Un viaje sanador

“Un amigo abominable” (Abominable, 2019) es una película animada de aventuras dirigida por Jill Culton y Todd Wilderman. Escrita por Culton, la nueva producción de DreamWorks cuenta con las voces originales de Chloe Bennet, Joseph Izzo, Tenzing Norgay Trainor, Albert Tsai, Sarah Paulson, Eddie Izzard, Michelle Wong, Tsai Chin, entre otros. Originalmente titulada Everest y estando en desarrollo desde el año 2010 dentro del estudio de animación, la cinta tuvo su premiere mundial en el Festival Internacional de Cine de Toronto.

La historia gira en torno a Yi (Chloe Bennet), una adolescente que vive con su madre y abuela en la gran ciudad de Shanghai, China. Debido al reciente fallecimiento de su padre, Yi prefiere estar fuera de casa y mantener su mente ocupada paseando perros, cuidando niños o sacando la basura en restaurantes. Cuando la joven descubra a un enorme yeti blanco en la azotea de su hogar, el cual se escapó de un laboratorio y está siendo buscado por todos lados, la humana se pondrá como objetivo acompañar a la criatura al lugar donde pertenece y habita su respetiva familia: la cima del monte Everest. Junto a sus vecinos Jin (Tenzing Norgay Trainor) y Peng (Albert Tsai), Yi emprenderá un arriesgado viaje marcado por la magia, la amistad y el redescubrimiento interior.

Luego de “El hijo de Piegrande” (The son of Bigfoot, 2017), “Pie pequeño” (Smallfoot, 2018) y la reciente producción de Laika “Sr. Link” (Missing Link, 2019), que continúa en cartelera, llega otra película infantil con temática sobre yetis. Aunque desde las imágenes promocionales y desde la trama la película pueda parecer muy trillada, por suerte “Un amigo abominable” tiene los suficientes elementos para destacarse y ser disfrutada tanto por chicos como por grandes.

Dirigido por una mujer, lo cual no es tan común en la animación, el filme resulta una bocanada de aire fresco por su ambientación, sus personajes y la decisión de arriesgarse a contar una historia que no busca únicamente entretener. A nivel visual se puede notar el homenaje hacia la cultura china, que va desde los alimentos típicos de allí tales como los dumplings hasta el diseño de Shanghai, una zona urbana llena de edificios luminosos. Aparte, la película cuenta con paisajes asiáticos bellísimos que incluyen prados llenos de flores, ríos y montañas nevadas.

En cuanto a la protagonista, Yi se hace querer desde el inicio gracias a que la directora y guionista se preocupó en darle un trasfondo con el que es muy fácil sentirse identificado. A la adolescente le cuesta expresar sus sentimientos a sus seres queridos, ella está en un proceso de duelo en donde conocer a Everest (nombre que le da al yeti) termina salvándola. A través de una armoniosa música de violín que logra hacer sentir bien tanto a la joven como al espectador, se nota que la cinta fue un proyecto muy personal de la directora, la cual puso mucho de su corazón para que esta historia llegara a la pantalla grande.

Por otro lado, el peludo compañero de Yi es todo lo contrario al adjetivo con el que se lo describe en el título del filme. Con un diseño cuidado al máximo detalle ya sea desde su pelaje, la forma de sus dientes sobresalidos, los grandes ojos celestes y los orificios de la nariz, Everest es tan tierno, adorable y bonito que también dan ganas de tenerlo como amigo. Además, el yeti tiene una capacidad tan extraordinaria como mágica: él puede manipular para bien a la naturaleza (por ejemplo, puede hacer que crezcan muchos frutos o flores). Esta conexión única le da a la película la cuota original y fantasiosa que le faltaba para escapar de los clichés.

Linda tanto visualmente como desde su contenido, "Un amigo abominable” se convierte en una opción espléndida para ser disfrutada por toda la familia ya que tiene la combinación perfecta de aventura, drama y comedia. Con personajes entrañables, el filme de Jill Culton cuenta con un desenlace hermoso que da cierre a una trama caracterizada por las buenas moralejas.

Puntaje: 8

El libro maldito

“Historias de miedo para contar en la oscuridad” (Scary Stories to Tell in the Dark, 2019) es una película de terror dirigida por André Øvredal (Trollhunter, La Morgue) y co-escrita por Dan y Kevin Hageman junto a Guillermo Del Toro, el cual también se desempeñó como productor. Coproducida entre Estados Unidos y Canadá, la cinta está basada en la serie homónima de libros para chicos del autor Alvin Schwartz. El reparto está compuesto por Zoe Margaret Colletti, Michael Garza, Gabriel Rush, Austin Zajur, Natalie Ganzhorn, Kathleen Pollard, Austin Abrams (Paper Towns, Euphoria), Dean Norris, Gil Bellows (La Casa de al lado), Lorraine Toussaint, entre otros.

1968, Mill Valley, Pensilvania. Con la llegada de Halloween, los jóvenes amigos Stella (Zoe Margaret Colletti), Auggie (Gabriel Rush) y Chuck (Austin Zajur) deciden hacerle una broma a Tommy (Austin Abrams), el bravucón de la escuela. Para esconderse del enojado Tommy y su pandilla, los chicos se meten dentro del auto de Ramón (Michael Garza) y entablan amistad. Luego de charlar, los cuatro deciden ir hacia la embrujada casa del pueblo, la cual actualmente está abandonada pero perteneció a la familia Bellows, dueños adinerados de una fábrica de papel. Al animarse a entrar allí, los adolescentes encuentran el libro de historias terroríficas escrito por Sarah Bellows. Stella conoce los mitos que existen alrededor de ese nombre, pero de igual manera decide llevarse el libro con ella. Desde ese momento, cada chico que estuvo ese día dentro de la casa embrujada sufrirá las peores pesadillas imaginables y los demás tendrán que buscar rápidamente la solución para detener esta tragedia.

