sábado, 23 de septiembre de 2017

Tierra olvidada

“Viento Salvaje” (Wind River, 2017) es un thriller escrito y dirigido por Taylor Sheridan, responsable de los guiones de “Sin nada que perder” (Hell or High Water, 2016) y “Sicario” (2015). Los protagonistas son Jeremy Renner y Elizabeth Olsen, esta vez alejados de sus roles en Avengers. Completan el reparto Gil Birmingham, Graham Greene, Kelsey Asbille, Julia Jones, Teo Briones, Tokala Black Elk, Martin Sensmeier y Jon Bernthal. Por esta historia real Sheridan ganó el premio a mejor director en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes. Llegó a las salas argentinas el 21 de septiembre gracias a la distribuidora Distribution Company.


Cory Lambert, el cazador local de la Reserva Indígena Wind River ubicada en Wyoming, Estados Unidos, un día descubre en la nieve el cuerpo de Natalie, una joven del pueblo que él conocía. El cadáver está alejado de cualquier tipo de civilización, con sangre y descalzo. Con la ayuda de la agente del FBI Jane Banner, Cory buscará al responsable del crimen en un pueblo olvidado por su propio país, en el que las desapariciones de mujeres indígenas son moneda corriente y los registros no existen.

Taylor Sheridan debuta como director con este policial en el que el lugar es tan protagonista como Cory y Jane. Gracias a la fotografía de Ben Richardson uno puede sentir lo gélido que es el invierno en esa Reserva en la que de la nada se puede formar una fuerte tormenta de nieve y a los minutos salir el Sol. Así el espectador se adentra en un pueblo que no conoce y esto lo hace a través de Jane, la agente del FBI que es mandada allí sin saber muy bien lo que le espera. En la primera escena de ella podemos ver cómo la asignaron al caso sin ni siquiera darle la ropa adecuada. Jane quiere ir caminando a ver al cadáver pero no sabe que sólo se puede llegar al lugar con una moto de nieve y, si va con la ropa que tiene, morirá congelada. Esto genera un excelente complemento entre los protagonistas: El cazador (Jeremy Renner) conoce cómo se manejan en esa sociedad, sabe interpretar las huellas en la nieve y dónde buscar respuestas; por otro lado la agente (Elizabeth Olsen) no es ninguna inexperta en su trabajo y su predisposición por encontrar al culpable es notable durante todo el film.


La cinta tarda en arrancar, con unos primeros minutos en los que no pasa demasiado y vemos una mínima interacción del cazador con su ex mujer. Sin embargo desde el hallazgo del cuerpo de Natalie el interés y la tensión van en aumento. Los sospechosos son varios, uno no sabe en quién confiar y, cuando el silencio se apodera de la escena, los tiros, junto al accionar de algunos nativos, sorprenden y sobresaltan.

Es para destacar el personaje que construye Jeremy Renner. Su postura ante el crimen de Natalie tiene un trasfondo dramático que lo toca muy de cerca. A él años atrás le arrebataron a su hija adolescente, mejor amiga de Natalie, y nunca obtuvo respuestas de lo que sucedió. Vamos vislumbrando que está roto por dentro a través de sus expresiones, miradas y seriedad que transmite.

El final resulta satisfactorio como también triste ya que uno recuerda que lo que sucede en la Reserva Indígena de Wyoming no es ficción. El Estado decidió olvidarse de esas tierras mucho más extensas que Rhode Island y que sólo cuentan con seis patrulleros de policía.

“Wind River” se atreve a tocar temas como el tráfico de drogas, la violencia y la violación en una comunidad que vive sin leyes. Las injusticias se muestran explícitamente, dan asco y bronca. Un film necesario que sirve para dar a conocer la extrema desprotección que sufren día tras día los nativos americanos y que va a quedar en tu mente luego de su visionado. 


miércoles, 20 de septiembre de 2017

Las distintas formas del miedo

“IT” (Eso, 2017) es una película de terror basada en la novela de Stephen King, que ya había tenido su adaptación en formato de miniserie en 1990. Está dirigida por el argentino Andy Muschietti, conocido por la cinta de 2013 “Mamá”, y escrita por Chase Palmer, Cary Fukunaga y Gary Dauberman. Esta vez el actor sueco Bill Skarsgard fue el encargado de darle vida al horrible payaso Pennywise. Completan el reparto Jaeden Lieberher, Sophia Lillis, Finn Wolfhard (Mike Wheeler en la serie Stranger Things), Jeremy Ray Taylor, Jack Dylan Grazer, Wyatt Oleff, Chosen Jacobs, Nicholas Hamilton y Jackson Robert Scott. Llega a las salas argentinas el 21 de septiembre gracias a la distribuidora Warner Bros.


Ambientada en los 80, la historia transcurre en un pueblo pequeño llamado Derry, ubicado en Maine, donde muchos lo catalogan como “maldito” porque bastantes niños desaparecen sin ninguna explicación. Esto le sucedió a Georgie, el hermanito de Bill que un día lluvioso perdió su bote de papel y se encontró con el payaso Pennywise. Meses después Bill continúa con la esperanza de encontrar a Georgie vivo, por más que sus padres lo consideren muerto. Junto a sus amigos Richie, Beverly, Eddie, Ben, Mike y Stan, que conforman el “Club de los Perdedores”, Bill buscará destruir al payaso que se llevó a su hermano. Éste no será el único problema ya que los chicos deben hacer frente a la pandilla que les hace bullying, comandada por el violento Henry Bowers y además cada uno deberá enfrentarse a su peor pesadilla. 


Aunque la película sea calificada como de terror, sorprende y es para aplaudir que no trate sólo sobre eso. Gracias al acertado guión como espectador uno se interesa por las vidas de estos siete chicos y las escenas graciosas incluso llegan a ser mejores que las de sustos. El miedo de cada uno es distinto y está muy bien representado en el filme: el payaso no siempre adquiere esa forma para asustar. Por otra parte, en las dos horas y cuarto de duración casi ni aparecen adultos y, cuando lo hacen, generan más terror que Pennywise. Lo más hermoso del film entonces consiste en que el temor mayor de estos chicos no es esa figura sobrenatural sino lo que les sucede en la vida real: el ser nuevo en el pueblo y no tener amigos, sufrir burlas por ser gordo, pasarla terriblemente mal en tu propia casa, los falsos rumores y el sentir que “no encajás”.

En cuanto al terror, nada supera a la escena introductoria en la que se ve el encuentro de Georgie con Pennywise. Realmente es impactante y desagradable. Luego se decide poner escena tras escena de miedo, sin dar respiro y con una música demasiado estridente lo cual llega a molestar. Poner la banda sonora al máximo volumen no es garantía de sustos. También se abusa de mostrar al payaso en cuerpo entero, era más temible cuando sólo se le veía la cara en las sombras.

