido una vez que te das cuenta lo bien que la pasaste en la oscuridad de la sala de cine.

Puntaje: 7

El círculo de la vida

El Rey León (The Lion King, 2019) es una película dramática, musical y de aventuras que constituye una nueva versión del clásico homónimo animado de Disney estrenado en 1994. Dirigida y producida por Jon Favreau (Iron Man 1 y 2, El Libro de la Selva), el guión estuvo a cargo de Jeff Nathanson. Las voces originales incluyen a Donald Glover, James Earl Jones, Chiwetel Ejiofor, Seth Rogen, Billy Eichner, Beyoncé, Keegan-Michael Key, Alfre Woodard, John Oliver, entre otros. En el doblaje al español la voz de Simba fue puesta por el cantante mexicano Carlos Rivera y la voz de Kamari, una de las hienas, fue puesta por el comediante argentino Agustín “Rada” Aristarán.

En la sabana africana, los reyes leones Mufasa (James Earl Jones) y Sarabi (Alfre Woodard) acaban de convertirse en padres del pequeño Simba (Donald Glover). El cachorro crece en un ambiente lleno de amor junto a su familia y su mejor amiga Nala (Beyoncé), sin embargo sus ganas de demostrar su valentía hacen que caiga en las trampas de su tío Scar (Chiwetel Ejiofor), malvado león que siempre deseó el trono. Sintiéndose sumamente culpable por la muerte de su padre, Simba huirá de su hogar y pasará bastantes años con sus nuevos amigos Timón (Billy Eichner) y Pumbaa (Seth Roben), una suricata y un jabalí que viven sin preocupaciones. Sin embargo, Simba deberá recapacitar sobre quién es él, lo que lo llevará a volver a su lugar de origen para recuperar lo que es suyo y salvar a sus seres queridos del tirano Scar.

Con innovadoras técnicas cinematográficas y apelando plenamente a la nostalgia del espectador, esta remake de El Rey León no es más que una copia casi exacta de la cinta animada. Ya sea por la historia, canciones, planos o diálogos, si lo que uno busca al ir al cine es revivir una película que lo marcó en la infancia, ésta es la opción perfecta. Aunque el filme carezca del efecto sorpresa, ya que todo el tiempo sabemos qué es lo que ocurrirá a continuación, el realismo que se logró digitalmente logra que la entrada valga totalmente la pena y el disfrute esté garantizado.

Tanto los efectos especiales como la puesta en escena son lo más destacado de esta producción donde todo está hecho por computadora. Los realizadores viajaron a África para obtener referencias de la vida real de los diversos animales y conseguir un enfoque fotorrealista. De esta manera, cada escena en la pantalla grande resulta un deleite visual ya sea por el diseño súper cuidado de los personajes o los preciosos paisajes.

La música del compositor Hans Zimmer, que ya había ganado el Óscar por la banda sonora de la película animada, aquí también brilla y ayuda a recrear momentos icónicos tales como el inicio con el Ciclo Sin Fin o cuando Simba canta I Just Can’t Wait to be King. El soundtrack incluye nuevas versiones de las canciones originales escritas por Elton John y Tim Rice, lo que le aporta un poco de frescura al relato.

El Rey León no cuenta con una identidad propia teniendo en cuenta que la mayoría de sus aciertos se los debe al clásico de Disney. Sin embargo, su despliegue técnico y las correctas voces de los personajes hacen que esta historia de liderazgo, traición, amistad y responsabilidad nunca pase de moda.

Puntaje: 7

Golpe tras golpe

En Los 90 (Mid90s, 2018) es una película coming of age que marca el debut en la dirección de Jonah Hill (Maniac), el cual también se encargó del guión. Protagonizada por Sunny Suljic (El Sacrificio del Ciervo Sagrado), el reparto se completa con Na-Kel Smith, Olan Prenatt, Ryder McLaughlin, Gio Galicia, Alexa Demie, Lucas Hedges (Regresa a Mí), Katherine Waterston (Tina en Animales Fantásticos y Dónde Encontrarlos), entre otros. La cinta tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Toronto.