Noche de brujas, una oscura y temible casa, un auto cine, chicos que hacen bullying y un policía que no les cree a los protagonistas son solo algunos de los clichés que se hacen presentes en esta película. Sin embargo, lo que hace que “Historias de miedo para contar en la oscuridad” se destaque por sobre otras producciones de horror es el imponente libro de Sarah Bellows. Cada historia escrita ahí hizo que los chicos del pueblo vayan desapareciendo sin razón aparente, por lo que cuando el escrito vuelve a activarse el entretenimiento para el espectador está asegurado.

A pesar de que nunca llegamos a conectar del todo con los personajes ya que tienen un trasfondo bastante acotado, son los diferentes monstruos los que hacen que la película mantenga el atractivo. Como era de esperarse, que Guillermo Del Toro haya estado involucrado en el filme era garantía suficiente para saber que el diseño de las criaturas sería impactante. El Jangly Man (cadáver en descomposición con la cara torcida), el espantapájaros Harold, la Dama Pálida, entre otros, resultan lo suficientemente asquerosos como para hacernos pasarla mal dentro de la sala de cine.

Con un desenlace flojo ya que los guionistas parecen estar más preocupados en que exista una secuela en vez de cerrar al 100% esta trama, “Historias de miedo para contar en la oscuridad” será más disfrutada por los jóvenes que aún no vieron tantas películas del género. Aunque durante la segunda mitad el filme decaiga, cada secuencia donde los monstruos entran en escena se vuelve muy disfrutable de ver.

Puntaje: 6

Un empleo deshonesto

“Así habló el cambista” (2019) es una película dramática dirigida y co-escrita por Federico Veiroj. Coproducida entre Uruguay, Argentina y Alemania, la cinta está basada en la novela homónima de Juan Gruber. Rodada en Montevideo, el reparto se compone por Daniel Hendler, Dolores Fonzi, Luis Machín, Germán De Silva, Benjamín Vicuña (Los Padecientes), entre otros. El filme tendrá su estreno mundial en la sección Platform del Toronto International Film Festival, a la vez que formará parte de Horizontes Latinos del Festival de San Sebastián y de la selección oficial del New York Film Festival.

Entre los años 1956 y 1975 seremos testigos de la vida de Humberto Brause (Daniel Hendler), un señor que comienza siendo aprendiz del cambista Schweinsteiger (Luis Machín) para luego pasar a realizar él mismo operaciones cambiarias ilegales girando grandes sumas de dinero de políticos al exterior. Cada vez más metido en negocios turbios que incluyen extorsiones, Humberto tampoco será feliz en su matrimonio. Casado con Gudrun (Dolores Fonzi), la hija de su jefe con la que tiene dos hijos, la relación entre ellos se irá volviendo cada vez más absurda y materialista.

Una reconstrucción de época a la altura de las circunstancias, música que ambienta muy bien cada escena y una voz en off puesta solo en los momentos necesarios son los tres aspectos positivos que tiene este filme lento, aburrido y soporífero. “Así habló el cambista” busca retratar la crisis de la mediana edad de un hombre cobarde que disfruta de obtener y gastar dinero. Al tener a un protagonista que se caracteriza por su apatía, codicia y deshonestidad, como espectador resulta difícil que la película se haga llevadera. De igual manera, el problema no está en que ningún personaje nos caiga bien, sino que se basa en que desde el guión no se plantea un conflicto central, por lo que parece que a medida que avanzan los minutos el filme no está yendo a ninguna parte.

En vez de contar con un hilo conductor, la película es un rejunte de situaciones que casi no tienen desarrollo. Por ejemplo, que Humberto sospeche de haber contagiado de alguna enfermedad a su mujer, que en medio del tráfico en Argentina haya un tiroteo y muera una persona o la búsqueda de dinero por parte del protagonista dentro del saco de un cadáver. Desde el guión se decide no ahondar en este tipo de escenas, aparte de que tampoco se le da mucha profundidad a la temática de la corrupción o cómo es que Brause realiza su maligno trabajo.

Por otro lado, que Dolores Fonzi en el comienzo del filme interprete a una joven estudiante de secundaria no resulta creíble por más maquillaje y uniforme acorde que se utilice. Que Gudrun hable sobre las notas de su boletín o el permiso de su padre para ir a un campamento escolar hubiese funcionado si la elección de la actriz fuera acertada.

Es así como “Así habló el cambista” no logra mantener el interés por más correcta que sea su fotografía. Poco llevadera y con un guión que no convence, la nueva cinta de Veiroj pasará sin relevancia por la cartelera.

Puntaje: 5

El abandono y sus consecuencias

Ad Astra: Hacia Las Estrellas (Ad Astra, 2019) es una película dramática de ciencia ficción dirigida, co-escrita y producida por James Gray (Sueños de Libertad, 2013). Protagonizada por Brad Pitt, que también fue uno de los productores, el reparto se completa con Tommy Lee Jones, Donald Sutherland, Ruth Negga (Loving), Liv Tyler, Anne McDaniels, Sean Blakemore, John Ortiz, entre otros. La cinta tuvo su premiere mundial en el Festival Internacional de Cine de Venecia.