Se nota que los niños actores pasaron mucho tiempo juntos antes del rodaje porque la química que tienen entre ellos es admirable. Sophia Lillis con sólo 15 años es toda una revelación, su personaje de Bev, la única mujer en el grupo, tiene un trasfondo familiar muy duro y sufrimos con ella durante todo el film. Finn Wolfhard como Richie es uno de los mejores personajes, enérgico y charlatán, sus chistes no quedan para nada forzados y seguro te van a sacar carcajadas. Aparte tenemos a Jack Dylan Grazer como Eddie, un chico hipocondríaco y asmático con una personalidad bien marcada, es imposible que su manera de pensar pase desapercibida.

“IT” deja un gran mensaje de lo importante que es la amistad y la unión frente a los problemas. Cuenta con una fotografía bella que retrata al inigualable pueblito de Derry. En el tramo final decae pero su acierto pasa por la manera de relacionarse que tienen los niños. Ya casi confirmada su segunda parte, si continúan dándole más importancia a la parte humana y deciden mostrar menos al payaso puede llegar incluso a tener aún más éxito que esta primera parte. 


jueves, 14 de septiembre de 2017

El deseo de ser madre

“Una Especie de Familia” es una película dramática argentina dirigida y co-escrita por Diego Lerman y protagonizada por la madrileña Bárbara Lennie. Completan el reparto Claudio Tolcachir, Daniel Aráoz y Yanina Ávila. Llega a las salas argentinas el 14 de septiembre de 2017 gracias a la distribuidora UIP.


La historia se centra en Malena, una mujer de clase media que trabaja como médica en Buenos Aires y su sueño más grande es el de adoptar un bebé. Para cumplirlo arregló con Marcela, una embarazada de la provincia de Misiones que vive en condiciones precarias y no puede mantener a todos sus hijos, que cuando nazca el niño se lo entregue. A la vez Malena habló con el doctor Costas para que no haya ningún tipo de problema aunque sea una adopción ilegal. Ya en Misiones y habiendo presenciado el parto, las cosas marchan bien hasta que en una reunión el padre de Marcela le pide a Malena 10 mil dólares para poder llevarse al bebé. Esto toma por sorpresa a la protagonista ya que no había sido lo que acordaron y aparte está de lo más vulnerable al haberse encariñado con la criatura. Malena, con la ayuda de su ex marido, hará hasta lo imposible por quedarse con ese bebé, traspasando barreras morales y enfrentándose a la corrupción.


Qué grato es cuando nos encontramos con películas chiquitas pero tan bien filmadas, con un tema duro que invita a la reflexión sin tomar partido por sí mismo, un protagónico extraordinario y una fusión de géneros (thriller, road movie y drama) muy bien manejada. Desde la primera escena el espectador se mete de lleno en el relato y cuando un conflicto parece haberse resuelto, surge otro que vuelve a llenarnos de tensión. Todo plagado por el drama que nunca desaparece pero que tampoco apela al golpe bajo sino que muestra lo que sucede de una forma muy realista.

Bárbara Lennie tanto física como emocionalmente se pone en la piel de Malena y brinda una de las mejores interpretaciones del año. Con ella casi siempre en cámara, es imposible que su dolor y desesperación no te lleguen al corazón. Hay ciertas partes en las que uno no puede creer el nivel actoral que tiene, y aunque tome decisiones que no siempre sean las correctas, se la comprende plenamente por el mundo injusto en el que vive. Daniel Aráoz compone a un médico con distintas aristas que dan para debatir luego de ver el film. Claudio Tolcachir como el ex marido de la protagonista sirve para bajarla a tierra, hacerle entender que lo que le están pidiendo es una locura. Prohibido dejar pasar la gran revelación que constituye Yanina Ávila en el papel de Marcela, su debut cinematográfico tiene una gran carga emocional que no va a dejar indiferente.

Hay muchas escenas intensas para destacar que pegarán fuerte en el espectador y es necesario experimentarlas sin ningún tipo de spoiler. El final, con uno de los planos más exquisitos, es otro de los grandes aciertos de esta propuesta cinematográfica que competirá en el Festival de San Sebastián.

El vacío legal en cuanto a la adopción, las mentiras en el entramado que se da dentro del hospital, las ganas de ser madre para Malena y por otro lado la entrega del bebé por parte de Marcela ya que por más que tenga un montón de amor para darle a ese niño, la situación económica es clave, son sólo algunos de los temas que se tocan en la cinta. Se deja un mensaje muy claro sobre que el Estado de nuestro país está ausente y esto no puede seguir así, las leyes deben cambiar.


“Una Especie de Familia” es un relato duro que, aunque sea una historia de ficción, se nutre de la realidad actual y saca a la luz algo de lo que debería hablarse más: un acto de amor como lo es una adopción no puede tener tantos obstáculos ni debe hacer pasar por tanto estrés a los que desean ser padres de corazón.


sábado, 9 de septiembre de 2017

El modo de relacionarse

“The Lobster” (Langosta) es una película dramática del 2015 dirigida, producida y escrita por el griego Yorgos Lanthimos. El cast incluye a Colin Farrell, Rachel Weisz, Jessica Barden, Michael Smiley, Léa Seydoux, John C. Reilly, Ben Whishaw y Angeliki Papoulia. Fue nominada por Mejor Guión Original en los Oscars y ganó el Premio del Jurado en el Festival de Cannes. No llegó a las salas argentinas.


El film presenta una distopía con una sociedad reglamentada muy diferente a lo que es nuestra actualidad: no se puede pasar la vida solo, sin pareja. El protagonista es David, un hombre al que su esposa lo acaba de dejar por otro. Para conseguir a otra mujer es llevado a un hotel en el que se le dan 45 días para encontrar a su alma gemela, que si o sí tiene que tener una característica en común con él. Si pasa ese plazo y no lo logra, será convertido en un animal (él puede elegir el tipo de animal que quiere ser) y vivirá en el bosque. En el hotel todo está pautado: la hora del desayuno, el momento de bailar, de ver presentaciones hechas por los encargados del lugar y de ir a tirar dardos tranquilizadores a los “solitarios” que viven en el bosque cercano. Cuantas más personas logren cazar, más días tienen para permanecer en el hotel sin ser convertidos en animales. Los que habitan el bosque tienen una forma de vida con reglas 100% contrarias a lo planteado: allí el individualismo es pleno, se puede hablar con otra persona pero no flirtear, menos darse un beso. Si alguno lo hace, los castigos vendrán.

