Hora de hacerse fuerte

 “El Teléfono Negro” (The Black Phone, 2022) es una película de terror sobrenatural dirigida por Scott Derrickson, el cual también se encargó del guión junto a C. Robert Cargill. Basada en el cuento homónimo escrito por Joe Hill, el reparto incluye a Ethan Hawke, Mason Thames, Madeleine McGraw, Jeremy Davies, James Ransone, Tristan Pravong, entre otros.

 

Ambientada en 1978 al norte de Denver, la historia gira en torno a Finney (Mason Thames), un chico que asiste a la escuela del pueblo y tiene una buena relación con su hermanita Gwen (Madeleine McGraw). En esa época ya van varios niños que están desaparecidos por el denominado “Raptor” (Ethan Hawke), un hombre que se hace pasar por mago y deambula en su camioneta con globos negros dentro. Cuando un amigo cercano de Finney es captado por el Raptor, no pasará mucho tiempo para que a Finney le ocurra lo mismo. Encerrado en un sótano que solo tiene un colchón y un teléfono negro desconectado, Finney deberá encontrar la manera de escapar.

 

Gracias al director de “Sinister” (2012) y “Doctor Strange” (2016) volvemos a poder sentir el horror dentro de una sala de cine. Porque “El Teléfono Negro” no busca generar jump scares (aunque los tiene) sino que más bien se toma su tiempo para desarrollar a sus personajes, para que conozcamos cómo se vive día a día en Denver. Así es como iremos viendo que Finney y Gwen no se sienten seguros en su propio hogar y que el bullying escolar en ese entonces era muchísimo más físico de lo que creíamos. Golpes, puñetazos, empujones, ataques a piedrazos y sangre, mucha sangre derramada. Las peleas fuera del colegio eran usuales, que los demás jóvenes se quedaran a observar y alentar también.

Por suerte para Finney, él cuenta con la protección de otro compañero de clase. No obstante, Finney está solo (aparentemente) cuando el Raptor lo deja en ese sombrío sótano. La película desde ese entonces viene a dejarnos claro que la única forma de salir adelante es haciéndose fuerte, dejando atrás los miedos y el dejarse pisotear por los demás. En la actualidad esto puede que no sea para nada sencillo, pero pensándolo en ese entonces, tiene su lógica.

Con respecto a Ethan Hawke, su actuación es terrorífica. Desde la utilización de una perturbadora máscara, su postura, mirada y diálogos, Hawke realmente logra que temamos por el bienestar de Finney. Me hubiese gustado que se explorara más el uso de la máscara, ya que en cierto punto él queda sin ésta y pareciera como que siente dolor, pero no termina de quedar claro. Además, sentí que el don que tiene la hermana de Finney también debería haberse profundizado.

En cuanto al aspecto fantástico relacionado al teléfono negro del sótano, éste consigue mantener la atención del espectador y funciona como metáfora de las personas que están junto a uno y lo ayudan a salir adelante de una situación difícil o traumática. El apoyo, confianza y ayuda de los demás son los factores que le dan a Finney la seguridad para no rendirse. Por otro lado, el personaje del hermano del Raptor actúa como alivio cómico pero ni hace reír ni resulta creíble.

Con una escenografía acorde a la época y escenas violentas tanto fuera como dentro del hogar, “El Teléfono Negro” asusta y entretiene a partes iguales. Si te gusta el género, Ethan Hawke como el Raptor no te va a decepcionar.

 

Puntaje: 7

Una Navidad diferente a las demás

 “La Joya de la Familia” (The Family Stone, 2005) es una comedia dramática dirigida y escrita por Thomas Bezucha. El reparto incluye a varias caras conocidas, entre ellas están Diane Keaton, Rachel McAdams, Dermot Mulroney, Sarah Jessica Parker, Claire Danes, Elizabeth Reaser, entre otras. La película está disponible en la plataforma de Star+.

 

Con motivo de que quedan pocos días para que llegue la Navidad, la familia Stone decide reunirse como cada año en la casa de su madre Sybil (Diane Keaton). Sin embargo, esta festividad no será como siempre. Everett Stone (Dermot Mulroney) llevará a su pareja Meredith (Sarah Jessica Parker), la cual es una persona rígida y obsesiva que para nada encaja con lo liberales que son los Stone. Creyendo que Meredith es la mujer de su vida, Everett buscará que su madre le otorgue el anillo que usó su abuela para proponerle matrimonio. No obstante, en estas navidades se originará más de una historia de amor, así como también los Stone serán sacudidos por una noticia trágica.

 

¿Rachel McAdams en una película navideña? Era mi obligación verla aunque no estemos en diciembre. Qué buena decisión tomé, ya que el filme es entretenido, simple y con un bello encanto familiar. Los Stone, conformados por cinco hermanos y sus padres, tienen sus tradiciones, son auténticos y al verlos uno se siente como parte de esa casa hermosa y acogedora. Aunque las relaciones románticas no cuentan con un gran desarrollo, cada una de ellas tiene su momento para brillar. Asimismo, la trama es muy humana y cercana; juegan al dígalo con mímica, cocinan algo especial para celebrar, ponen los adornos en el árbol, abren los regalos, etc. Esas pequeñas acciones son las que ayudan a que queramos conocer más sobre esta numerosa familia.

Por otro lado, el roce continuo que se da entre Meredith y la familia de Everett es divertido de ver. Sarah Jessica Parker encarna a una mujer que intenta por todos los medios encajar, que tiene buenas intenciones pero que su manera de expresarse no es la acertada. El hastío que Amy (Rachel McAdams) siente por ella conforma algunos de los mejores momentos del filme.