En un futuro cercano, la Tierra recibe una reacción antimateria descontrolada (en forma de tormentas eléctricas) que puede poner en un enorme peligro a todo el Sistema Solar. Con este panorama poco alentador se nos presenta a Roy McBride (Brad Pitt), un astronauta que nunca supo qué es lo que sucedió con su padre Clifford (Tommy Lee Jones), un pionero en las misiones al espacio. Hace 20 años, Clifford fue el encargado de liderar el Proyecto Lima, el cual tenía el objetivo de hallar vida inteligente en otros planetas. Sin embargo, la nave nunca regresó, por lo que desde la empresa SpaceCom se decidió dar por muertos a los astronautas que formaban parte del proyecto. La esperanza vuelve a Roy cuando se le comunica que su padre, desde Neptuno, puede ser el responsable de las alteraciones que está sufriendo la Tierra. Seleccionado para intentar establecer contacto con Clifford, Roy se embarcará en un viaje hasta Marte que lo cambiará por completo.

La nueva cinta de James Gray desde el exterior puede verse como una épica aventura espacial llena de acción y suspenso, lo que no deja de ser cierto pero, en mayor medida, Ad Astra se alza como un drama familiar intimista. A fuego lento la película nos sumerge, a través de una voz en off súper necesaria, en la psiquis de Roy, un hombre al que el abandono de su padre lo marcó. Solitario, serio y abrumado internamente, la forma de ser de Roy se asemeja bastante al Neil Armstrong de Ryan Gosling en El Primer Hombre en la Luna (First Man, 2018). Luego de su misterioso y atractivo Cliff Booth en Había Una Vez en… Hollywood (Once Upon a Time in Hollywood, 2019), Brad Pitt logra lucirse aún más en este rol gracias a la capacidad que tiene de expresar sus emociones sin casi emitir palabras.

Por otro lado, la fotografía y el uso del sonido son más que espectaculares. La Luna, los diferentes planetas con sus respectivos anillos, las estrellas y las naves están tan bien diseñados que la película si o sí debe ser vista en pantalla grande. Tanto la música como los silencios funcionan a la perfección para que la experiencia cinematográfica sea fructífera: en los momentos de acción la tensión se mantiene y cuando existen secuencias que van más por el lado del thriller, que la banda sonora baje los decibeles resulta todo un acierto.

Aunque el personaje de Liv Tyler, esposa del protagonista, esté totalmente desperdiciado y otros secundarios no tengan un cierre (simplemente no aparecen más y no se sabe qué pasó con ellos), Ad Astra: Hacia Las Estrellas consigue dejar reflexionando al espectador sobre el egoísmo del ser humano, el capitalismo, los conflictos internos que se traspasan de padres a hijos y la importancia de centrarse en lo que verdaderamente importa. Arriesgada y alucinante visualmente, el filme tiene varias posibilidades de ser nominado en los próximos Óscars.

Puntaje: 8

Una vida penosa

El Jilguero (The Goldfinch, 2019) es una película dramática dirigida por John Crowley (Brooklyn) y escrita por Peter Straughan. Basada en la novela homónima de la autora Donna Tartt, la cual ganó el Premio Pulitzer en 2014, la cinta cuenta con un reparto compuesto por Oakes Fegley (Mi Amigo El Dragón), Ansel Elgort (Bajo la Misma Estrella), Jeffrey Wright (Los Juegos del Hambre: En Llamas), Finn Wolfhard (Stranger Things), Nicole Kidman, Luke Wilson, Sarah Paulson (American Horror Story), Ashleigh Cummings, Aimee Laurence, Willa Fitzgerald, Aneurin Barnard, entre otros.

La historia gira en torno a Theo Decker (Oakes Fegley), un chico de 13 años que pierde a su madre debido a un atentado en el Museo Metropolitano de Arte. Desde ese momento de shock, Theo pasa a convivir con la familia de su compañero de escuela Andy (Ryan Foust), ya que su padre lo abandonó ni bien nació. Sin embargo, cuando el joven ya se está adaptando a vivir con los Barbour, su alcohólico progenitor reaparece con su novia Xandra (Sarah Paulson) y se lo lleva a vivir con ellos a una zona desierta de Las Vegas. Aún manteniendo escondido el cuadro de “El Jilguero” (Theo se lo llevó bajo instrucciones de un herido luego de la explosión en el museo), el relato continuará alrededor de qué es lo que pasó con Decker ocho años después.

Con una imponente fotografía del ganador del Óscar Roger Deakins, El Jilguero lamentablemente resulta una terrible decepción. Aunque la cinta cuenta con buenas actuaciones por parte de Oakes Fegley y Finn Wolfhard, la estructura narrativa y el guión fallan al 100%, logrando que las dos horas y media de duración se vuelvan tediosas por no poder transmitir en el espectador ni un ápice de emoción.

Aunque la preadolescencia del protagonista consigue captar el interés por los trágicos momentos con los que tuvo que lidiar, la película nunca consigue definir su tonalidad. En vez de profundizar sobre la culpa, el miedo, la soledad o el enamoramiento a partir de un suceso atroz, el director prefiere dejar todo eso de lado para continuar mostrando la triste vida de Theo. De esta manera llegamos a la conclusión de que este tipo de historia que supo funcionar como novela, no era la indicada para ser adaptada a la pantalla grande.

Por otro lado, justo cuando se empieza a creer que Ansel Elgort no tendrá una gran participación, el filme avanza ocho años después para mostrarnos la vida de adulto de Theo. Aún más colmada de golpes bajos, el tercer acto de la película, donde surge un conflicto que parece sacado de la galera y nada tiene que ver con lo planteado anteriormente, termina catapultando todo al fracaso.

Con diálogos poco creíbles, sin un mensaje claro y, por sobre todo, incapaz de conmover, El Jilguero sorprende para mal teniendo en cuenta que su director hizo la maravillosa Brooklyn (2015). Si la penosa vida de Theo te llama la atención, seguramente el libro es mejor opción que este largometraje.