Si hay algo en lo que se destaca esta cinta es en su originalidad, la cual mantiene al espectador asombrado por cómo se rige ese mundo y lo creíble que parece. El protagonista vive acompañado de un perro que antes fue su hermano y la reunión que tiene con los directivos del establecimiento para, en caso de fallar, decidir en qué convertirse se da de una forma muy seria y formal. Se nota una gran diferencia dentro del hotel entre los que están solos y los que ya encontraron pareja, tanto es así que dependiendo de eso están en diferentes sectores. A la vez entablar conversación con otra persona a David no le resulta sencillo, pero igual se hará amigo de un hombre que cojea y otro que tartamudea.


La película tiene una fotografía lúgubre que transmite a la perfección la soledad que vive David. Colin Farrell encarna a este personaje que muchas veces no sabemos qué es lo que piensa, cuáles son sus deseos; él se maneja guiándose por lo pautado y ya. Sin embargo se da un cambio entre la primera hora del film y la segunda, que hace que a muchos les pueda gustar más lo planteado en la primera parte. A pesar de ello el interés se mantiene gracias a esta sociedad tan bien armada en la que queremos saber más y más.

Cuando se estrenó muchos medios la calificaron como una comedia pero para mí está muy alejada de ser eso. Lo que sucede no da risa, sino que impacta. Yorgos Lanthimos construyó un relato innovador con una crítica social hacia el modo de relacionarse que tiene el ser humano. El final lo deja a uno reflexionando y preguntándose qué somos capaces de hacer por alguien a quien queremos de verdad.

“The Lobster” presenta una distopía que funciona y da gusto ver. No hay dudas de que, cuando la termines, te preguntarás a vos mismo qué animal querrías ser si no encontraras algo en común para pasar el resto de tu vida con otra persona. 


viernes, 8 de septiembre de 2017

Experiencias

“Kids in Love” (Niños Enamorados) es una película británica coming of age de bajo presupuesto dirigida por Chris Foggin y escrita por Preston Thompson y Sebastian de Souza (estos dos últimos también actúan en ella). El reparto incluye a Will Poulter (“Gally” en The Maze Runner, “Eustace” en Las Crónicas de Narnia: La Travesía del Viajero del Alba), Alma Jodorowsky, Cara Delevingne (“Laureline” en Valerian y la Ciudad de los Mil Planetas), Gala Gordon, Jamie Blackley (“Adam” en Si Decido Quedarme), Geraldine Somerville y Pip Torrens. A pesar de haberse filmado en 2013, la película no salió a la luz hasta 2016. No llegó a salas argentinas.


La historia se centra en Jack, un joven londinense que terminó la secundaria y no sabe hacia dónde encaminar su vida ya que siempre se manejó con una rutina fija. Su amigo Tom quiere hacer un viaje a Sudámerica con él, su familia desea que haga una pasantía o que comience a meterse en el mundo de los abogados sirviendo té en el buffet, pero Jack no está seguro de nada. Un día por casualidad conoce en la calle a una chica llamada Evelyn que lo intriga y desconcierta. Con ganas de conocerla más, Jack se irá acercando a ella, conocerá a sus amigos liberales y se embarcará en algo que nunca antes había experimentado.


Mostrándonos el lado bohemio de la ciudad de Londres, la cinta apunta a las inseguridades que se tienen al dejar de ser un niño y tener que decidir qué hacer en el futuro. Will Poulter sabe cómo transmitir esos miedos desde la primera escena: todos tienen un plan para él, sin embargo lo que verdaderamente le gusta hacer es sacar fotografías. Cuando conoce a Evelyn su mundo se da vuelta: ella va a bares y boliches, es muy sociable y… tiene novio. Esto no impide que Jack sea su amigo y empiece a darse cuenta que hay otras maneras despreocupadas (tal vez demasiado) de vivir.

Aunque la película sólo dura una hora y media es lenta al arrancar. Se abusa de las escenas sin diálogo, con música fuerte y jóvenes bailando o tomando. El guión resulta medio soso y con mucha conversación trivial, sin embargo plantea temas interesantes como los sueños que un adulto tenía al ser chico y no terminaron haciéndose realidad, que la vida es muy larga para no hacer lo que a uno le gusta y el decidir por uno mismo.

Cara Delevingne sólo aparece en mayor tamaño en el póster promocional por ser una figura pública reconocida, otra explicación no hay ya que en el film su participación no tiene relevancia y Will Poulter es el único protagonista. La trama con este grupo de chicos de espíritu libre no es creíble, a pesar de eso aceptamos lo que se nos muestra. En cuanto al primer amor de Jack, se busca dejar una moraleja de que no todo dura para siempre, las personas pueden tener otros intereses y va a doler pero así es el mundo. El final me parece uno de los grandes aciertos de la película ya que deja una sonrisa en el espectador a pesar de los malos ratos que pasó Jack.

“Kids in Love” es una película liviana en la que no pasan demasiadas cosas si se la ve desde el afuera (si fuéramos Jack todo sería un cambio). Se enfoca en el descubrimiento de uno mismo y en que las experiencias, aunque sean malas, ayudan. 


miércoles, 6 de septiembre de 2017

La reina de la acción

“Atómica” (Atomic Blonde, 2017) es una película de acción y espionaje basada en la novela gráfica “The Coldest City” (La Ciudad Más Fría) de Antony Johnston y Sam Hart. Está dirigida por David Leitch, coordinador y doble de riesgo estadounidense, y escrita por Kurt Johnstad. La protagonista es Charlize Theron, que también es una de las productoras del film. Completan el reparto James McAvoy, John Goodman, Sofia Boutella, Eddie Marsan, Toby Jones, Bill Skarsgård, James Faulkner, Roland Møller y Sam Hargrave. Llega a las salas argentinas el 7 de septiembre gracias a la distribuidora Universal Pictures.


Ambientada en el año 1989, antes de la caída del Muro y durante la Guerra Fría, la historia se centra en Lorraine Broughton, una espía de alto nivel del MI6 que tiene como misión viajar a Berlín, aliarse con David Percival y hallar una lista que contiene datos fundamentales de agentes de todos los países. A su vez Lorraine debe encontrar a Satchel, un doble agente que traicionó al MI6. Tanto en Berlín Este como Oeste se vive un clima tenso, en donde no se puede confiar en nadie. Así es como Lorraine deberá enfrentarse a la KGB (policía secreta de la Unión Soviética) y, mientras busca la lista escondida dentro de un reloj, también conocerá a Delphine Lasalle, una chica muy especial.