Con respecto a Thad Stone (Tyrone Giordano), me pareció un gran acierto la naturalidad con la que toda la familia utiliza el lenguaje de señas ya que él es sordo. En cuanto al drama, está muy bien equilibrado, siendo menor que la dosis cómica y mostrando que, aunque en la vida hay momentos súper tristes, todo continúa su curso como debe ser.

Con sus peleas, reencuentros, conversaciones incómodas en la cena y, por sobre todo, un amor palpable familiar, “La Joya de la Familia” es una opción ideal para pasar un momento agradable no solo en épocas navideñas. No será una obra maestra ni será una película inolvidable, pero consigue lo que se propone: que lleguemos a los créditos con una linda sensación.

 

Puntaje: 7

El regalo de la vida

 “2 Hearts” (2020) es una película de drama y romance dirigida por Lance Hool. Basada en hechos reales, el guión fue escrito por Veronica Hool y Robin U. Russin. El reparto incluye a Jacob Elordi, Tiera Skovbye, Adan Canto y Radha Mitchell. El filme se encuentra disponible en la plataforma de Star+.

 

La película está compuesta por dos historias que suceden en diferentes décadas pero que luego se conectarán. Por un lado tenemos a Jorge Bolívar (Adan Canto), un hombre cubano que trabaja en el negocio familiar de la comercialización del ron. En un vuelo de avión, Jorge conoce a la azafata Leslie (Radha Mitchell), sintiendo un flechazo que luego lo llevará a comenzar una relación con ella. Por otro lado tenemos la historia de Chris Gregory (Jacob Elordi), un joven que no es aceptado en la universidad que deseaba asistir. A pesar de su frustración, Chris irá a otra institución y allí se cruzará con Samantha Peters (Tiera Skovbye), una chica que se convertirá en el amor de su vida.

 

Qué difícil hablar de una película en la que su mera existencia es un plot twist que sucede en el tramo final (que encima es bastante predecible). Todo lo que pasa antes de ese giro resulta de relleno, estirado, sin importancia y plagado de diálogos que no aportan nada sustancioso. Narrada en voz en off por el personaje de Chris, la película se siente como una producción hecha para la televisión desde el comienzo. Pero eso no es un problema, ya que una peli de streaming puede ser sumamente disfrutable a pesar de no contar con nada novedoso. El problema radica en que la historia es un dramón que está alejadísima de humedecer los ojos del espectador. No genera nada.

¿Qué es lo que falló? Principalmente, el guión. La construcción de personajes es demasiado pobre, lo que hace que nunca podamos conectar con ninguna de las dos historias que nos muestran. Es hora de que Jacob Elordi deje de buscar papeles de adolescentes. Sus diálogos y comportamiento son los que más vergüenza ajena dan. En ninguna situación se puede palpar esa autenticidad y química que caracteriza a las buenas películas románticas.

Además, la fotografía no luce bien. Los colores están muy saturados, perdiendo toda naturalidad. La mayoría de los planos consisten en enfocar de cerca a los actores mientras hablan, no hay inventiva. La edición tampoco ayuda: pasamos de una situación que pasa en la primera historia a mostrar otra escena de la segunda historia y así sucesivamente, sin que en ninguna haya algún tipo de profundidad en lo que se está contando.

Aunque “2 Hearts” busca concientizar sobre una temática importante, su manera de llevarlo a cabo hace agua por todos lados. Sintiéndose como un filme más de los 90 que de la actualidad, incluso su título deja mucho que desear.

 

Puntaje: 3

Un viaje inspirador

 “The Chaperone” (2018) es una película de época dirigida por Michael Engler y escrita por Julian Fellowes. Basada en la novela homónima de Laura Moriarty, la cinta está protagonizada por Elizabeth McGovern y Haley Lu Richardson. Completan el reparto Géza Röhrig, Victoria Hill, Campbell Scott, Blythe Danner, Miranda Otto, Robert Fairchild, Andrew Burnap, entre otros. La película está disponible en la plataforma de Star+.

 

Ambientada en 1922, la historia gira en torno a Norma Carlisle (Elizabeth McGovern), una mujer que va a ver bailar a la quinceañera Louise Brooks (Haley Lu Richardson). La joven sueña con convertirse en la bailarina más reconocida del mundo, por lo que desea asistir a la “Denishawn”, academia de danza neoyorquina más famosa de ese entonces. Sin embargo, el padre de Louise no le permite asistir porque ningún adulto puede acompañarla en ese viaje. Al oír sobre esto, Norma no duda en ofrecerse a ser la chaperona de Louise. Así es como desde Wichita, Kansas, estas dos mujeres tomarán el tren hacia la bulliciosa ciudad de Nueva York, convirtiéndose en un viaje que les cambiará la vida de distintas maneras.

 

Vaya pequeña joyita escondida en el catálogo de Star+. Del creador de la flamante “Downton Abbey”, del director de episodios y primera película de esta serie y además con la actriz protagonista que encarnó a Cora (Elizabeth McGovern) en la serie, nos llega esta producción inspirada en hechos reales que tiene varias cositas que me gustaron. Tenemos a dos personajes bastante diferentes entre sí, que casi ni se conocen y van rumbo a Nueva York. Por un lado está Norma, madre de dos varones y casada desde los dieciséis años con un abogado. Con problemas en su matrimonio de los que prefiere no hablar pero que luego nos iremos enterando a través de flashbacks, Norma no solo decide irse de Kansas porque está cansada de la rutina, sino que también busca conocer cuál es su verdadera identidad.