La trama gira en torno a Stevie (Sunny Suljic), un chico de 13 años que vive en un hogar turbulento: no solo su madre tiene una vida amorosa demasiado activa, sino que su hermano Ian (Lucas Hedges) es un adolescente súper violento que se la pasa golpeándolo sin piedad. Por estos motivos, Stevie prefiere estar fuera de casa. Al entrar en una tienda de skate del barrio de Los Ángeles, Stevie conoce a Rubén (Gio Galicia), chico que tiene aproximadamente la misma edad que él. Rubén pasa sus días con jóvenes más grandes (entre 18 y 20 años), fanáticos de la patineta y la música hip hop. De esta manera Stevie entablará conversación con el grupo conformado por los apodados Cuarto Grado (Ryder McLaughlin), el cual se la pasa filmando con su grabadora porque en un futuro quiere hacer películas, Ray (Na-Kel Smith), joven que quiere ser un skater profesional, y Cara de Mierda (Olan Prenatt), el cual se la pasa haciendo chistes y tomando alcohol. Al ser apodado “Quemadura”, Stevie será aceptado entre ellos y vivirá grandes aventuras. Sin embargo, muchas situaciones se tornarán indebidas para un chico de su edad y hasta llegarán a ser demasiado peligrosas para su integridad física.

Arriesgada, cruda y nostálgica, Jonah Hill sorprende gratamente teniendo en cuenta que ésta es su ópera prima. El actor devenido en director tardó cuatro años en hacer este filme, por lo que es notorio cuan importante y personal fue para él que En Los 90 sea un buen producto cinematográfico. Y sin lugar a dudas lo consiguió. Filmada en 16 mm y con un formato 4:3 en vez del 16:9 al que estamos acostumbrados, Hill logra transportarnos fácilmente a la década del 90, época en la que las redes sociales no existían y los adolescentes se juntaban en las calles para divertirse.

En ese contexto se nos presenta a Stevie, un niño que lo único que desea es encontrar un grupo de pertenencia para tratar de olvidar aunque sea por un rato lo mal que lo pasa en su casa. Como espectador, de entrada nos resulta muy fácil empatizar con él, no solo porque Hill desde el guión presta total atención a la buena construcción de sus personajes, sino también porque Sunny Suljic está excelente en su rol, transmitiendo desde lo gestual toda la dulzura, inocencia e ingenuidad típicas de un chico de su edad. A medida que avanza el relato, se puede notar cómo es que Stevie idolatra a sus nuevos amigos mayores, los tiene como referentes al punto de seguir sus pasos aunque en el fondo no esté tan seguro si lo que hace es lo correcto.

Con un reparto en el que la mayoría no son actores sino skaters profesionales, el filme derrocha una camaradería genuina, en donde se respetan los términos con los que se hablaba en esa década así como las maneras de tratarse unos a otros. Otro acierto del director pasa por no juzgar a sus personajes: ninguno es bueno o malo, sino que son una mezcla de ambos, tal como sucede en la vida real.

Con momentos sumamente incómodos de ver, la película es dura pero también tiene sus escenas graciosas y su cuota emocional. De esta forma, En Los 90 resulta más que un buen comienzo en la dirección para Jonah Hill, uno que se nota que está hecho con el corazón y retrata lo importante que es la amistad a medida que uno crece, en especial si desde el nido familiar no hay ningún tipo de contención.  

Puntaje: 8

Un juguete para nada seguro

Chucky: El Muñeco Diabólico (Child’s Play, 2019) es una película de terror dirigida por Lars Klevberg y escrita por Tyler Burton Smith. Remake de la cinta del mismo título estrenada en 1988, esta vez el reparto está compuesto por Gabriel Bateman (Cuando Las Luces Se Apagan), Aubrey Plaza (Ingrid Goes West), Brian Tyree Henry, Ty Consiglio, Beatrice Kitsos, Tim Matheson, Carlease Burke, Trent Redekop, David Lewis, Marlon Kazadi, entre otros. La voz de Chucky es puesta por Mark Hamill (Star Wars).