Puntaje: 4,50

Un hombre que vive a su manera

Iniciales SG es una comedia negra dirigida y escrita por la libanesa Rania Attieh y el estadounidense Daniel García. Protagonizada por Diego Peretti y Julianne Nicholson (Yo Soy Tonya), el reparto se completa con Francisco Lumerman, Julián Kracov, Walter Jacob y Malena Sánchez (Re Loca). La cinta tuvo su debut en el Festival Internacional de Tribeca.

Ambientada en Buenos Aires, durante la Copa del Mundo de 2014, la historia se centra en Sergio Garcés (Diego Peretti), un fanático de la Selección Argentina de Fútbol que es un firme creyente en las cábalas, al punto de que si al equipo le va mal, la racha de mala suerte también repercute en su vida. A Sergio sus amigos lo llaman “Francés”, ya que cuando era joven él grabó un disco de covers en castellano del cantante Serge Gainsbourg. Alcohólico y bastante solitario, Garcés participa como extra de varias películas, sin embargo su sueño consiste en ser actor. Al conocer a Jane (Julianne Nicholson), una programadora de cine estadounidense que está allí por un viaje de negocios, Sergio comenzará un romance particular donde involucrará a la mujer en un crimen que él no deseó cometer.

Si hay una palabra para definir al cuarto filme de Attieh y García es la de intrascendente. A pesar de contar con una duración corta (93 minutos), la película carece del ritmo necesario para mantener atrapado al espectador, tornándose sumamente larga teniendo en cuenta que casi nada relevante sucede en la vida de este hombre que se cree canchero pero en realidad es un fracasado. Con una voz en off de Daniel Fanego, la cual está bien utilizada, el relato no tiene razón de ser más que el de meternos en el aburrido día a día de Sergio, un hombre que se la pasa mirando televisión en calzoncillos, fumando o protagonizando alguna que otra película porno. Aunque algunas de las situaciones bizarras que vive el protagonista logran causar gracia y otros momentos surrealistas llaman la atención por su buena construcción, Iniciales SG cuenta con más errores que aciertos.

En cuanto al guión, en un par de ocasiones la película da la sensación de que va a acabar pero no lo hace, lo que nos lleva a pensar que los escritores no tenían muy en claro cómo continuar esta historia. Además, el asesinato de un joven dealer, vecino de Sergio, llega muy tarde en la trama y, aunque por lo menos nos saca del letargo, no consigue tener un buen desarrollo.

No hay mucho más para decir sobre Iniciales SG, un filme distinto y raro pero no por eso recomendable. A pesar de contar con buenas actuaciones, la película hace agua por todos lados y está destinada al olvido ni bien termina.

Puntaje: 5

Famoso de la noche a la mañana

Yesterday (2019) es una comedia romántica musical que está dirigida por Danny Boyle (Slumdog Millionaire, 127 Horas) y escrita por Richard Curtis (Cuestión de Tiempo). Protagonizada por Himesh Patel, el reparto se completa con Lily James (Cenicienta, Baby Driver), Joel Fry, Ed Sheeran, Kate McKinnon (Mi Novio Es Un Espía), Alexander Arnold, Sanjeev Bhaskar, Meera Syal, Sophia Di Martino, Ellise Chappell, entre otros. La cinta tuvo su premiere mundial en el Festival de Cine de Tribeca.

La historia gira en torno a Jack Malik (Himesh Patel), un empleado de supermercado que vive en el condado de Suffolk, Reino Unido. Jack es cantante y compositor pero no le va bien: siempre que toca en algún evento o festival, el público no le presta atención o es muy acotado. Sin embargo Jack tiene como representante a Ellie (Lily James), maestra de matemáticas y amiga suya desde la infancia que lo impulsa a seguir sus sueños porque verdaderamente cree en su talento. Una noche, al volver a su hogar en bicicleta, por pocos segundos se produce un apagón de luz mundial y Jack es atropellado por un autobús. Al día siguiente, y con dos dientes menos, Malik se da cuenta que, al mencionar a Los Beatles, ni sus amigos ni su familia los conocen. De esta manera Jack conseguirá un éxito rotundo al cantar las canciones de la banda de rock inglesa como si fueran su propia creación. No obstante, con tanta fama, dinero y entrevistas televisivas, la relación de Jack y Ellie penderá de un hilo.

Un Lugar Llamado Notting Hill (Notting Hill, 1999), Realmente Amor (Love Actually, 2003) y Cuestión de Tiempo (About Time, 2013) son solo algunas de las películas escritas por Richard Curtis que supieron llegar al corazón del espectador por la construcción de historias originales con personajes sumamente entrañables. Como era de esperarse, esta nueva producción llena de música se suma a esa lista por contar con un guión tan perspicaz como divertido. Y es que con Yesterday resulta imposible pasarla mal: la cuota de comedia funciona casi a la perfección, los protagonistas tienen una química genial y el argumento del filme por sí solo incentiva a querer ver cómo sería un mundo en donde se desconozcan las canciones de una banda tan icónica como Los Beatles.

Sin necesidad de dar explicaciones sobre por qué Jack parece ser el único que recuerda a John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr, la película se caracteriza por su frescura, simpleza y dulzura. A Lily James la cámara la adora cada vez que aparece en pantalla y no solo el romance funciona, sino también cómo el director encara la soledad que siente Jack al estar en la cima de la popularidad. Además, el cantante Ed Sheeran tiene una gran participación actuando de él mismo, dándonos variadas escenas súper graciosas.

En conclusión, Yesterday es de esas películas auténticas que, con un final precioso, colman de felicidad al espectador. Al ritmo de Let It Be, Hey Jude y I Want To Hold Your Hand, entre otras, el nuevo filme de Danny Boyle tiene todos los ingredientes para ser recordado y disfrutado una y otra vez.