Por otro lado tenemos a Louise Brooks, la cual derrocha carisma y belleza, es extrovertida pero por sobre todo, tiene mucho talento. Lo liberal que es Louise se contrapone con lo precavida que es Norma, siendo esta última la que debe estar atenta a que Louise no haga de las suyas al tomar alcohol o escabullirse para hablar con hombres. Ya sabíamos que a Haley Lu Richardson no le cuesta para nada componer a personajes súper empáticos, como lo hizo en “A Dos Metros De Ti” (Five Feet Apart) o en “Unpregnant”, pues aquí lo vuelve a hacer. Su Louise Brooks tiene una forma de pensar no acorde a la época en la que vive, sabe lo que quiere y va hacia ello a pesar del miedo. Con su particular corte de cabello, sus labios rojos y su mirada llena de brillo, verla en cada toma inevitablemente nos saca una sonrisa.

Aunque Norma y Louise en bastante parte del metraje están separadas, cada una haciendo lo suyo, es en el apoyo que la chaperona le da a la joven en donde radica el encanto de esta historia. Desde el principio, Norma es la única que nunca duda del gran talento que tiene Louise. Sus palabras y aliento, incluso veinte años después de ese viaje, conforman las mejores escenas del filme. Además, la película nos habla del no conformarse con la vida que uno está teniendo si no se es completamente feliz, de las segundas chances en el amor y de lo volátil que es Hollywood, que un día te puede considerar la estrella más especial para luego desecharte así nomás.

Con un bello vestuario, en donde se destacan la gran variedad de sombreros que utiliza Norma, “The Chaperone” gustará a los que vieron “Downton Abbey” o a los que les interesa conocer un poco sobre Louise Brooks, la cual se convirtió en una de las caras más famosas del cine mudo. Súper sencilla pero no por eso menos disfrutable, el único “pero” que le encuentro es que en Star+ solo se puede ver en el idioma español.

 

Puntaje: 7,50

La protección de nuestra fauna y flora

 “Las Rojas” (2022) es un western argentino dirigido por Matías Lucchesi, que también se encargó del guión junto a Mariano Llinás. Protagonizada por Natalia Oreiro y Mercedes Morán, el reparto se completa con Diego Velázquez y Alberto Leiva. La película está disponible en la plataforma Star+.

 

La historia se centra en Constanza (Natalia Oreiro), una joven paleontóloga que es mandada a las montañas por la fundación para la que trabaja. Ella debe supervisar a Carlota (Mercedes Morán), una prestigiosa paleontóloga que está utilizando más dinero del que Constanza cree necesario.  Con muchas dudas sobre qué es lo que hace Carlota y su gente en el lugar, Constanza pronto descubrirá que la preocupación y amenaza pasan por otro lado.

 

Un western argentino en forma de relato actual. Por fin tenemos en nuestro cine algo distinto y original, que llama la atención y mantiene la intriga durante todo el metraje. Hay varias cosas por destacar de esta producción, así que vayamos paso a paso. En un principio, las locaciones son maravillosas. Rodada en escenarios naturales de Uspallata y Potrerillos, en la provincia de Mendoza, la película logra sacarle provecho a lo imponente, árido e inhóspito que la naturaleza resulta allí, en donde el Sol quema, la tierra está por todas partes y los recorridos para llegar de un punto a otro son extensos.

Al mismo tiempo, la dinámica entre las protagonistas es otro de los aspectos positivos. Con una buena construcción de los personajes, los roces y comentarios irónicos entre estas dos mujeres se dan desde el inicio. Mercedes Morán compone a una paleontóloga de carácter muy fuerte, que sabe manejarse en ese ambiente e impone respeto y misterio ya desde su postura y mirada. Si ella no hablara, igual el espectador se daría cuenta de quién es la que manda ahí. Por otro lado, es desde la perspectiva del personaje de Natalia Oreiro que seremos testigos del misterio que ahonda en el lugar, un misterio que es mejor no spoilearlo para que la sorpresa del desenlace funcione.

Sin saber manejarse en un lugar así pero segura de lo que tiene que hacer, Constanza no se deja llevar por las órdenes de Carlota. La relación de las paleontólogas tiene un crecimiento, el cual está bien desarrollado a pesar de que a veces el ritmo flaquea. Además, la música de Hernán Segret es acorde a la tonalidad del filme.

Con un final que dividirá las aguas, “Las Rojas” apuesta por lo diferente y, en mi opinión, sale victoriosa. No solo por sus actuaciones, guión, fotografía y música, sino también por su mensaje. En un mundo en donde cada vez más empresarios piensan en sacar provecho monetario de nuestro ecosistema, todavía queda gente que lucha por sus ideales.

 

Puntaje: 7,50

Un amor peculiar

 “La Mujer del Viajero en el Tiempo” (The Time Traveler’s Wife, 2022) es una serie de romance, comedia, drama y ciencia ficción creada por Steven Moffat. Protagonizada por Rose Leslie y Theo James, la historia está basada en la novela homónima de Audrey Niffenegger, que ya había sido adaptada como película en 2009. Dirigida por David Nutter, reconocido por dirigir varios episodios de “Juego de Tronos” (Game of Thrones), la serie cuenta con seis episodios que ya se encuentran disponibles en HBO Max.