La historia se centra en Andy (Gabriel Bateman), un chico de 13 años que se acaba de mudar con su madre Karen (Aubrey Plaza) a Chicago. Para animar a su hijo ya que está enfrentándose a muchos cambios (desde adaptarse a un nuevo hogar hasta lidiar con su padrastro), Karen decide darle un regalo de cumpleaños adelantado. Al abrir la caja, Andy se encuentra con un muñeco Buddi que no funciona del todo bien, sin embargo al instante decide no darle importancia a las imperfecciones ya que se da cuenta que su mamá se esforzó por conseguirlo. Así es como Chucky (nombre que el mismo muñeco se dio a sí mismo) pasa a convertirse en el mejor amigo de Andy. Al no estar programado correctamente para que sea seguro para los niños, el juguete pronto pasará a tener actitudes muy peligrosas que hasta llegarán a poner en riesgo las vidas de las personas cercanas a Andy.

Más que como una remake, Chucky: El Muñeco Diabólico funciona como un reinicio de la saga. Esto se debe a que en esta nueva producción lo único que se respeta de la película original son los nombres de los personajes protagónicos. Por lo demás, estamos ante una nueva trama de origen del muñeco que no incluye ningún asesino en serie ni nada que tenga que ver con la transferencia de almas o hechizos vudú. Esto hace que la cinta se sienta fresca a pesar de ya conocer la personalidad de Chucky, un juguete viviente lleno de pensamientos retorcidos.

Con un enfoque más tecnológico, en esta oportunidad el diseño de Chucky presenta significativos cambios, lo que genera que, con solo verlo, el espectador se sienta extraño. Sumándole la voz espléndida de Mark Hamill, Chucky consigue atemorizar sin problemas. Pero no solo el diseño es acertado, sino también los momentos slasher donde el muñeco no se priva de nada, llevando a cabo las torturas y muertes más sanguinarias que harán que más de uno desee taparse los ojos.

A pesar de que en cierto punto la película se llega a sentir larga, ésta se convierte en un correcto reinvento del diabólico juguete. No será recordada ni nada por el estilo, pero de igual manera funciona para que las nuevas generaciones conozcan a este emblemático personaje.

Puntaje: 7

El vínculo madre e hija

Viaje al Cuarto de una Madre (2018) es una película dramática que constituye la ópera prima de Celia Rico Clavellino. Coproducida entre España y Francia, la cinta está protagonizada por Lola Dueñas y Anna Castillo. El reparto se completa con Pedro Casablanc, Noemí Hopper, Marisol Membrillo, Ana Mena, Silvia Casanova, Susana Abaitua, Adelfa Calvo, entre otros. El filme obtuvo cuatro nominaciones a los Premios Goya (Mejor Dirección Novel, Mejor Actriz Protagonista, Mejor Actriz de Reparto y Mejor Montaje). A la vez, la película fue galardonada con el Premio de la Juventud en el Festival de San Sebastián.

Rodada en Constantina, Sevilla, la historia se centra en Estrella (Lola Dueñas) y Leonor (Anna Castillo), madre e hija que hace poco sufrieron una gran pérdida en la familia. La joven Leonor tiene un empleo que consiste en planchar ropa en el mismo lugar donde trabajaba su madre, sin embargo con el paso de los días se da cuenta que esa labor no es lo suyo. Gracias a una charla con una amiga, Leonor descubre que podría tener otras posibilidades. A ella le gusta mucho el inglés, por lo que a través de Internet se inscribe para aprender ese idioma en Londres y estar al cuidado de unos bebés. En un principio perpleja por los deseos y accionar de su hija, Estrella deberá enfrentarse al vacío que deja Leonor al marcharse.

Pocas películas logran emocionar genuinamente desde sus primeros diez minutos de duración. El debut cinematográfico de Celia Rico Clavellino lo consigue de una fácil manera: centrándose en los detalles. La película es el claro ejemplo de que no se necesita de un enorme presupuesto para contar una historia simple pero llena de humanidad, delicadeza y honestidad.