Aunque no fue acreditado, David Leitch hizo su debut como director con John Wick, esa cinta del 2014 protagonizada por Keanu Reeves que sorprendió a todos por sus escenas de acción tan bien coreografiadas. Teniendo en cuenta esto no se podía dudar que en Atómica elevara lo que mejor sabe hacer a la máxima potencia: la cámara capta con unos planos espectaculares a Charlize Theron pateando traseros a lo loco, usando lo que tiene al alcance de su mano para ir contra los que la quieren derrumbar. Una manguera, un taco o simplemente unas llaves le sirven a Lorraine para eliminar a sus enemigos. Se nota un gran compromiso por parte de la actriz al rodar estas escenas ella misma, sin la necesidad de un doble y además sin que la cámara corte: el espectador puede apreciar la lucha de principio a fin. Esto requirió un entrenamiento intenso con coreografías extensas que se lucen a pleno en la pantalla grande. Pero Lorraine no es una mujer invencible: ella también recibe golpes y muy duros, tanto que al verla caer o ser golpeada su dolor se transmite genuinamente hacia el espectador.


La banda sonora es otro aspecto destacable dentro de la película: la música ochentosa está en todo su esplendor con clásicos de David Bowie, ‘Til Tuesday, George Michael y Nena. En particular hay una escena fascinante cuando la protagonista debe proteger a un hombre de la Stasi. La manera en la que ocurre la acción en esa secuencia larga y sin música de fondo, sólo escuchando las respiraciones agitadas de los personajes, es excelente y hasta se le da un toque gracioso buenísimo. No termina ahí ya que se le suma una corrida automovilística con la canción “I Ran (So Far Away)” de A Flock Of Seagulls. Icónica.
El arte del film es bello por donde se lo mire. Las luces de neón y los colores potentes complementados con un vestuario de ensueño (botas altas, tapados, vestidos brillosos) dan una estética que parece introducirnos a un videoclip.
No todo brilla ya que el guión tiene sus problemas. Hay bastantes nombres complicados difíciles de recordar y si no estás familiarizado en cuanto al contexto y siglas de cada agencia de inteligencia probablemente no vas a entender quiénes actúan a favor de Gran Bretaña, Unión Soviética o Estados Unidos. Durante la segunda mitad de la película se dan vueltas de tuerca bruscas en las que la mayoría puede perderse y no entender las motivaciones de algunos personajes. Los letreros de “Berlín Este” o “Berlín Oeste” no son de gran ayuda y la manera de contar la historia, usando dos líneas temporales diferentes, no es la más dinámica.

“Atómica” constituye un espectáculo visual lleno de adrenalina que demuestra una vez más que la mujer puede ser igual o aún más badass, astuta e inteligente que el hombre. ¡Charlize, nunca dejes de pegar puñetazos!


sábado, 2 de septiembre de 2017

La oscuridad se avecina

“La Torre Oscura” (The Dark Tower, 2017) es una película de fantasía que funciona como continuación de los ocho libros de Stephen King. Está dirigida y co-escrita por Nikolaj Arcel y el reparto incluye a Tom Taylor, Idris Elba, Matthew McConaughey, Claudia Kim, Abbey Lee Kershaw, Katheryn Winnick, Michael Barbieri y Nicholas Pauling. Llegó a las salas argentinas el 24 de agosto de 2017 gracias a la distribuidora Sony Pictures.


El niño Jake Chambers hace mucho que no puede dormir bien: siempre tiene sueños en los que aparece un pistolero que busca proteger una torre oscura del Hombre de Negro. La madre y el padrastro de Jake atribuyen estas visiones a lo afectado que está el chico por la muerte de su padre, pero Jake jura que lo que ve es real. Gracias a un portal en una casa abandonada, Jake ingresa al Mundo Medio y se encuentra con Roland Deschain, el pistolero de sus sueños. Juntos buscarán detener a Walter Padick, el Hombre de Negro que quiere destruir la torre oscura. Si la torre cae, seres malignos entrarán en nuestro mundo.
Desde su estreno en Estados Unidos los críticos se empeñaron en hundir a esta película por su corta duración (95 minutos) y el cambio de protagonismo del pistolero al niño. Sin tener en cuenta a los libros de Stephen King y juzgándola solo como producto cinematográfico se puede decir que el film tiene una trama súper fácil de entender que entretiene gracias a la labor actoral y secuencias de acción.
Tom Taylor como Jake Chambers es toda una revelación y logramos empatizar con ese chico incomprendido por el mundo, que dibuja lo que sueña y sabe que algo anda mal. Su conflicto genera interés y la dupla que hace con el pistolero, encarnado por Idris Elba, funciona. Además a Matthew McConaughey le queda pintado el papel de hechicero malvado, lástima que sus motivaciones no son explicadas y queda como un personaje que quiere que entre el mal a nuestro mundo porque sí.
A medida que pasan los minutos, y una vez que Jake se encuentra con el pistolero, la trama se vuelve bastante predecible. El espectador ya supone cómo será el desenlace por lo que la lucha final no sorprende como debería. Con respecto a su duración, la película no daba para más: la manera en la que se encaró al film no es una historia que tenga profundidad o que apunte a un gran desarrollo como para durar dos horas o más.

En definitiva La Torre Oscura no va a quedar en la memoria de nadie pero, si te gusta lo fantástico, la vas a pasar bien en el cine. 


lunes, 28 de agosto de 2017

La imaginación en la infancia

“Las aventuras del Capitán Calzoncillos: La Película” (Captain Underpants: The First Epic Movie, 2017) es un film animado de comedia basado en los cómics para niños del mismo nombre creados por Dav Pilkey. La dirección está a cargo de David Soren, conocido por la película de 2013 “Turbo”, y el guión es de Nicholas Stoller. Cuenta con las voces originales de Kevin Hart, Thomas Middleditch, Ed Helms, Nick Kroll, Jordan Peele y Kristen Schaal. En Estados Unidos se estrenó el 2 de junio de 2017 y gracias a la distribuidora Fox llegó a las salas argentinas el 17 de agosto.


La historia gira en torno a George y Harold, dos niños vecinos que van a cuarto grado de la primaria Jerome Horwitz. Desde el jardín se convirtieron en grandes amigos por su peculiar sentido del humor. Su hobbie es crear cómics de lo más imaginativos en la Tree House Comic INC. (una casa del árbol). No todo es risas y juegos ya que el gruñón director Krupp no soporta sus travesuras dentro del instituto. Debido a lo ingeniosos que son George y Harold, Krupp nunca consigue pruebas para evidenciar que ellos son los que traman las bromas; pero un sábado en el que los chicos tienen que asistir a una convención de inventos, el director, con la ayuda del nerd buchón Melvin, logra atraparlos y como castigo quiere que asistan a clases separadas. Para los niños esto sería como “aniquilar su amistad” aunque sólo tendrían un pasillo de distancia. Sin pensarlo y casi por casualidad, con un anillo hipnótico sacado de una caja de cereal manipulan a Krupp: con sólo un chasquido de dedos el hombre se convierte en lo que ellos decidan, y qué mejor que transformarlo es su superhéroe favorito, el Capitán Calzoncillos. Éste último no tiene capacidad de razonamiento, inteligencia ni agilidad pero su objetivo es salvar el mundo aunque actúe como bebé. Harold y George deberán tomar precauciones para que nadie se entere que Krupp está transformado y a la vez tendrán que lidiar con el nuevo profesor de ciencias que quiere erradicar la risa del planeta.