 

La trama gira en torno a Clare Abshire (Rose Leslie), una joven que en su niñez conoce al adulto Henry DeTamble (Theo James) en el prado cercano a su hogar. Henry no es cualquier hombre normal, él tiene una particularidad: sin planearlo, viaja en el tiempo. Esto le acarrea más de un problema, sin embargo su relación con Clare será lo que le hará ver que la vida tiene sentido.

 

Si son fanáticos de las películas románticas, seguramente recuerden a Rachel McAdams y Eric Bana interpretando estos respectivos papeles. Ahora bien, ¿qué nos puede llegar a aportar una nueva versión de esta historia? Por un lado, se cuenta con mayor metraje para desarrollar la trama, por lo que se pueden mostrar situaciones que no conocíamos. Por el otro, la comparación se vuelve inevitable y, lamentablemente, esta serie sale perdiendo.

Sin lugar a dudas, los actores protagonistas son el principal atractivo de esta producción. Rose Leslie encarnó un papel chiquito pero hermoso como Gwen Dawson en “Downton Abbey” y luego supo quedarse en nuestra memoria como la salvaje Ygritte de “Juego de Tronos” (Game of Thrones). Con respecto a Theo James, nos conquistó con su Tobias Eaton de la saga “Divergente” y luego con su Sidney Parker en la primera temporada de “Sanditon”. No obstante, en “La Mujer del Viajero en el Tiempo” ninguno de los dos consigue dar una actuación memorable.

Sin ser culpa de ellos, los errores radican en el guión y en la estructura narrativa. Cuando la serie va por el lado dramático, no logra emocionar. Cuando va por el lado cómico, pronto deja de divertir. Tenemos a un personaje secundario (Gómez, mejor amigo de Clare) que nunca llega a causar gracia, volviéndose bastante cansador e irritante. Otro aspecto fallido es la repetición de recursos. Mostrar todo el tiempo que Henry cae en otro tiempo desnudo o que él se encuentra con otras versiones más jóvenes o viejas de él mismo en un principio puede sorprender, pero cuando ya pasa lo mismo siempre, la trama se estanca, haciendo que varios capítulos se vuelvan aburridos.

En cuanto a los viajes incontrolables de Henry, en muchas ocasiones cuesta entender cómo es que cierta versión de él no sabe lo que va a pasar a futuro pero él en otra edad sí sabe todo lo que ocurrirá. De igual manera, siempre que hay un elemento fantasioso en una historia se pueden tomar varias licencias. Por otro lado, en el comienzo de los episodios aparecen Clare y Henry de ancianos hablándoles individualmente a la cámara. No se entiende muy bien cuál fue el motivo de esta decisión, aparte de que el maquillaje utilizado en Theo James luce muy poco natural.

A “La Mujer del Viajero en el Tiempo” le cuesta encontrar su tono y conectar con el espectador. Con un episodio final que deja la puerta abierta para una segunda temporada, esperemos que si la historia continúa sea de una forma más atrapante y emocionante.

 

Puntaje: 5

La complicada adolescencia

 “El verano en que me enamoré” (The Summer I Turned Pretty, 2022) es una serie coming of age de comedia, drama y romance creada por Jenny Han, autora de la novela homónima en la que se basa la historia. Protagonizada por la debutante Lola Tung, el reparto se completa con Christopher Briney, Gavin Casalegno, Rachel Blanchard, Jackie Chung, Sean Kaufman, Alfredo Narciso, Minnie Mills, David Iacono, Rain Spencer, Summer Madison, entre otros. La serie está disponible en Amazon Prime Video.

 

Como todos los veranos, Isabel (Lola Tung), apodada “Belly”, se dirige junto a su hermano Steven (Sean Kaufman) y su madre escritora Laurel (Jackie Chung) a Cousins Beach. Allí se encuentra la casa de playa de Susannah Fisher (Rachel Blanchard), mejor amiga de Laurel y mamá de los adolescentes Conrad (Christopher Briney) y Jeremiah (Gavin Casalegno). Para Belly, este verano será totalmente distinto. A punto de cumplir sus dieciséis años, la enamoradiza Belly se dará cuenta de que hay más de un candidato interesado en ella.

 

Amor. Verano. Juventud. Amistad. Esta serie tiene todo lo que buscamos los fanáticos de este género. Sin pretender ser una trama inolvidable y perfecta, Jenny Han consigue traspasar su obra de las hojas de papel a la pantalla chica de una forma dulce, optimista y divertida. Aunque esté plagada de clichés que van desde la preparación para el baile de debutantes hasta las celebraciones del 4 de julio, “El verano en que me enamoré” funciona porque justamente sabe qué es lo que le gusta a su público.

Una de las cosas que más me gustó de esta serie es cómo describe lo que el verano significa para nuestra protagonista. De junio a agosto, Belly sabe que puede ser su mejor versión en esa casa de playa que pareciera que siempre la está esperando, en donde el peluche de su cama siempre estará para recibirla y siempre podrá contar con sus amigos de la infancia. Por otro lado, que los actores que hacen de adolescentes realmente se vean como adolescentes es un plus, aparte de que resulta refrescante ver caras nuevas en este tipo de papeles.

En cuanto al amor, desde el primer capítulo sabemos con quién se va a quedar Belly. ¿Eso hace que la historia se vuelva larga y aburrida? Para nada, porque lo que acá importa es ser testigos del recorrido de los personajes, sus idas y vueltas hasta que finalmente se dan cuenta de que son el uno para el otro.