A través de la rutina diaria de las dos protagonistas, al espectador se le hará casi imposible no sentirse identificado con las situaciones o diálogos del filme, en especial si se tiene una buena relación entre madre e hija. Desde ver el capítulo de una serie juntas en el sillón hasta conversaciones vía Whatsapp, el vínculo entre Estrella y Leonor contiene un realismo increíble. Esto no podría haberse dado si no se contaba con buenas actuaciones. Por suerte, tanto Lola Dueñas y Anna Castillo están excelentes en sus respectivos roles, haciendo que sea completamente natural creer en la posibilidad de que estos personajes existan en la vida real.

Por otro lado, la casa ubicada en un pequeño pueblo del sur de España funciona como una protagonista más. La directora demuestra maestría en la utilización del espacio hogareño, representando con éxito cómo dos mujeres que viven bajo el mismo techo lidian con el duelo de manera distinta. Las protagonistas no necesitan de las palabras para transmitir todo el dolor y los miedos que están alojados dentro de su ser. Además, cuando Leonor viaja a Londres, el vacío que deja en la casa traspasa la pantalla, generando que percibamos de primera mano cómo se siente Estrella.

Muy emocionante y sutil, Viaje al Cuarto de una Madre se convierte en una pequeña gran película que nos habla de la madurez: en cuanto a Leonor, por lo difícil que es dejar el nido materno; y por el lado de Estrella, por el recorrido que atraviesa para volverse a encontrar a sí misma como mujer. Llena de esperanza, la ópera prima de Celia Rico Clavellino rebosa de autenticidad, llegando al corazón del espectador y haciéndolo reflexionar sobre el paso del tiempo y lo complejas, pero maravillosas, que son las relaciones humanas.

Puntaje: 9

Un set de filmación con percances

La Fiera y la Fiesta (2019) es una película dramática dirigida y escrita por Israel Cárdenas y Laura Amelia Guzmán. Coproducida entre República Dominicana, México y Argentina, la cinta está protagonizada por Geraldine Chaplin. El resto del reparto incluye a Udo Kier, Pau Bertolini, Luis Ospina, Jackie Ludueña, Jeradin Asencio, Jaime Pina, entre otros. La cinta participó en la sección Panorama del Festival de Cine Internacional de Berlinale.

La historia se centra en Vera (Geraldine Chaplin), una anciana actriz y directora de cine que llega a Santo Domingo, capital de República Dominicana, con el objetivo de filmar una película musical a partir de un guión inacabado de su amigo fallecido Jean-Louis Jorge. Junto a sus compañeros de trabajo que conoce desde la década del 70, Vera intentará hacer lo mejor posible para honrar a Jean-Louis, no obstante el rodaje se verá afectado por las diferentes opiniones creativas, las condiciones climáticas e incluso la muerte de un par de bailarines.

Película dentro de otra película. La Fiera y la Fiesta es un filme que fue concebido únicamente para brindar homenaje a Jean-Louis Jorge, un director y productor dominicano que fue asesinado violentamente en su apartamento el 13 de marzo del 2000. Jean-Louis solo adquirió relevancia en su país de origen, por lo que para los demás su nombre, carrera e historia de vida resultan totalmente desconocidos. Así es como llegamos al primer error que tiene este largometraje: todos los espectadores que no tengan idea de la figura de Jean-Louis y cómo era el tipo de cine que hacía, aquí se sentirán completamente perdidos. En vez de otorgarnos un contexto o darnos información sobre este director transgresor al que se lo llegó a considerar como el precursor del cine de Almodóvar, las directoras y escritoras prefirieron armar un filme que solo va a ser comprendido por los que consumieron películas de Jean-Louis tales como La Serpiente de la Luna de los Piratas (1973), Melodrama (1976) o el corto Afrodita.

A pesar de que Geraldine Chaplin da una correcta interpretación al encarnar a una mujer súper dispuesta a que su película llegue a buen puerto, la trama rápidamente va perdiendo el ritmo. En muchas partes prácticamente no sucede nada, lo que hace que el espectador pierda el interés que en un principio tenía. Por otro lado, cuando la cinta instala un poco de misterio a partir de la muerte de un par de bailarines, se decide no profundizar más en el tema, dejando al espectador en pleno desconcierto.