Puntaje: 8,50

Encontrando su lugar de pertenencia

Sr. Link (Missing Link, 2019) es una comedia de aventuras animada con la técnica de stop-motion. Dirigida y escrita por Chris Butler (ParaNorman), la película está producida por el estudio Laika. Las voces originales son puestas por Hugh Jackman, Zach Galifianakis, Zoe Saldana, Stephen Fry, Timothy Olyphant, Ching Valdes-Aran, Emma Thompson, David Walliams, Matt Lucas, entre otros. La cinta comprende 1486 tomas, el mayor número de tomas rodadas en cualquier otra película de Laika hasta la fecha. Además, renderizar todo el filme tomó 112 millones de horas de procesador.

Ambientada en 1886, la historia gira en torno a Sir Lionel Frost (Hugh Jackman), un explorador que pasa su vida buscando pruebas de la existencia de bestias mitológicas. Frost tiene una meta central: él quiere ser aceptado en la Sociedad de los Grandes Hombres, club conservador que está liderado por el autoritario Lord Piggot-Dunceby (Stephen Fry). Cuando Lionel recibe una carta que le confirma la presencia de un Sasquatch (Pie Grande), él no dudará en emprender viaje hacia el noroeste del Pacífico de los Estados Unidos. No obstante, antes de hallar al Pie Grande, Lionel hará un trato con Dunceby: si logra traer evidencia de la existencia de esa bestia, Frost podrá convertirse en un integrante más del reconocido club.

Luego de Coraline (2009), ParaNorman (2012), The Boxtrolls (2014) y Kubo y la búsqueda del samurái (Kubo and the Two Strings, 2016), la compañía de animación en stop-motion llamada Laika nos trae otra producción visualmente preciosa que se caracteriza por un relato lleno de ternura y simpatía. Con personajes principales agradables y una historia sencilla que también se vuelve muy disfrutable para los más grandes, Sr. Link es el claro ejemplo de que pueden seguir haciéndose historias originales alrededor de la figura de Pie Grande.

En cuanto a los personajes principales, resulta imposible no conectar con Link, un ser ingenuo, amistoso, torpe y, por sobre todo, de buen corazón. El guión consigue hacernos reír por las ocurrencias de este gigante y su manera de desenvolverse. Por otro lado, el aventurero Lionel Frost tiene un crecimiento a medida que avanza el metraje: de egocéntrico y competitivo pasa a preocuparse por cómo se siente la criatura, lo que genera un lazo de amistad sano y entrañable muy lindo de ver.

La película toca temas interesantes como la preservación de la naturaleza y el temor hacia el humano, el cual tiende a destruir y explotar cualquier escenario natural que pisa. Sin embargo, el tópico en el que más se hace foco es el del sentido de la pertenencia. Sumado a la aceptación del que consideramos “diferente”, se puede afirmar que la cinta tiene mensajes muy productivos y bien tratados para el público infantil.

Con escenas de acción bellísimas (en especial la que ocurre en el puente de hielo) y situaciones muy graciosas (la cena dentro de la casa de Gamu), Sr. Link entretiene de principio a fin. Aunque puede que sea la cinta con más simpleza dentro del estudio Laika en cuanto a la trama, el viaje que recorren Lionel Frost y el Sasquatch no tiene desperdicio, siendo otro acierto dentro de la productora.

Puntaje: 7,50

En busca de su hija

Bruja (2019) es un thriller sobrenatural nacional dirigido por Marcelo Páez Cubells (Omisión, Baires) y escrito por Matías Caruso. Filmado en San Antonio de Areco y Capital Federal, el filme está protagonizado por Érica Rivas (Relatos Salvajes, La Luz Incidente). Completan el reparto Miranda de la Serna (hija de Rivas que ya trabajó con su madre en Antes del Estreno), Leticia Brédice, Juan Grandinetti, Pablo Rago, Guillermo Arengo, Fabián Arenillas, Maite Lanata, el comediante Gregorio Rossello y Rita Cortese.

Desde pequeña, Selena (Érica Rivas) vivió teniendo relación con la magia negra gracias a la sabiduría de su madre. Esto generó que, a medida que pasaban los años, la gente del pueblo la mirara con desprecio, llegándola a considerar una bruja. Mamá de la adolescente Belén (Miranda de la Serna), a la cual tuvo de muy joven, Selena continúa soportando los prejuicios de los demás, ya sea de los dueños del almacén como de los otros padres de los compañeros de secundaria de su hija. Una vez que Belén es engañada y secuestrada por una red de trata de personas, que también captura a las amigas de la joven, a Selena no le quedará otra que utilizar todos sus conocimientos místicos para dar con el paradero de las chicas cuanto antes.

Apuesta arriesgada es la que se tomó Marcelo Páez Cubells con este thriller que mezcla magia negra con prostitución. La idea resulta interesante ya que en Argentina son muy pocos los filmes que se vuelcan al género del terror, sin embargo esta película tiene varios aspectos negativos que no pueden dejarse pasar. Por un lado, la mayoría de las interpretaciones lucen sobreactuadas, generando que el espectador no pueda meterse de lleno en la trama por no creerse a los personajes. Leticia Brédice es el claro ejemplo de esto: resulta imposible tomarse en serio su rol. Tanto su manera de hablar como sus movimientos no son naturales, haciéndonos creer que la actriz recicló papeles anteriores de su carrera para construir a Marisa, mujer que está metida en el proceso de captar chicas jóvenes para la trata.