Párrafo aparte para la música utilizada en la serie, que a más de a uno le va a parecer de ensueño. Completamente a tono con la vibra que se quiere transmitir, tenemos varias canciones de Taylor Swift, Olivia Rodrigo, Dua Lipa, Billie Eilish, Ariana Grande, Phoebe Bridgers, Blackpink y Selena Gomez, entre otros. Cada canción está puesta en el momento justo, en especial las de Taylor, que hacen que los momentos románticos sean aún más especiales.

Con respecto a la fotografía, que hayan filmado en Carolina del Norte es un gran acierto. Las playas se ven tan preciosas y luminosas que dan ganas de teletransportarse a ellas. Sumado al vestuario veraniego, el diseño de la casa y los colores cálidos, “El verano en que me enamoré” mantiene una cohesión exquisita.

Aunque alguna que otra subtrama no logra despertar el interés como sí lo hace la principal, esta serie de siete episodios es una gran opción para los que buscan dejarse llevar por una joven que está dejando atrás el ser una niña. Simpática, sencilla, romántica y con la dosis justa de drama, “El verano en que me enamoré” ya tiene confirmada una segunda temporada para conocer más sobre Belly y su círculo cercano.

 

Puntaje: 7

La equiparación del daño

 “La Ira de Dios” (2022) es un thriller psicológico argentino dirigido por Sebastián Schindel, que también se encargó del guión junto a Pablo Del Teso. Basada en la novela “La muerte lenta de Luciana B.” de Guillermo Martínez, la película cuenta con las actuaciones de Diego Peretti, Macarena Achaga, Juan Minujín, Mónica Antonópulos, Guillermo Arengo, Romina Pinto, Germán de Silva, entre otros. La cinta ya se encuentra disponible en Netflix.

 

La historia gira en torno a Luciana Blanco (Macarena Achaga), una joven que trabaja como asistente de Kloster (Diego Peretti), un reconocido escritor de policiales. Debido a una situación muy inoportuna, Luciana deja su trabajo. A lo largo de los diez años siguientes, la joven será testigo de la pérdida de sus familiares. Convencida de que las muertes no ocurren de forma natural, Luciana se contactará con Esteban Rey (Juan Minujín), un escritor devenido en periodista que la ayudará a esclarecer qué es lo que está ocurriendo verdaderamente.

Luego de las muy buenas producciones de “El Hijo” (2019) y “Crímenes de Familia” (2020), Schindel regresa con una película oscura, atrapante y dramática que resulta plenamente disfrutable desde el sillón de nuestra casa. Esto se debe en gran parte a su estructura narrativa, ya que los hechos no están presentados de forma lineal y eso genera en el espectador que vaya armando las piezas del rompecabezas a la par de lo que está viendo. De esta manera contamos con situaciones que ocurrieron doce años atrás, hechos que fueron sucediendo alrededor de de diez años y la actualidad (mejor dicho el calvario) que vive la protagonista.

En cuanto a las actuaciones, Peretti se destaca al encarnar a un personaje con creencias tan firmes, que desde su forma de moverse, su gestualidad y manera de hablar impone un respeto arrollador. Por otro lado, Macarena Achaga, conocida por interpretar a Michelle Salas en “Luis Miguel: la serie”, sorprende al ponerse en la piel de Luciana, una persona que en un principio está llena de luz y ganas de crecer profesionalmente, sin embargo su recorrido va hundiéndose cada vez más en la tragedia y la tristeza, llegando a ser considerada por muchos como alguien que no está bien de la cabeza.

Con locaciones bien utilizadas, en especial las tomas que se hicieron dentro del bellísimo Ateneo Grand Splendid, “La Ira de Dios” nos habla de la venganza camuflada como justicia divina, la astucia y el poder de los hombres. Sin que queden cabos sueltos, éste es el camino indicado para que las plataformas apuesten a hacer más producciones en nuestro país.

 

Puntaje: 8

Una mujer digna de admirar

 “Jennifer Lopez: Medio Tiempo” (Jennifer Lopez: Halftime, 2022) es una película documental original de Netflix que está dirigida por Amanda Micheli. Tuvo su premiere en la noche de apertura del Festival de Cine de Tribeca y luego se estrenó en Netflix el 14 de junio.

 

El documental nos llevará a conocer la carrera artística de Jennifer Lopez, con especial foco en cómo logró preparar el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl LIV que se realizó el 2 de febrero de 2020. Lopez encabezó el show junto a Shakira.

De bailarina a actriz. De actriz a cantante. De cantante a ser un ícono de la cultura popular. Desde muy chica, al sentirse representada viendo a Rita Moreno en “Amor Sin Barreras” (West Side Story, 1961), JLo tuvo muy en claro a qué quería dedicarse. A pesar de que su madre no estaba de acuerdo, Jennifer tomó las riendas de su vida y persiguió lo que le apasionaba. Con su primer rol protagónico como Selena Quintanilla en el filme biográfico de 1997, Hollywood comenzó a fijarse en su talento y la nominación a los Globos de Oro no tardó en llegar. Sin embargo, los años pasaron y su trabajo se vio opacado por comentarios completamente fuera de lugar que tanto presentadores reconocidos de televisión como programas animados y revistas amarillistas hacían sobre su cuerpo y su vida personal.