Aunque La Fiera y la Fiesta cuenta con una bella fotografía e iluminación que establecen un tono tan surreal como exótico, el contenido del filme solo podrá llegar a ser disfrutado por una minoría. Si se desea conocer más a este extravagante director, ver directamente su filmografía es la mejor opción.

Puntaje: 4

Un amor que no es recíproco

Esa Mujer (Jian Hu Er Nü, 2018) es una película china de drama dirigida y escrita por Zhangke Jia. Protagonizada por Zhao Tao, el reparto se completa con Liao Fan, Jiali Ding, Xu Zheng, Casper Liang, Feng Xiaogang, entre otros. La cinta compitió en la selección oficial por la Palma de Oro del Festival de Cannes de 2018.

En 2001, Qiao (Zhao Tao) mantiene una relación con el gangster Bin (Liao Fan), cabecilla de la mafia en Datong, zona conocida como la ciudad del carbón por su industria minera. Mientras la pareja viaja en auto, una pandilla rival se acerca alrededor del coche con sus respectivas motocicletas, por lo que a Bin no le queda otra que salir del vehículo y tratar de alejarlos. No obstante, los jóvenes le empiezan a pegar violentamente sin parar. Viendo esta situación horrorosa por la ventanilla, Qiao decide agarrar una de las armas de Bin, salir y disparar al cielo para que los enemigos de Bin se vayan. Este accionar produce que Qiao sea detenida por la policía ya que el arma utilizada es de propiedad ilegal. Al insistir con que la pistola es suya, Qiao es condenada a cinco años de prisión. Pasado ese tiempo, Qiao viajará en busca de Bin. Sin embargo, en 2006 la realidad es otra.

Soledad, desamor y decepción son los principales tópicos que pueden encontrarse en Esa Mujer, película en donde la cámara sigue todo el tiempo a Qiao, una mujer que se maneja en un mundo violento completamente manejado por hombres. Uno de los aciertos principales del filme pasa por su protagonista femenina: la actriz Zhao Tao otorga una gran interpretación en donde no necesita palabras para que el espectador comprenda el dolor que atraviesa. Qiao tiene carácter, es valiente y a la vez ama profundamente a una persona que nunca sintió lo mismo hacia ella.

La película abarca tres etapas representadas en los años 2001, 2006 y 2018. En cada uno de esos momentos seremos testigos no solo de cómo China fue cambiando, sino también de cómo la relación de Qiao y Bin se va extinguiendo. Y es que a fin de cuentas el gangster nunca sintió ni un ápice del cariño que le tuvo Qiao. Ella estuvo siempre a su lado, le salvó la vida, mintió por él y soportó años en la cárcel que no le correspondían para que Bin ni siquiera fuera capaz de ir a visitarla. Sin trabajo, con un padre fallecido y una hermana que vive lejos, Qiao sigue apostando a Bin, lo que produce mucha bronca y tristeza.

Con una fotografía luminosa que nos muestra los bellos paisajes de China, es el camino solitario de la protagonista por las calles de Hubei, por barco y por tren el que nos hace querer seguir viendo esta historia de larga duración (135 minutos). Fuerte como también vulnerable, la Qiao de Zhao Tao llama nuestra atención desde un primer momento haciendo imposible que le saquemos los ojos de encima.

Original e interesante, Esa Mujer fusiona con gran éxito el mundo criminal chino con el melodrama. Afecto, solidaridad, dolor e indiferencia se juntan en esta historia que sin duda da para reflexionar.

Puntaje: 7,50

Las apariencias engañan

Spiderman: Lejos de Casa (Spider-Man: Far From Home, 2019) es una película de superhéroes que funciona como secuela de Spiderman: De Regreso a Casa (Spider-Man: Homecoming, 2017). Jon Watts vuelve a ser el director así como el guión otra vez está co-escrito por Chris McKenna y Erik Sommers. Tom Holland (Lo Imposible) vuelve a ponerse en la piel del héroe arácnido; también regresan los personajes interpretados por Jacob Batalon, Zendaya, Jon Favreau, Marisa Tomei, Tony Revolori, Angourie Rice (Dos Tipos Peligrosos, Cada Día), Martin Starr, entre otros. Samuel L. Jackson y Cobie Smulders están presentes como Nick Fury y Maria Hill respectivamente; a su vez, en el reparto se incorpora Jake Gyllenhaal como Mysterio.