Asumo que desde que salió el tráiler de esta película la prejuzgué por su título bobo sin haberla visto. Parecía un largometraje tonto que sólo causaría risas en niños muy pequeños. No pude estar más equivocada: Capitán Calzoncillos logra entretener tanto a chicos como a grandes gracias a su guión inteligente, su original narrativa, el diseño de los personajes y el enorme carisma de sus dos protagonistas.
Desde el comienzo amamos a Harold y George, su amistad es entrañable y no podemos imaginarlos separados. Varias veces rompen la cuarta pared e interactúan con el espectador, lo que nos hace quererlos más. A través de ellos es que vemos a la escuela planteada como una cárcel por cómo se dictan las clases allí y entendemos por qué hacen las travesuras: quieren animar a los demás y que haya diversión. También somos testigos de la magnitud que se le da a un pequeño problema en la infancia: los chicos creen que al estar en clases separadas su amistad se esfumará y de grandes ni se saludarán (esto está representado en una secuencia espléndida con títeres de calcetín).


Cuando ven su sueño hecho realidad (el Capitán Calzoncillos de carne y hueso), Harold y George estarán en problemas. El Capitán sólo usa una capa y ropa interior mientras intenta resolver problemas en la ciudad. A pesar de lo torpe e impulsivo que es, este personaje logra ser gracioso gracias a sus“¡TRA-LA-LAAA!” y sus cambios al director Krupp cuando se le tira agua en la cara.
El problema de esta película es el villano: aparece después de 35 minutos en los que nos divertimos a pleno con Harold, George, Krupp y el Capitán. Desde que se le empieza a dar más importancia a él, el espectador quiere que se vuelva a los primeros personajes. Es como que entró tarde en escena. Sin embargo su trasfondo del por qué odia a los niños y quiere eliminar la risa tiene sentido y deja una lección sobre el bullying y sobre cómo hay que aprender a reírse de uno mismo.
Otro aspecto a destacar es la narrativa del film: hay flashbacks del comienzo de la amistad de Harold y George, de sus cerebros conversando, nos metemos de lleno dentro de las historietas que crean y el origen del Capitán Calzoncillos. Esto hace que sea casi imposible aburrirnos, sorprendiéndonos a cada minuto.
Por último, es para apreciar las críticas implícitas que deja: la escuela primaria es necesaria pero no tiene que ser aburrida, el sistema escolar debe darle importancia a su programa de música y arte e invertir en él para expandir la creatividad de los niños y que una persona se muestre enojada quizás no es por mero odio sino por cómo están las cosas en su casa.

“Las Aventuras del Capitán Calzoncillos: La Película” puede que en su última media hora se vuelva demasiado infantil pero sin lugar a dudas es disfrutable, saca carcajadas y sus protagonistas quedarán en la memoria luego de verla.


jueves, 24 de agosto de 2017

Una épica aventura intergaláctica

“Valerian y la Ciudad de los Mil Planetas” (Valerian and the City of a Thousand Planets, 2017) es una película francesa de ciencia ficción dirigida y escrita por Luc Besson. Está basada en los icónicos cómics “Valerian and Laureline”, que fueron escritos por Pierre Christin e ilustrados por Jean-Claude Mézières. Los protagonistas son Dane DeHaan, que hace poco lo vimos en “La Cura Siniestra” (A Cure For Wellness), y la modelo Cara Delevingne (Margo en Ciudades de Papel, Enchantress en Escuadrón Suicida). También actúan Clive Owen, Rihanna, Ethan Hawke, Herbie Hancock, Sam Spruell, Kris Wu, Alain Chabat y Sasha Luss. Es el film europeo independiente más caro de la historia, con un presupuesto que ronda entre los 177 y 210 millones. El jueves 24 de agosto se estrenó en salas argentinas tanto en 2D y 3D como en formato IMAX gracias a la distribuidora Diamond Films.


Valerian y Laureline son dos agentes espaciotemporales que trabajan para el gobierno y deben cumplir variadas misiones. En el siglo XXVIII, la Estación Espacial Internacional se transformó en Alpha, una grandiosa metrópolis donde especies de todo el universo convergieron y continúa en pleno crecimiento. Allí se comparten los diferentes idiomas, conocimientos y culturas, cada especie se ocupa de algo en particular y tienen distintos hábitats. El conflicto comienza cuando el jefe de Valerian y Laureline les comunica que la armonía en la que se desarrolla Alpha puede llegar a destruirse ya que hay una zona contaminada en donde no se puede respirar y se está expandiendo con rapidez. Todo parece estar relacionado con los Pearls, unos seres del planeta Mul que están en busca de un convertidor para replicar las playas paradisíacas donde vivían. Los agentes se embarcarán en busca de la verdad y descubrirán que no todo es lo que parece.


Luc Besson desde chico es fanático de los cómics y era su sueño transformarlos en una película, un sueño que le resultaba imposible en su momento debido a la gran cantidad de efectos especiales y el vasto mundo que conformaba Alpha. Con el estreno de Avatar en 2009, Besson se dio cuenta que “la imaginación es el único límite” y Valerian podía convertirse en un producto para la gran pantalla. Luego de un trabajo que duró 10 años, el film ya está listo para ser apreciado por todos y no decepciona. Como espectador uno se mete de lleno en el universo exótico del director, los colores, montaje y efectos especiales sorprenden a gran escala. La puesta en escena es excelente y se valora muchísimo la creatividad que se usó en las distintas misiones de los agentes.
Es para tener en cuenta y agradecer que la historia sea sencilla. Es tan simple que resulta muy predecible quién es el malvado o qué sucedió en el pasado, pero esto no juega en contra. Estamos sumergidos en Alpha y es un viaje maravilloso. La escena inicial con la canción Space Oddity de David Bowie resulta una de las mejores y desde ese momento entendemos cómo se manejan en la ciudad.
En cuanto a los protagonistas, no se entiende cómo en el título del film obviaron poner a Laureline. Cara Delevingne sorprende en su faceta de actriz y se destaca por sobre DeHaan teniendo incluso más protagonismo que él. Compone a una mujer badass que respeta sus ideales y no teme ir contra su propio trabajo. Con un carácter alocado y perspicaz, dan ganas de seguir viéndola en nuevas aventuras dentro de este universo. La química que tiene con DeHaan es lograda y agradable de ver.
Los actores secundarios cumplen sin destacarse demasiado, a excepción de Rihanna que, aunque actúa pocos minutos, su escena de baile como un ser “cambiaformas” es todo un deleite.
Hay tantas criaturas distintas que es difícil recordar cada uno de sus nombres. Sin embargo la más tierna es Melo, un animalito que vive con los Pearls y es capaz de replicar un montón de perlas llenas de energía si sólo se le da de comer una. Los Doghan Daguis hacen reír al conformar a unos traficantes de información valiosa que entre tres funcionan como un único cerebro, por lo que si uno solo es eliminado, parte de la info es destruida para siempre.