El guión tampoco ayuda a personajes como el de Pablo Rago o Miranda de la Serna, los cuales no se esfuerzan mucho en su labor. Sin embargo, aquí la protagonista es la acertada: Érica Rivas compone a una bruja llena de habilidades que sorprenden. El peinado, maquillaje y vestuario otorgan a Selena un halo de misterio que atrapa, dándonos ganas de ver todo su potencial. Rivas es la única a la que se le notan las emociones a flor de piel de una forma muy genuina y es por ella que la cinta vale la pena.

En cuanto a los efectos especiales, la película abusa de ellos cada vez más a medida que avanza el metraje. Sin contar con un alto presupuesto, que haya tanto efecto especial de baja calidad solo consigue que esas escenas no logren su cometido: en vez de asustar, la mayoría resultan bizarras, lo que nos lleva a la conclusión de que siempre menos es más.

Con algún que otro cabo suelto, variados clichés, situaciones inverosímiles y actuaciones flojas, Bruja solo consigue salir airosa gracias a su protagonista y al ambiente oscuro recreado. Los poderes espirituales y sacrificios de Selena harán retorcerse en la butaca a más de uno.

Puntaje: 6

Una excéntrica celebración

Claudia (2019) es una comedia negra argentina dirigida y escrita por Sebastián De Caro (20.000 Besos). Protagonizada por Dolores Fonzi (La Patota, El Futuro Que Viene), el reparto se completa con Laura Paredes, Julián Kartun, Gastón Cocchiarale, Jorge Prado, Santiago Pedrero, Valeria Correa, Santiago Gobernori, Julieta Cayetina, Paula Baldini, Félix Buenaventura, entre otros. Filmada en un palacio neoclásico de 1930 perteneciente al Museo de la Fundación Rómulo Raggio, ubicado en el Partido de Vicente López, la película fue elegida para la apertura de la última edición del BAFICI.

La historia se centra en Claudia Segovia (Dolores Fonzi), una organizadora de eventos que siempre busca la perfección a toda costa. Luego del fallecimiento de su padre, Claudia debe reemplazar a Elizabeth (Valeria Correa) y tomar el rol de wedding planner en el festejo de boda de la pareja compuesta por Jimena (Paula Baldini) y Julián (Julián Kartun). Cuando la novia le cuenta en privado que en realidad no desea dar el sí, Claudia comenzará a ser testigo de una serie de sucesos sumamente extraños que rodean a los invitados.

Inusual, peculiar y desconcertante al 100%, Claudia resulta difícil de procesar, al punto de que es muy complicado dilucidar su género. Aunque el director afirme que se trata de una comedia, las risas son casi inexistentes y lo que más prevalece es el misterio, el cual mantiene la atención del espectador gracias a la buena construcción de la atmósfera dentro de la fiesta. No obstante, las variadas situaciones raras que nos hacen dudar de las verdaderas intenciones de los familiares de la novia no terminan resolviéndose, dejándonos con una sensación amarga y decepcionante por la inverosimilitud y el poco sentido que hay en el desenlace.

En cuanto a las actuaciones, Dolores Fonzi brilla en la piel de esta mujer que, por su vestimenta en el póster promocional, nos hacía creer que era azafata. Con un protagonismo absoluto, Claudia es tan maníaca y obsesionada por su trabajo que no para de hablar ni un segundo. Decidida, enérgica y autoritaria, la planificadora hace un buen equipo con Pere (Laura Paredes), su compañera que no duda ni un segundo a la hora de seguir sus órdenes. Por otro lado, Jorge Prado interpretando al padre de la novia consigue inquietar al espectador desde su mirada y forma de expresarse.

A nivel técnico, el filme cuenta con una bella fotografía, vestuarios, iluminación y peinados. Los planos están elaborados teniendo en cuenta el más mínimo detalle, dando la sensación de que se aprovechó al máximo la elegancia que presenta el palacio neoclásico.

Magia, máscaras terroríficas, una tarántula y hasta una presentación musical inicial de Lali Espósito convierten a Claudia en una rareza absurda que, sin muchas explicaciones, fácilmente puede llegar a convertirse en una película de culto.

Puntaje: 6

Hora de volver a Derry

IT: Capítulo 2 (IT: Chapter Two, 2019) es una película de terror que constituye la secuela y parte final de IT (2017). El argentino Andy Muschietti vuelve a estar a cargo de la dirección y su hermana Bárbara continúa en la producción. Escrita por Gary Dauberman, reconocido por ser el guionista de los filmes de Annabelle, la película está basada en la novela homónima de Stephen King, la cual fue publicada en 1986. En cuanto al reparto, vuelven a estar presentes Bill Skarsgård, Finn Wolfhard (Stranger Things), Sophia Lillis (Sharp Objects), Jack Dylan Grazer (Shazam!), Jeremy Ray Taylor, Wyatt Oleff, Jaeden Martell y Chosen Jacobs. No obstante los verdaderos protagonistas son las versiones adultas del grupo de perdedores, que fueron interpretadas por Bill Hader, Jessica Chastain, James Ransone, Jay Ryan, Andy Bean, James McAvoy e Isaiah Mustafa.

Veintisiete años después de los acontecimientos ocurridos en el primer filme, cada integrante del grupo de perdedores creció y tomó su propio camino. El único que decidió quedarse en el pueblo fue Mike Hanlon (Isaiah Mustafa). Cuando las desapariciones de personas en Derry vuelven a aumentar con gran rapidez, Mike no lo duda: Pennywise está de regreso. Con el claro objetivo de derrotarlo de una vez y para siempre, Mike se contactará con sus viejos amigos Bill (James McAvoy), Beverly (Jessica Chastain), Ben (Jay Ryan), Richie (Bill Hader), Eddie (James Ransone) y Stan (Andy Bean). Reencontrados y con una sensación de rareza que habita dentro de cada uno, los losers deberán hacer memoria de sus respectivas infancias para enfrentar a Pennywise completamente fortalecidos.