Luego de los eventos ocurridos en Avengers: Endgame, Peter Parker (Tom Holland) decide tomarse unas vacaciones escolares a Europa con la intención de desconectarse unos días de su traje e intentar conquistar a su compañera de curso MJ (Zendaya). Sin embargo la tranquilidad durará poco ya que, en Venecia, Peter verá cómo una criatura compuesta de agua destruye la ciudad. Después de esta catástrofe y del llamado de Nick Fury (Samuel L. Jackson), Peter conocerá a Quentin Beck (Jake Gyllenhaal), un superhéroe que viene de otra dimensión en donde los Elementales (fuerzas del mal en forma de fuego, tierra, agua y aire) mataron a su familia. De esta manera, Peter Parker deberá unir fuerzas con su compañero Quentin para que el noreste de Italia no termine completamente hecho trizas.

Vigésimo tercera dentro del Universo Cinematográfico de Marvel, Spiderman: Lejos de Casa llega a la cartelera para dar un cierre a la fase tres de esta franquicia. Y lo hace a lo grande. Sumamente divertida y fresca, la secuela del Hombre Araña logra ser mucho más atractiva que su predecesora. Esto se debe a que como espectador ya conocemos a los personajes, sus diversas personalidades y maneras de actuar. El humor juvenil está presente en la mayoría del metraje, pero no solo eso logra que la cinta sea sumamente disfrutable sino también el dinamismo que presenta la historia, la cual nunca se llega a sentir pesada debido a que el conflicto es muy atrapante.

La trama puede volverse previsible para los que conocen los cómics o los que estuvieron al tanto de qué cara nueva se incorporó en esta aventura, sin embargo las buenas actuaciones y el interés desde el guión en que los personajes estén correctamente desarrollados hacen que la experiencia cinematográfica sea igual de agradable. El arco narrativo emocional de Peter Parker está súper bien tratado, Tom Holland aquí demuestra que es perfecto para el rol y los guionistas se destacan por retratarlo como verdaderamente es: un adolescente de 16 años que está bajo mucha presión por convertirse en el nuevo héroe que la sociedad necesita cuando en realidad él solo quiere tratar de establecer relación con la chica que le gusta y pasar unas tranquilas vacaciones con sus amigos de secundaria.

Jake Gyllenhaal no se queda atrás ya que resulta un excelente aporte para Marvel. La química que tiene con Tom Holland traspasa la pantalla y también se luce al interactuar con los demás personajes. En cuanto a Zendaya, aquí sorprende para bien dado que tiene más líneas y tiempo para que logremos empatizar con ella, lo cual no sucedía en el primer filme.

Por último, pero no menos relevante, desde lo visual la película es bellísima. Aparte de los extraordinarios paisajes de Venecia, Praga y Londres, aquí se desarrolla estéticamente otro aspecto que comentarlo sería spoiler pero no se puede dejar de nombrar lo bien hecho que está, haciendo que uno quede maravillado con las secuencias que le tocan atravesar a Peter Parker. Además, cada traje que se calza nuestro héroe está diseñado prestando atención hasta al más mínimo detalle, en especial el que Peter utiliza para una presentación caritativa de su tía May (Marisa Tomei), el cual tiene un brillo increíble.

Spiderman: Lejos de Casa es entretenimiento absoluto de principio a fin. Con un interés romántico que resulta muy genuino, la cantidad justa de escenas de acción y unos giros narrativos que cobran total sentido, el Spidey de Tom Holland se merece triunfar en la taquilla.