Lo interesante de este documental es que no viene a mostrarnos la vida color de rosa que tiene Jennifer sino que nos la muestra como una persona normal, fuera de los focos de luz. Una mujer que admite haber tenido momentos en los que perdió su propósito, épocas en las que pensó seriamente en abandonar todo. Una mujer que no teme decir lo esperanzada que estaba con ser nominada al Óscar por su actuación de la stripper veterana Ramona Vega en las “Estafadoras de Wall Street” (Hustlers, 2019). Cómo las entrevistas, las noticias y la fama te llevan a creer que un premio es lo que se necesita para ser bueno en la industria, cuando en realidad ella elige sus proyectos porque le importan y sabe que conectarán con su audiencia.

Por otro lado, tenemos a la cúspide del entretenimiento norteamericano: el Super Bowl. Ya sabemos que el show de Jennifer y Shakira fue un éxito absoluto y, aunque la película dedica unos minutos a mostrarnos el espectáculo, es en la ardua preparación del show donde radica la admiración. No solo el tiempo es cortísimo para que dos cantantes dejen huella y se luzcan, sino que también veremos las trabas con las que tendrá que lidiar Jennifer por querer ir más allá de entretener, dejando un sutil pero claro mensaje a través de metáforas sobre el gobierno de Trump y sus políticas contra los inmigrantes.

Por último, y no menos importante, hay que remarcar cómo Jennifer empezó su carrera en una industria colmada de hombres, en donde las producciones se hacían con las ideas que los hombres creían que iban a generar éxito. Lopez nos muestra que las mujeres también tienen historias y cosas por decir. Que las miradas femeninas son tan necesarias como las masculinas y que las primeras no tienen por qué ser consideradas como “tontas” por el otro género.

“Jennifer Lopez: Medio Tiempo” no solo es una película que va a ser disfrutada por los fanáticos de Jennifer Lopez. Va más allá, enseñándonos que todo se puede lograr si confiamos en nosotros mismos, si tenemos claro que nosotros somos nuestro propio refugio. Tan sensual como trabajadora, a sus 52 años Jennifer está más vigente que nunca, dejándonos con muchas ganas de ver cuál será su próximo proyecto.

 

Puntaje: 8,50

La heroína del multiverso

 “Todo en todas partes al mismo tiempo” (Everything Everywhere All At Once, 2022) es una película estadounidense de ciencia ficción, comedia, drama y acción dirigida y escrita por Dan Kwan y Daniel Scheinert, conocidos como los Daniels. Protagonizada por Michelle Yeoh, el reparto se completa con Stephanie Hsu, Jamie Lee Curtis, Ke Huy Quan, James Hong, Tallie Medel, Jenny Slate, entre otros.

 

La historia gira en torno a Evelyn Wang (Michelle Yeoh), una inmigrante china casada con Waymond (Ke Huy Quan) y madre de la joven Joy (Stephanie Hsu). Evelyn vive arriba de su negocio, una lavandería en donde pronto hará una celebración por el año nuevo. Sumado a los preparativos, Evelyn cuida de su padre y tiene una cantidad enorme de recibos e impuestos con los que lidiar para que no le incauten su lugar de trabajo. En una cita con el Servicio de Rentas Internas, Evelyn descubrirá la existencia del multiverso. Como si fuera poco, otra versión de su marido le comunicará que ella es la única que puede salvarlos a todos de un agente de puro caos llamado Jobu Tupaki.

 

Disparatadísima, bizarra y abrazando completamente el absurdo, la última producción de A24 es un viaje en donde cualquier cosa puede pasar. La ambición que manejaron los Daniels fue enorme: infinidades de universos paralelos, infinidades de distintas versiones de una persona ya que siempre que se toma una decisión, las posibilidades ramifican la creación de varios mundos. Cada pequeña decisión, por más mínima que sea, resulta determinante. Con un montaje audaz que en varios momentos no da respiro por lo veloz que pasan las imágenes, esta historia introduce conceptos originales y con sustento, tales como el “saltoverso”, “ser omniversal” y la “fractura mental”.

Pero la película no es solo una aventura alocada con una misión gigante por cumplir. Va más allá al introducir mensajes terrenales sumamente humanos que son los que la convierten en memorable. La aceptación, el cuestionamiento constante que las personas nos hacemos al pensar “¿y si mi vida hubiera sido otra?”, el potencial, la amabilidad, el apreciar a los que tenemos al lado y muchos tópicos más resuenan con el espectador, dando paso a la reflexión.

En cuanto a la comedia, funciona en su mayor parte. Los diálogos entre Evelyn y su marido e hija son divertidos, así como también se destaca Jamie Lee Curtis como Deirdre, la trabajadora del Servicio de Impuestos que atiende el caso de la protagonista. Ellas tienen una escena de kung fu muy desopilante.

Aunque a “Todo en todas partes al mismo tiempo” le sobra metraje y en más de una ocasión se siente sobrepasada de ideas o se vuelve demasiado alocada, es en su moraleja donde radica su belleza. Todos podemos salir adelante de nuestra peor versión y, si estamos juntos, se puede hacer frente a un mundo que en muchas ocasiones se siente cruel e injusto.

 

Puntaje: 7

El instinto materno a pesar de todo

 “Gemelo Siniestro” (The Twin, 2022) es una película finlandesa de horror psicológico dirigida por Taneli Mustonen, que también se encargó del guión junto a Aleksi Hyvärinen. Protagonizada por Teresa Palmer, el reparto se completa con Steven Cree (Ian Murray en Outlander), Tristan Ruggeri, Barbara Marten, Andres Dvinjaninov, entre otros.