Con una mayor escala de producción y casi tres horas de duración, IT: Capítulo 2 llega a la cartelera para dar cátedra a las demás películas de horror. Mucho más psicodélica y tenebrosa que su antecesora, la cinta logra enganchar al espectador desde el comienzo manteniendo su ritmo y asustando en bastantes ocasiones. El CGI abunda en el filme pero, en este caso, está muy bien utilizado ya que cada mutación del payaso luce sumamente real. Las diferentes criaturas tienen diseños tan retorcidos y sofisticados que es imposible dudar de lo que se está viendo en pantalla.

Para que un largometraje cause terror, al director le tienen que importar sus personajes. Por suerte, Andy Muschietti tiene muy en claro que esta historia no gira alrededor de un payaso maldito sino que es un relato sobre las emociones humanas, sobre los traumas que se tienen desde chico, los cuales no se van por más que uno crezca. Cada personaje cuenta con un pasado que cree olvidado, cada integrante está dañado psicológicamente por lo que la conexión con la mayoría del grupo es inmediata, en especial porque ya conocemos sus respectivas personalidades y los actores adultos tienen una química increíble entre sí. A pesar de que a Mike no se le da tanta importancia en cuanto a su trasfondo, el tratamiento de los miedos de Bill, Bev, Ben, Richie y Eddie resulta una experiencia cinematográfica muy inmersiva y disfrutable.

Por otro lado, el sonido es un protagonista más de la trama. Gracias a la buena utilización de éste, junto con el gran trabajo de iluminación, la mayoría de las secuencias terroríficas causan los nervios y la tensión deseadas (incluso muchas escenas llegan a producir asco por el expresionismo híper realista de las diferentes figuras amorfas).

Escalofriante pero también muy entretenida, graciosa y emocionante, IT: Capítulo 2 se posiciona como lo mejor que nos entregó el 2019. Como una oda a la amistad y a la unión, la película celebra las diferencias de cada uno pero, por sobre todo, deja en claro que a los miedos no se los supera enterrándolos sino lidiando con ellos día tras día.

Puntaje: 9

El camino hacia el éxito

Alcanzando Tu Sueño (Teen Spirit, 2018) es una película musical dramática que constituye la ópera prima de Max Minghella (Nick Blaine en la serie de Hulu ganadora del premio Emmy The Handmaid’s Tale). Protagonizada por Elle Fanning, el reparto se completa con Zlatko Buric, Agnieszka Grochowska, Archie Madekwe, Rebecca Hall, Olive Gray, Millie Brady, entre otros. La cinta tuvo su premiere mundial en el Festival Internacional de Cine de Toronto.

La historia se centra en Violet Valinsky (Elle Fanning), una adolescente de ascendencia polaca que vive con su madre en una pequeña granja de la isla de Wight, distrito unitario de Inglaterra. Apesadumbrada por la monotonía de su vida, Violet a veces canta en el bar donde trabaja de camarera aunque nadie le preste mucha atención. Cuando el programa televisivo Teen Spirit llegue a la isla para buscar nuevos talentos, Violet verá la oportunidad perfecta para demostrar de lo que es capaz con su voz.

Con tintes de videoclip llega a la cartelera un filme ideal para los jóvenes que aman la música pop. Canciones de Ellie Goulding, Sigrid, Tegan and Sara, Owl City y Robyn se hacen presentes en esta historia que explota de adrenalina cada vez que Elle Fanning se sube a un escenario. Ya sabíamos que Fanning es una de las mejores actrices de su generación, de lo que no estábamos enterados es de que la joven estadounidense también tiene dotes para el canto. Espléndida y natural, Elle es el motivo por el que la cinta da resultado.

Aunque su trasfondo familiar no tenga el desarrollo apropiado y algunas escenas (como la venta de un caballo) queden totalmente descolgadas, el personaje de Violet logra ser lo suficientemente fresco como para conectar con el espectador. Solitaria, callada y en su mundo, Violet nunca deja de ser auténtica por más que le cueste sacar al exterior sus verdaderas emociones. A su vez, es muy linda de ver la relación que construye la adolescente con el ex cantante de ópera Vlad (Zlatko Buric), el cual pasa a ser su mentor desde que la ve cantar en el bar.

La película cuenta con una fotografía oscura que combina las luces de neón violetas de una forma muy hipnótica. No obstante en cuanto al contenido de la trama se pueden notar varios clichés o giros en el guión bastante beneficiosos para que la protagonista continúe en carrera. Lo acertado pasa más por el lado de las decisiones que toma Violet cuando se aleja de su pueblo natal. El director no teme mostrar a una chica que se equivoca pero que, a la vez, aprende de sus errores y demuestra todo su potencial arriba del escenario.

Como un cuento de hadas moderno, Alcanzando Tu Sueño es tan pasatista como disfrutable. Quédense en los créditos ya que no solo hay más imágenes del futuro de Violet sino que pasan Wildflowers, una canción súper pegadiza escrita por Carly Rae Jepsen y Jack Antonoff.

Puntaje: 7

La crueldad del ser humano

High Life (2018) es una película de ciencia ficción y horror dirigida y co-escrita por Claire Denis, siendo ésta su primera incursión en el género. Coproducida entre Estados Unidos, Polonia, Alemania, Francia y Reino Unido, el filme cuenta con los protagónicos de Robert Pattinson (Crepúsculo, Good Time) y Juliette Binoche (Clouds of Sils Maria). Completan el reparto Mia Goth (La Cura Siniestra, Suspiria), André Benjamin, Agata Buzek, Claire Tran, Ewan Mitchell, Lars Eidinger, entre otros. La cinta recibió el premio FIPRESCI de la crítica internacional en el Festival de San Sebastián y se presentó en la Selección Oficial del Festival Internacional de Cine de Toronto.