Puntaje: 8,50

Un descanso de la ciudad

La Vida Secreta de tus Mascotas 2 (The Secret Life of Pets 2, 2019) es una película animada de comedia y aventuras que está dirigida por Chris Renaud (como la primera entrega estrenada en 2016). Producida por Illumination, el guión estuvo a cargo de Brian Lynch. Las voces originales son puestas por Patton Oswalt, Eric Stonestreet, Kevin Hart, Harrison Ford, Tiffany Haddish, Jenny Slate, Lake Bell, Ellie Kemper, Hannibal Buress, Bobby Moynihan, Henry Lynch, Dana Carvey, entre otros. En argentina, el humorista Campi otra vez da la voz al peludo perro Duke.

Luego de que Max (Patton Oswalt) y Duke (Eric Stonestreet) aprendieron a llevarse bien en el primer filme, su dueña Katie (Ellie Kemper) conoce a Chuck (Pete Holmes), el amor de su vida. Con la llegada del bebé Liam (Henry Lynch), Max pasará a tener otro rol: cuidar que a la criatura no le pase nada malo. Antes de que su hijo comience preescolar, Katie y Chuck organizan un viaje a la granja. Dejando su pelota favorita al cuidado de la enamoradiza vecina Gidget (Jenny Slate), Max verá que en el campo la vida es muy distinta. Gracias a las lecciones del perro pastor Gallardo (Harrison Ford), Max adquirirá valentía para ayudar en su regreso al conejillo Snowball (Kevin Hart), que ahora se cree superhéroe y está decidido a salvar al tigre Hu de un malvado dueño de circo.

Divertida, tierna y muy sencilla, esta secuela sigue apelando al humor físico para entretener a los más chicos. Las mascotas continúan siendo completamente adorables a excepción del conejo que, como en la primera parte, vuelve a tornarse un poco insoportable. En cuanto al guión, la película se siente como tres historias cortas distintas que en el desenlace consiguen unirse. Los adultos notarán que la edición del filme no está del todo bien hecha, ya que se decide pasar de una historia a otra indiferentemente, sin que resulte fluido. No obstante, la cinta funciona para el público al que está apuntada, lo que la convierte en una opción ideal para las vacaciones de invierno que se aproximan.

Los nuevos personajes, tales como la perrita Daisy (Tiffany Hadish) o el campestre Gallardo (Harrison Ford), resultan un buen aporte para esta segunda parte. No obstante lo más dulce de la película pasa por la relación que se forma entre Max y el bebé Liam. Ver al nene conviviendo con sus mascotas hará sonreír tanto a chicos como a grandes.

Por otro lado, la calidad técnica mantiene el nivel de la primera entrega. Muy luminosos y coloridos, los escenarios (ya sea en el campo o la ciudad) transmiten energía por sí solos. El diseño de los animales vuelve a ser perfecto para lograr que el espectador se encariñe con cada mascota.

Aunque en la trama de esta secuela se note la falta de ideas y el conflicto central tarde muchísimo en aparecer, La Vida Secreta de tus Mascotas 2 es lo suficientemente disfrutable para pasar un cálido rato en el cine con los niños de la familia.

Puntaje: 6

El ser humano perjudicándose a sí mismo

Perros del Fin del Mundo (2018) es un documental nacional dirigido por Juan Dickinson (Destino Anunciado, Dolores). El filme fue declarado como proyecto de Interés Cultural por el Municipio de Río Grande. También obtuvo el reconocimiento como proyecto de Interés Cultural Provincial de Tierra del Fuego, Antártida e Islas del Atlántico Sur. Por otro lado, la cinta se alzó con el premio Earthvision Environmental Feature en el Santa Cruz Film Festival.

Filmado en Río Grande, Tolhuin y Ushuaia, este documental se centra en dar cuenta de cómo Tierra del Fuego está cambiando negativamente por el accionar humano. Debido a que la gente se deshace de sus perros en el sur, éstos pasan a formar jaurías en estado salvaje, lo que constituye un grave problema para los estancieros que se dedican al ganado ovino ya que los caninos, ya sea por hambre o diversión, persiguen a las ovejas hasta herirlas o directamente provocarles la muerte. No solo eso, sino que los perros asilvestrados se reproducen, propagan enfermedades, muerden a los pueblerinos y hasta generan un cambio en el ecosistema puesto que las aves dejan de migrar a las zonas donde están ellos.