 

Luego de un trágico accidente de coche en donde el pequeño Nathan (Tristan Ruggeri) fallece, sus padres Rachel (Teresa Palmer) y Anthony (Steven Cree), junto a su hijo gemelo sobreviviente, deciden mudarse de Nueva York a Finlandia para iniciar una nueva vida. Aunque en un principio Rachel está cómoda con esta decisión, pronto empezará a preocuparse ya que su hijo Elliot (Tristan Ruggeri) tiene comportamientos muy extraños con respecto a su hermano muerto.

 

Los clichés en este thriller están a la orden del día. Casa nueva, chico que habla solo y dibuja cosas perturbadoras, pesadillas por doquier, un marido escritor, la anciana considerada la loca del pueblo, culturas paganas con rituales satánicos y la lista puede continuar. Aunque no estamos ante una producción que cuente con originalidad, de igual manera la historia atrapa. Esto se da en gran parte gracias a la atmósfera lúgubre bien construida, acompañada por una fotografía y música acordes. Además, la cinta nos hace recordar a “El Bebé de Rosemary” (Rosemary’s Baby, 1968) y “Midsommar” (2019).

No obstante, lo que podía ser aceptable gracias a actuaciones y aspectos técnicos correctos llega a caerse a pedazos desde el guión en el último acto. Sin entrar en terreno de spoilers, lo que descubrimos sobre el final convierte a la película en un sinsentido, haciéndonos cuestionar todo lo visto anteriormente pero sin llegar a esclarecer esa confusión. Pistas que concuerdan con la revelación del desenlace las hay pero son mínimas, por lo que todo se llega a sentir atado con alambre.

Si no fuera tan engañosa incluso desde su título, “Gemelo Siniestro” sería una buena opción para los fanáticos del género. Lamentablemente estamos ante otra producción en la que los guionistas se creen inteligentes al subestimar al espectador con un giro narrativo sacado de la galera y no bien tratado como por ejemplo sí ocurrió en la serie “Servant”. Una pena.

 

Puntaje: 5

La lucha que conlleva ser mujer

 “Roar” (2022) es una serie antológica de Apple TV creada por Liz Flahive y Carly Mensch. Compuesta por ocho episodios de aproximadamente media hora cada uno, la serie está basada en la colección de historias cortas homónima de Cecelia Ahern, autora irlandesa reconocida por “Posdata: te amo” (PS, I Love You) y “Donde termina el arco iris” (Where Rainbows End). Las protagonistas de cada historia son Issa Rae, Nicole Kidman (que también se desempeña como productora ejecutiva), Betty Gilpin, Cynthia Erivo, Merritt Wever, Alison Brie, Meera Syal y Fivel Stewart.

 

Consideradas como fábulas feministas oscuramente cómicas, estas historias vienen a poner sobre la mesa lo que significa ser mujer, con sus diferentes experiencias de vida, la percepción que existe desde su entorno y cómo ellas se ven a sí mismas.

 

Siempre que nos encontramos con una película o serie antológica va a haber episodios mucho mejores que otros. En “Roar”, el episodio tres y el ocho son los que no logran estar a la altura de los demás. El primero nos recordará a la historia de Rapunzel no por su extenso cabello, sino por el hecho de que a la modelo Amelia (Betty Gilpin) su marido adinerado le construye una repisa para que ella empiece a vivir allí, sin necesidad de trabajar ni hacer nada, simplemente utilizada para la adoración visual de él mientras trabaja en su escritorio. Con un tono de cuento de hadas, esta historia viene a hablarnos de la belleza, la inteligencia, la crianza y, en especial, la validación externa. Sin embargo, el desenlace no resulta el esperado, haciendo que el mensaje que se pretende dejar quede a la deriva. En cuanto al capítulo final, tenemos un western vengativo en el que la joven Jane (Fivel Stewart), amante de los caballos, desea obtener justicia por la muerte de su padre. En su recorrido se le unirá Millie (Kara Hayward), una de sus viejas amigas que es hija del pastor del pueblo. La trama se va perdiendo sin dejar claro qué es lo que se nos quería contar, volviéndose sumamente olvidable.

 

No obstante, los demás episodios que componen “Roar” sí consiguen llegar a buen puerto, siendo en su mayoría originales y bien planteados. El más emotivo sin lugar a dudas es el segundo, protagonizado por Nicole Kidman. Con su hijo a punto de irse a la universidad, Robin (Nicole Kidman) se toma unos días de su trabajo, alquila una camioneta y se dirige hacia la casa de su madre, con la que no posee una relación muy cercana. La idea consiste en que su madre se mude a vivir con ella, ya que debido a su enfermedad pronto la memoria le comenzará a fallar. El elemento fantástico de este capítulo es muy especial: en el viaje Robin lleva consigo un álbum de fotos familiar y, anhelando con todo su ser volver a sentirse en la niñez y adolescencia, toma el impulso de ir comiéndose las diversas fotografías. Esto genera que ella pueda, a través de sus sentidos, experimentar de nuevo lo que vivió en su pasado, con una frescura intacta. La historia nos habla del paso del tiempo, los recuerdos y, por sobre todo, los sentimientos que emergen en una mujer que está próxima a dejar a un lado el rol de madre pero también el rol de hija.