La trama gira en torno a Monte (Robert Pattinson), un individuo que forma parte de una tripulación espacial de criminales que está liderada por la doctora Dibs (Juliette Binoche). La misión consiste en meterse dentro de un agujero negro para conseguir la energía necesaria que beneficiará al resto de la humanidad. No obstante, en esos largos meses dentro de la nave las personas serán usadas como conejillos de indias para la experimentación genética y la inseminación artificial.

Completamente rara, fuerte y turbia, High Life transmite la sensación de que se está viendo algo indebido, prohibido y sucio. A su vez, el filme consigue que el espectador bajo ningún término quiera apartar la mirada de la pantalla. Con una iluminación que realza los planos rojizos y azulados, la película crea una atmósfera claustrofóbica en la que hasta la situación más inimaginable puede llegar a darse.

Sin contar con demasiadas explicaciones de lo que va ocurriendo, a la nueva cinta de Claire Denis no se le puede negar su originalidad. Combinar un viaje intergaláctico con tópicos tales como la ciencia, la violencia, el placer, la soledad y la autodestrucción era una apuesta demasiado audaz. Es por eso que esta mezcla convertida en película resulta muy difícil de recomendar. No apta para el público general, ni siquiera los que disfruten de la ciencia ficción tradicional se sentirán satisfechos ya que esta propuesta se toma sus propios tiempos y no está estructurada en una narrativa lineal.

Con un guión que utiliza varios términos incómodos y perturbadores, la película cuenta con notables actuaciones a pesar de que nunca llegamos a conocer en profundidad a los personajes. Juliette Binoche es protagonista de una secuencia sexual que será muy difícil de olvidar y Robert Pattinson continúa demostrando lo buen actor que es luego de su pasado vampírico. Además, la actriz británica Mia Goth reafirma que los filmes de suspenso y terror son lo suyo.

Tan visceral como atrapante, High Life puede interpretarse de varias maneras. La paternidad, el rol de la mujer y el creerse lo suficientemente superior como para decidir por sobre otro ser humano se hacen presentes en esta película que, en especial, retrata la crueldad más salvaje que habita dentro nuestro.

Puntaje: 7,50

El amor en tiempos actuales

Amante Fiel (L'homme fidèle, 2018) es una comedia dramática francesa dirigida, co-escrita y protagonizada por Louis Garrel, hijo del célebre director Philippe Garrel y de la cineasta Brigitte Sy. Siendo éste su segundo largometraje, completan el reparto Laetitia Casta, Lily-Rose Depp (hija de Johnny Depp), Joseph Engel, Diane Courseille, Vladislav Galard, entre otros. La cinta obtuvo el Premio del Jurado a Mejor Guión en el Festival de Cine de San Sebastián y Lily-Rose Depp estuvo nominada en los Premios César como Mejor Actriz Revelación. Además, en el BAFICI de este año Garrel fue elegido como Mejor Director.

La historia gira en torno a cuatro personajes: el periodista Abel (Louis Garrel), Marianne (Laetitia Casta), Paul (no aparece en persona nunca) y Eve (Lily-Rose Depp), la hermana menor de este último. Abel y Marianne se conocen desde la universidad y mantienen una relación. Aunque las cosas parecen andar lo más bien, una mañana antes de salir a sus respectivos empleos Marianne decide confesarle a Abel que es amante de Paul  hace un año y que se encuentra embarazada de él. Sin poder emitir ni una palabra, Abel se queda solo. Nueve años después, la repentina muerte de Paul hará que, en el funeral, Abel y Marianne se reencuentren. A la vez, entrará en escena Eve, la cual desde chica está enamoradísima de Abel y allí ve la oportunidad perfecta para que el periodista se fije en ella.

Corta y sin rodeos, Amante Fiel (título bastante irónico) va al grano desde su primera escena, metiéndonos de lleno en una trama que se caracteriza por el amor desde una perspectiva no tan explorada. Con un estilo que recuerda a las películas de Woody Allen, se hace muy sencillo embarcarse en esta historia marcada por las relaciones liberales. Aunque en el filme cueste empatizar con los personajes, no se puede negar que tanto el guión como las actuaciones consiguen captar de inmediato la atención del espectador.

Entre enredos y más enredos, Garrel también se ocupa de introducir un halo de misterio alrededor de Joseph (Joseph Engel), hijo de Marianne que le asegura a Abel que su madre fue la que causó la muerte de Paul. Aunque en un principio esto genera desconcierto y dudas, pronto esta subtrama pasa a ser muy poco relevante. No obstante, el niño actor da una buena interpretación, en especial cuando expresa su miedo a que su madre le sea arrebatada por estar con un hombre.

Por otro lado, el personaje de Lily-Rose Depp es sumamente interesante. Eve más que enamorada de Abel está obsesionada desde su infancia, teniéndolo al nivel de un amor platónico. Desde el exterior, su accionar causa gracia y demuestra la locura que puede llegar a tener una persona cuando idealiza a otra. Además, la conclusión alrededor de Eve resulta bastante realista, dándonos a entender que la obstinación no siempre llega a buen puerto.

Con un desenlace que podría haber estado mejor armado, los 75 minutos de duración de Amante Fiel entretienen lo suficiente para hacernos pasar un buen rato en la sala de cine. Aunque no quede en el recuerdo, la cinta de Louis Garrel funciona en lo que se propone.

Puntaje: 7