A través de diferentes testimonios (la presidente de la Asociación Rural de Tierra del Fuego, la fundación CONIN, estancieros, cazadores, proteccionistas y veterinarios), Juan Dickinson expone con ritmo y agilidad una problemática latente en el sur argentino que se está volviendo cada vez más preocupante. Con la ausencia del Estado y la falta de políticas adecuadas para tratar de llegar a una solución, el espectador es testigo de cómo algunas personas recurren a métodos violentos (disparar a los perros cimarrones, construir vallas eléctricas, instalar trampas en el suelo) para que los caninos dejen de ser una amenaza hacia sus ovejas.

Por otro lado tenemos a los médicos que, desde un quirófano móvil, se dedican a castrar a los perros, inyectarles las vacunas necesarias y hacerles el seguimiento correspondiente a través de micro chips. Lo bueno del documental es que no toma una postura sino que muestra con maestría el conflicto y deja que el espectador saque sus propias conclusiones de lo que expresa cada fueguino.

Con una bella música acorde e imágenes claras que de inmediato nos hacen interesarnos por la temática a tratar, Dickinson fue capaz de armar un documental súper necesario para los tiempos que corren. Al fin y al cabo, Perros del Fin del Mundo refleja la estupidez, irresponsabilidad y falta de educación del ser humano, que no toma consciencia de que al abandonar a su propia mascota no solo está cometiendo un acto cruel e inimaginable para muchos, sino que también está colaborando a que el problema persista y perjudique a otras personas. El filme invita al debate y la reflexión, dejando claro que la falta de respeto del hombre debería tener un límite.

Puntaje: 8

El estudio en Argentina

Las Facultades (2019) es un documental nacional de observación que constituye la ópera prima de Eloísa Solaas, egresada de la carrera de Diseño de Imagen y Sonido en la UBA. El reparto incluye a diversos estudiantes y profesores de universidades públicas. La cinta participó en la Competencia Oficial Argentina del BAFICI, donde ganó el premio a la Mejor Dirección, el premio ASA (Asociación Sonidistas Argentinos) al Mejor Sonido y una mención especial por el montaje.

Con una cámara fija en primer plano, el filme nos presenta a estudiantes universitarios de distintas carreras tales como Derecho, Filosofía, Medicina, Arquitectura, Botánica, Agronomía, Piano, Filosofía, Sociología (ciencias sociales en el penal 48 del Servicio Penitenciario Bonaerense), entre otros. De esta forma seremos testigos de cómo se prepara cada uno para rendir el examen final oral y cómo es esa instancia ante el profesor, la cual está llena de presión, estrés y nervios.

Tartamudeo, sudor en las manos, repetición de palabras, silencios luego de las preguntas, entre otras cosas, son solo algunos de los aspectos de los que da cuenta Eloísa Solaas en su primer documental, donde se centra en mostrar cómo es la etapa de prueba dentro de las universidades de nuestro país. Aunque la cinta presente temáticas interesantes en donde los jóvenes a través del habla expresan sus conocimientos, pronto el filme se torna aburrido y largo a pesar de que solo dura 82 minutos.

El principal problema recae en que, como espectador, no se sabe cuál fue el objetivo de la directora. Muchos de los orales demuestran que los alumnos se quedan sin saber qué decir o responden incorrectamente, como una mujer que hace tres años que no se presentaba a dar su examen de cine. Sin embargo en otros sí se logra notar que los conocimientos están adquiridos, como el estudiante de Medicina que da su examen utilizando radiografías y partes reales del cuerpo humano. ¿Con este documental se pretendió mostrar que la manera de evaluar en las universidades públicas no es la correcta? ¿O que la mayoría de jóvenes no estudian lo suficiente? En ningún momento queda claro lo que se quiso transmitir.

Las Facultades se queda a mitad de camino por tener un buen tópico a desarrollar pero no saber qué mensaje dejar. Por otro lado, al presentar tantas carreras y profundizar en variados temas dentro de ellas, el espectador inevitablemente termina perdiendo el hilo de lo que los alumnos están explicando, más teniendo en cuenta que el uso de determinados términos no es de nuestro propio conocimiento.

Puntaje: 5