 

Otro de los episodios que da paso a la reflexión es el cuarto, llamado “La mujer que encontró marcas de mordeduras en su piel”. Todo comienza cuando Ambia (Cynthia Erivo) está por dar a luz a su segundo hijo. Lo que en un principio parece un parto sencillo y tranquilo pronto se convertirá en un escenario aterrador, ya que ni los médicos ni el marido de Ambia le prestan atención cuando ella repite y repite que algo anda mal. A pesar de esa experiencia traumática, luego de un tiempo Ambia decide regresar a trabajar. Su hija no está nada feliz con esta situación. Por otro lado, su marido parece aceptar sin ningún problema la idea de ocuparse de los niños. Con el transcurso de los días, el cuerpo de la protagonista irá cambiando debido a la aparición de marcas que desgarran todo su cuerpo, inclusive su cara. Estas mordeduras no son más que una representación de la culpa que Ambia siente por dejar a sus hijos, porque su marido en realidad la resienta y porque sus compañeros de trabajo hagan chistes desubicados a la hora de que ella tenga que tomarse un pequeño descanso para extraer su leche materna. Mostrando lo difícil que es balancear la vida laboral y familiar, en especial cuando se tienen hijos chiquitos, lo bello del episodio radica en ver cuál es la manera de que esas marcas vayan desapareciendo.

 

Para los que gustan de las tramas alocadas pero con potente moraleja, el quinto capítulo los sorprenderá. Conoceremos a Elisa (Merritt Wever), una mujer profundamente insegura que aprovecha su tiempo en el parque para estudiar medicina. Sentada en un banco, Elisa descubre que uno de los patos del lago le habla. Interesada cada vez más en este animal, Elisa decide llevárselo a su casa. Lo que no nos vemos venir es el giro que da esta historia, la cual nos viene a mostrar una relación abusiva, tanto física como verbal, y lo difícil que es salir de esta situación cuando el otro prácticamente te acorrala, alejándote de tus seres queridos y de todo lo que te antes te interesaba. En este caso, el desenlace está muy bien pensado, haciendo valer y estando en concordancia con lo que se nos contó de antemano.

 

Para finalizar, los episodios uno, seis y siete también tienen temáticas valiosas. La discriminación hacia Wanda (Issa Rae), una autora negra que se animó a escribir un hecho traumático que vivió solo para que unos ejecutivos quieran aprovecharse del material a su conveniencia, sin respetar sus deseos; el casi nulo interés que dos detectives egocéntricos le ponen al intentar descifrar el asesinato de Rebecca (Alison Brie), la cual, como en “Ghost: la sombra del amor”, está presente sin que los demás la puedan ver; y la historia de Anu (Meera Syal), una mujer de 60 años que se encuentra harta de estar atrapada en la rutina, por lo que decide cambiar a su marido por otro en una sección especial del supermercado. La valentía de hacerse cargo de su propia narrativa, el odio y violencia contra las mujeres que los jóvenes consumen en Internet y la importancia de la comunicación y del conocerse a uno mismo antes de entablar una relación, todo eso está bien retratado en estos capítulos que no dejan indiferente al espectador.

 

Aunque “Roar” no es perfecta, su creatividad llama la atención, logrando aportar varios granitos de arena feministas al mundo patriarcal en el que vivimos. Con metáforas sencillas de descifrar, buena cinematografía y actuaciones, se agradece ver algo refrescante y significativo en la pantalla de televisión.

 

Puntaje: 7,50

Una compañera inesperada

 “Dog: Un Viaje Salvaje” (Dog, 2022) es una comedia dramática que constituye el debut en la dirección por parte de Channing Tatum y Reid Carolin. Este último también se encargó del guión junto a Brett Rodriguez. Protagonizada por Channing Tatum, la película se estrenará en cines el 23 de junio.

 

La historia gira en torno a Jackson Briggs (Channing Tatum), un ex soldado de los Rangers del Ejército de Estados Unidos. Luego de haber sufrido lesiones cerebrales en una misión, Jackson quiere volver al ruedo. Sin embargo, su superior no tiene la intención de aprobarlo para una nueva tarea ya que sabe el estrés postraumático que Jackson padece. Para que deje de insistir con lo mismo, el jefe le da a Briggs otra tarea: llevar a la pastor belga Lulu al funeral de su dueño, Riley Rodriguez. Sin ganas, Jackson acepta emprender este viaje en carretera con la indomable perra militar. Lo que no sabe y descubrirá pronto es que tanto Lulu como él se necesitan mutuamente.

 

Inspirada en un road trip que Channing Tatum realizó con su pitbull, esta película podría haber estado muy buena si se hubiera elegido mejor su tono y estructura. Debajo de la superficie nos encontramos con temas interesantes sobre el trauma que sufren tanto los animales como los humanos que se dedican a luchar por su país fuera de él, en un ambiente lleno de violencia. Tenemos un mensaje importante que va sobre el expresar en palabras lo que estamos sintiendo para que eso no nos carcoma por dentro, tal como le pasó al dueño de la pastor belga. Está la soledad, el sentir que solo servimos para cumplir determinado rol por lo que nos distanciamos de los que más queremos, entre otras cosas.

 No obstante, el filme toma otro camino, convirtiéndose en un rejunte de situaciones “divertidas” que derrochan inverosimilitud. Aunque la perra Lulu logra ser de lo más convincente y tierna, como espectador nos resulta imposible de creer todos los escenarios en los que la dupla protagonista se ve metida. Estos van desde encontrarse con un hombre de armas tomar y su espiritualista mujer hasta justo hallar un vasto granero con televisión para pasar la noche lluviosa.

Muy yankee desde donde se la mire y sin aportar nada nuevo desde la dirección, “Dog: Un Viaje Salvaje” se deja ver y ya. Siendo más una peli para la televisión que para el cine, los que gustan de las historias con animales pueden darle una chance tranquilos ya que por suerte no sucede nada trágico.  

 

Puntaje: 5