Una de las escenas finales se siente innecesaria y alargada. A pesar de ello, Valerian deja una buena moraleja sobre lo que es capaz de hacer el ser humano para salvarse a sí mismo y cómo puede llegar a destruir la naturaleza o a otras especies. Quizás la misión primordial para algunos resulte extensa por los inconvenientes que se van dando en el recorrido (cómo los protagonistas se tienen que salvar el uno al otro), en mi opinión estas situaciones extravagantes entretienen gracias al alucinante trabajo visual.
“Valerian y la Ciudad de los Mil Planetas” merece ser vista en la pantalla más grande de Argentina para entrar en el espectacular universo que es Alpha, con sus naves, grandes mercados, organización y miles de seres. Los efectos especiales y la pareja protagónica ya valen la entrada. No la dejen pasar😎


sábado, 19 de agosto de 2017

Tal para cual

“Dos Son Familia” (Demain Tout Commence, 2016) es una comedia dramática francesa dirigida por Hugo Gélin que funciona como remake del film mexicano “No Se Aceptan Devoluciones”. Los protagonistas son Omar Sy, conocido por su papel de Driss en “Amigos Intocables” (The Intouchables, 2011), y la pequeña Gloria Colston. También actúan Clémence Poésy (Fleur Delacour en Harry Potter), Antoine Bertrand, Ashley Walters, Anna Cottis, Raphael von Blumenthal, Clémentine Célarié y Raquel Cassidy (Phyllis Baxter en la serie Downton Abbey). Se estrena en las salas argentinas el 31 de agosto gracias a la distribuidora BF + Paris Films.

Samuel trabaja en la costa francesa llevando de paseo a los turistas en un yate. Tiene una vida liberal, le encanta armar fiestas en la noche aunque su jefa no se lo permita y seducir mujeres es su pasatiempo. Todo cambia cuando una mañana aparece Kristin con una beba de tres meses en sus brazos. Ella le comunica que la niña Gloria es su hija y le pide dinero para el taxi. Desconcertado, Samuel agarra a la beba y le da el dinero pensando que Kristin pagará el taxi y volverá, pero la mujer se va así sin más. Samuel tratará de hallar a Kristin y devolverle a la nena ya que él no está preparado para ser padre. La búsqueda en Londres no tendrá éxito, sin embargo en ese país conseguirá por casualidad un trabajo como doble de riesgo y aprenderá a criar a Gloria de la mejor manera posible. Ocho años después, Kristin se conecta a su cuenta inactiva de Facebook y regresa a la vida de su hija. El conflicto se desata cuando la madre quiere reconectar con Gloria y llevársela a Nueva York, lugar donde vive actualmente con su pareja.


Con un guión entretenido, la película de Hugo Gélin utiliza una historia ya conocida que sigue dando resultado. Los actores protagonistas logran empatizar con el espectador, en especial Omar Sy gracias a su carisma. La niña hace una gran dupla con él, son tal para cual y somos testigos de cómo su relación se va afianzando con el correr del tiempo. A la vez tenemos personajes secundarios que logran sacarnos carcajadas como por ejemplo Bernie (Antoine Bertrand), el amigo homosexual de Samuel, y otros que nos generan bronca por sus acciones (Kristin interpretada por Clémence Poésy).
La película se centra en la responsabilidad que conlleva criar a un niño, el rol de padre y qué se es capaz de hacer por ver feliz a un hijo, hecho que a veces implica mentir, ¿es lo correcto? A la vez pone al espectador en duda: ¿La madre de Gloria tiene derecho a que la niña que abandonó ahora vuelva con ella? ¿Se puede perdonar lo que hizo?
Algunas situaciones resultan poco realistas y se toman segundos para explicarlas, otras se alargan con el único objetivo de ser cómicas. A pesar de ello, en las dos horas el film consigue hacer reír como sacar lágrimas. Los dos giros que hay en la trama por lo menos para mí, que no vi la original, resultaron efectivos e inesperados. Sí, hay golpes bajos pero están bien tratados y no buscan dejar triste a la persona luego de verla.
En francés el título del largometraje sería “Mañana Empieza Todo”, frase que hace referencia a una cita del filósofo Gaston Bachelard. Sin embargo el título en Argentina tiene mucho más sentido y se conecta más con lo que se ve en pantalla.

“Dos Son Familia” no es novedosa en cuanto a su relato pero consigue transmitir buenos valores, es tierna y te hará pasar un buen rato en la sala de cine. Ideal para ver en familia. 


miércoles, 16 de agosto de 2017

Un presidente no tan "blanco"

“La Cordillera” es una película nacional dramática dirigida y co-escrita por Santiago Mitre, siendo su tercer largometraje luego de “El Estudiante” (2011) y “La Patota” (2015). El reparto incluye a Ricardo Darín, Dolores Fonzi, Érica Rivas, Gerardo Romano, Elena Anaya, Leonardo Franco, Daniel Giménez Cacho, Paulina García y Christian Slater. Tuvo su estreno mundial en el Festival de Cannes de 2017 mientras que en Argentina se estrena el 17 de agosto gracias a la distribuidora Warner Bros.


Hernán Blanco pasó de ser intendente en la provincia de La Pampa a presidente de los argentinos. Su campaña se basó en utilizar su apellido como símbolo de la pureza y autenticidad, sin que los medios conozcan mucho sobre su vida personal ni los ciudadanos sepan qué esperar de su liderazgo. Junto a su asistente personal Luisa y su jefe de gabinete Castex, Blanco asiste a la cumbre de presidentes latinoamericanos en Los Andes, Chile. Allí se deberá enfrentar con varios problemas: desde lo político, los representantes de México, Brasil y Estados Unidos lo intentan manipular sobre la alianza petrolífera en la que se basa la cumbre; su yerno quiere sacar a la luz la manera en la que fue financiada su campaña presidencial y su hija Marina está inestable emocionalmente al punto de que llega a no decir palabra. Blanco recurre a un especialista para tratar de que Marina vuelva a hablar. Éste utiliza la hipnosis y la joven cuenta una historia que ocurrió cuando aún no había nacido. El presidente tendrá que lidiar tanto con su faceta pública a la hora de decidir a quién seguir como con la situación familiar que puede llegar a tornarse peligrosa.


Desde sus tráilers el film transmitía una cierta onda de misterio que daba ganas de querer saber más, aparte del gran elenco que Santiago Mitre supo reunir. Ser testigos de cómo se maneja un presidente dentro de la Casa Rosada, quiénes se la pasan dándole consejos y los temas que se discuten en una reunión con él ya de por sí es curioso y atrapante. Los planos que se utilizan junto a la fotografía son exquisitos: Los Andes está en todo su esplendor, con una belleza inmensurable que contrasta con los conflictos internos de Hernán Blanco.
Y hablando del presidente, Ricardo Darín lo compone de una forma en la que no llegamos a conocerlo del todo: es un hombre serio, cansado y con una mirada fija que hace que queramos saber en lo que está pensando. La película tiene dos temas centrales diferentes entre sí; por un lado cómo se desarrolla la cumbre, los formalismos, charlas a solas con otros presidentes latinoamericanos, estrategias; y por otro tenemos la llegada al hotel de la hija de Blanco. Esta última para mí fue la que genera mayor interés. Dolores Fonzi hace un trabajo espectacular, su cara refleja lo dañada que está. Desde que aparece sabemos cuál es su postura hacia el gobierno y cómo es en la actualidad la relación con su padre. Lo que dice, tanto sea desde su locura o quizás no, logra hacernos pensar en los problemas de gran magnitud que puede acarrearle al presidente. El resto de los actores hacen una labor correcta, destacándose Érica Rivas como la asesora de Blanco.
La película tiene escenas que se pueden tornar largas, con mucho diálogo que aburre. Es como una montaña rusa: tiene partes muy buenas, con un misterio muy bien trabajado, y otras en las que querés que se vuelva al tema anterior. Luego de su visionado quedan más incógnitas que resoluciones, el final te deja con un mal sabor de boca, protestando por lo abierto que es el relato. Se entiende que fue deliberado el dejar tantos cabos sueltos pero esto no llega a funcionar del todo, quizás se necesite verla de nuevo para tratar de sacar una conclusión.

“La Cordillera” cuenta con grandes actuaciones, una magnífica dirección de arte y de fotografía. A la hora de verla te recomiendo que tengas en cuenta que trata sobre el bien y el mal que habita en el ser humano, por lo que es un film para interpretar que no te va a dar explícitamente las soluciones que buscás. 


jueves, 10 de agosto de 2017

Un viaje para alejarse del mundo

“El Pampero” es un thriller intimista dramático argentino, uruguayo y francés, dirigido y escrito por Matías Lucchesi. Está protagonizado por Julio Chávez, Pilar Gamboa y César Troncoso. Llegó a las salas argentinas el 3 de agosto de 2017 gracias a la distribuidora Primer Plano.


Fernando ya no quiere saber nada de nadie: a sus 58 años se encuentra sufriendo los dolores en todo el cuerpo debido a una enfermedad terminal. Cansado de su situación actual, decide rechazar las llamadas de su hijo e irse a navegar en su velero lleno de provisiones. Él se toma a esta travesía como un último viaje antes de que la enfermedad lo aniquile, siendo la naturaleza su único refugio. Pero su recorrido tomará distinto rumbo cuando descubra que en su barco está escondida Carla, una joven que tiene su camisa llena de sangre. Fernando cree que ella cometió algún crimen y no quiere implicarse en el asunto. Carla afirma que es inocente, que no quiere enfrentar a prefectura y si o sí necesita que Fernando cruce la frontera y la deje en Uruguay. Las complicaciones no terminan ahí ya que aparece Marcos, un guarda costas amigo de Fernando que tiene segundas intenciones al darse cuenta que el velero también está ocupado por una mujer.


Nos encontramos ante una película que en su mayoría está plagada de silencios, lo que hace que no tenga ritmo. A pesar de ello los tres actores entregan performances sólidas: Julio Chávez casi sin emitir palabra sabe transmitir el momento difícil que está atravesando, para él su vida ya no tiene sentido y cuanto más alejado esté de la sociedad mejor; la aparición de Carla en su barco lo descoloca y saca a relucir su lado más autoritario, aunque luego este aspecto va cambiando hasta llegar a preocuparse por el destino de la chica; en cada escena somos testigos de cómo le cuesta moverse, amarrar las velas, agacharse o hacer fuerza; Pilar Gamboa brinda una oleada de misterio, no sabemos qué es realmente lo que le sucedió, si ella es inocente o mató a alguien; que por nada del mundo quiera recurrir a la policía nos hace sospechar pero a la vez encarna a una mujer gentil, que se preocupa por el estado de salud de Fernando y en distinta manera también está pasando por una situación complicada. Por último el villano de la historia, encarnado por César Troncoso, se lleva todos los aplausos. Su personaje desde que aparece logra ser insoportable, pesado y charlatán. No acepta un “no” como respuesta, se cree el dueño del lugar pesquero y si en su casa no se hace lo que él dice está claro que las cosas van a terminar mal. Troncoso pone incómodos no sólo a Carla y Fernando, sino también al espectador: se nota que sus objetivos son otros y que no para de tirar comentarios que no llevan a nada sólo para que haya una conversación (que en conclusión es un monólogo de superficialidades).
Casi todo el film se desarrolla dentro del velero y desde el aspecto técnico esto está muy bien logrado. La fotografía a cargo de Guillermo Nieto es bella pero en un punto se torna repetitiva  ya que en la primera parte de la película hay pocos hechos significativos y aburren siempre las mismas escenas. Desde la aparición del guarda costas el suspenso va in crescendo y al estar tan bien construido logra causar nerviosismo. Lo malo es que en su resolución todo se desinfla y uno se esperaba otra cosa. Además constituye un desacierto que al problema de Carla no se le dé más detalles en su explicación.
En lo personal, al ser una película de 77 minutos me hubiese gustado o que no sea tan lenta en su comienzo o que se tomen más minutos para desarrollar lo importante. El final me dejó con sabor a poco y sentí que la idea estaba buenísima pero acabó en algo muy simple.
Como conclusión, “El Pampero” es una buena película que cuenta una historia chiquita con muy buenas interpretaciones actorales. El buen manejo de la tensión la convierte en una opción a tener en cuenta dentro del cine independiente. 


lunes, 7 de agosto de 2017

El origen de la muñeca diabólica

 “Annabelle 2: La Creación” (Annabelle: Creation, 2017) es una película de terror que forma parte del universo de “El Conjuro” (The Conjuring, 2013) y funciona como precuela del film Annabelle dirigido por John R. Leonetti. Esta vez la dirección se encuentra a cargo de David F. Sandberg, conocido por la bien recibida “Cuando las luces se apagan” (Lights Out, 2016) y el guión continúa en manos de Gary Dauberman. El reparto incluye a Talitha Bateman (“Teacup” en La Quinta Ola), Lulu Wilson (“Doris” en Ouija: El Origen del Mal), Stephanie Sigman (“Estrella en 007: Spectre), Anthony LaPaglia, Miranda Otto, Samara Lee, Philippa Coulthard y Grace Fulton. En Estados Unidos se estrenará el 11 de agosto de 2017 mientras que en Argentina llegará el 31 del mismo mes gracias a la distribuidora Warner Bros.


Samuel Mullins, un hombre que se dedica a la fabricación de muñecas, vive tranquilo con su esposa Esther y su pequeña hija Annabelle, apodada Bee. La felicidad dura poco ya que debido a un trágico accidente los Mullins pierden a su hija. Doce años después, Samuel decide dar asilo a la Hermana Charlotte y seis niñas huérfanas. Entre ellas se encuentran las mejores amigas Linda y Janice, esta última padeciente de polio. La curiosidad de Janice hace que se interese por la habitación que pertenecía a Bee, sin tener en cuenta la advertencia de Samuel sobre que a ese cuarto no hay que ingresar. Propiciados por la muñeca Annabelle, sucesos extraños comenzarán a ocurrir en esa casa alejada de la sociedad, siendo Janice la más afectada por ser la débil del grupo.


Luego de ver cómo la muñeca amenazaba la vida de Mía y su bebé Leah en el film del 2014, con un guión soso y pocas escenas realmente aterradoras, es sorprendente encontrarse con una producción que funciona como precuela de ésta y es altamente superior. Se nota muchísimo que el cambio de director funciona para bien: David F. Sandberg brinda una historia original en la que el espectador logra interesarse por las vidas de las niñas huérfanas, en especial las de Linda y Janice. Su deseo de ser adoptadas por los mismos padres y nunca separarse, más la renguera de Janice debido a la polio ya nos hace empatizar desde el comienzo.
En cualquier película de terror, para verdaderamente lograr asustarnos se necesita de una cuidada creación de la atmósfera, música acechante que no da lugar a la armonía y actuaciones creíbles. En esta película cada uno de estos elementos se cumple con creces: las situaciones que van surgiendo son temibles gracias a cómo se usan la oscuridad y los crujidos, la banda sonora de Benjamin Wallfisch sabe poner nervioso al espectador como también respeta los momentos de silencio absoluto y tanto las nenas Talitha Bateman y Lulu Wilson como la monja interpretada por Stephanie Sigman brindan trabajos correctos, destacándose más la primera en el papel de Janice.
El film tiene una referencia a la próxima película del mundo de “El Conjuro” llamada “The Nun” (La Monja), programada para estrenarse en 2018, que fascinará a los fanáticos de este universo. Además la conexión entre Annabelle del 2014 con esta precuela está muy bien enlazada (para disfrutar más/entenderla recomiendo que primero vean la del 2014).
En algunas partes se abusa de los jump scares, generando que los sustos no sean tan efectivos como cuando se decide tomar el tiempo necesario para crear el miedo. Por otro lado los ángulos de cámara y las posiciones de la muñeca resultan un acierto ya que la hacen ver más tétrica de lo que ya es.

“Annabelle 2: La Creación” consigue mantener entretenido al espectador, asustándolo de forma genuina en varias ocasiones. Sólo teniendo en cuenta su ambientación vale la pena pagar la entrada de cine. Si sos fan del terror, no te la pierdas. 


viernes, 4 de agosto de 2017

Lo que deseas tiene consecuencias

“7 Deseos” (Wish Upon, 2017) es una película de “terror” dirigida por John R. Leonetti y escrita por Barbara Marshall. El reparto incluye a Joey King, conocida por Ramona & Beezus (2010), Ki Hong Lee (The Maze Runner, 2014), Shannon Purser (Barb en la serie Stranger Things), Ryan Phillippe, Sydney Park, Mitchell Slaggert, Kevin Hanchard, Alice Lee y Sherilyn Fenn. En Estados Unidos se estrenó el 14 de julio de 2017 mientras que en Argentina llegó a las salas el 27 de ese mismo mes gracias a la distribuidora Digicine.


La historia se centra en Clare, una chica de 17 años que en su infancia vio a su madre cuando se acababa de ahorcar. Ella convive con su padre y tiene dos mejores amigas, Meredith y June. Las tres van a la secundaria y no son para nada populares, por lo cual tienen que soportar las burlas de los demás estudiantes. Un día el papá de Clare, que tiene como hobbie buscar elementos útiles en los cestos de basura, encuentra una caja de música muy peculiar de origen chino. Al regalársela a su hija, Clare la inspecciona y descubre la inscripción “7 deseos”. Sin saber muy bien cómo es el mecanismo, la adolescente comienza a pedir todo lo que siempre quiso para su vida: atención por parte del chico que le gusta, venganza para la persona que más le hace pasar el ridículo en el colegio, buena posición económica, etc. Lo que Clare no sabe es que por cada deseo alguno de sus seres queridos debe pagar con la muerte. Cuando se da cuenta de lo que está pasando, la joven recurre a su compañero asiático para conocer la historia de la caja maldita.


Puse la palabra terror entre comillas porque realmente esta producción no da ni una pizca de miedo, más bien genera carcajadas al ver cada muerte ridícula. Aún no puedo comprender cómo es que llegó a nuestro país calificada para mayores de 16 si ninguna escena impresiona ni sucede algo morboso. Las actuaciones son flojísimas y menos creíbles si se ve al film doblado al español (la mayoría de los cines da la película en esta versión). Pareciera que Joey King, la protagonista, pasó de una infancia con buenas actuaciones a una adolescencia con malos papeles. Su personaje es demasiado tonto, superficial, tarda muchísimo en darse cuenta que los deseos que ella pide están relacionados con las muertes. A la vez se abusa de los clichés de películas dirigidas a un público teen: estudiantes con cierta popularidad que se creen mejores que los demás sólo por ser lindos y engreídos, chica que vive en una casa un poco venida abajo y por eso no es considerada “cool”, un padre que, debido a sus acciones, su hija desea que no la avergüence más, un chico lindo que nunca se fija en la protagonista y deseos estúpidos como ser la más popular de la escuela y ser querida por todos.
En ningún momento uno puede llegar a considerar creíble este relato debido a las situaciones que se van dando. Por ejemplo es imposible que un celular que cae de una gran altura siga funcionando lo más bien o que por tropezarse con una alfombra la cabeza de una personaje quede atravesada por un elemento filoso. Esto sería aceptable en un film que busca parodiar a las películas de terror, pero 7 Deseos parece tomarse en serio a sí mismo como una cinta del género.

Les puedo asegurar que si van a verla con amigos se van a reír muchísimo, es de esas producciones en la que todo está tan mal ejecutado que termina siendo buena por lo mala que es. Encima tiene una escena en el medio de los créditos que hace pensar en la construcción de una secuela. Si es tan descabellada como esta, que sea bienvenida.