Una vida plagada de sufrimiento

 “Blonde” (2022) es una película biográfica de ficción dirigida y escrita por Andrew Dominik. Basada en la novela homónima best seller de Joyce Carol Oates, publicada en el año 2000, la cinta está protagonizada por Ana de Armas. El reparto se completa con Julianne Nicholson, Xavier Samuel, Toby Huss, Adrien Brody, Bobby Cannavale, Caspar Phillipson, Lily Fisher, entre otros.  El film fue presentado en el pasado Festival Internacional de Cine de Venecia y ahora se encuentra disponible en la plataforma de Netflix.

 

La historia sigue la vida de Norma Jeane/Marilyn Monroe (Lily Fisher, luego Ana de Armas) desde su dura infancia con su inestable madre Gladys (Julianne Nicholson) hasta su muerte.

 

Por dónde empezar a hablar de “Blonde”, una biopic alejada por completo de los estándares, nada convencional y que, más que ser una biografía, se siente como un cuento terrorífico de un ícono de la cultura pop. Adentrarse en las dos horas y cuarenta y seis minutos que dura este filme implica estar dispuesto a una experiencia bastante desconcertante, en donde en muchos momentos no entenderemos cuál es el motivo del paso del color al blanco y negro o por qué el formato de imagen va cambiando, sin embargo queremos seguir siendo testigos de esta historia sumamente oscura, traumática y triste que toma rumbos inesperados.

 

Como ya se veía venir, Ana de Armas construyó el papel de su vida al ponerse en la piel de Marilyn Monroe. Su mirada y gestualidad consiguen que el espectador sufra con ella, por más que en varias oportunidades el guión no esté a su favor. Es decir, la película hubiera sido más sutil si hubiera sido dirigida y escrita por una mujer. La perspectiva masculina a la hora de decidir cómo mostrar ciertas escenas o qué es lo que tiene que decir la protagonista resulta palpable, generando situaciones muy incómodas de ver pero que a la vez dan muestra de cómo esta actriz fue vista solamente como un pedazo de carne, un producto de consumo para el hombre y la prensa.

No obstante, la dirección de Dominik toma riesgos que, junto a la fotografía de Chayse Irvin, crea un relato que al final te termina dejando agotado tanto por sus secuencias de pesadilla por cómo la cámara se posa en el dolor de la artista. Ana de Armas hipnotiza, su división de persona entre Norma Jeane y Marilyn Monroe es muy acertada, haciendo que por su actuación sea súper fácil reconocer cuando está siendo Norma y cuándo debe recurrir a Marilyn para el afuera.

Con un vestuario increíble y detalles puestos en diferentes momentos que nos ayudan a entender el estado mental de Norma Jeane, “Blonde” es un retrato ficticio duro de ver, controversial y que sin lugar a dudas despertará muchos detractores. Los traumas de la infancia, los repetitivos abusos y el maltrato tanto físico como psicológico están a la orden del día en este filme que no busca ser políticamente correcto.

 

Puntaje: 7

El miedo al futuro

 “Meet Cute” (2022) es una película de romance, drama y comedia con toques de ciencia ficción dirigida por Alex Lehmann y escrita por Noga Pnueli. Protagonizada por Kaley Cuoco y Pete Davidson, la cinta se estrenó en la plataforma estadounidense Peacock el 21 de septiembre.

 

La historia gira en torno a Sheila (Kaley Cuoco), una mujer que una noche en un bar se enamora de Gary (Pete Davidson) y se anima a invitarlo a tomar un trago. En el transcurso de la velada, Sheila le dice a Gary que ya vivió esa noche porque ella viajó con una máquina del tiempo al ayer. Gary decide seguirle el juego aunque Sheila parece saber lo que dirá Gary e insiste en que lo de los viajes en el tiempo es real. Enfocada en repetir una y otra vez la noche más feliz de su vida, Sheila pronto ideará otro plan para cambiar la personalidad de Gary.

 

Cuando le di play a “Meet Cute” pensé que me iba a encontrar con una típica historia cómica de viajes en el tiempo. Para mi sorpresa y agrado, la película toma otro rumbo más profundo que incluye temas como la depresión, los traumas de la infancia, las ideas de suicidio y el miedo a avanzar por las creencias de que lo que se viene no va a ser nada bueno. Kaley Cuoco compone a un personaje con el que nos es muy fácil empatizar desde el comienzo. Con el carisma y timing para los chistes que la caracterizan, Cuoco encarna a una Sheila insegura que rápidamente conecta con el Gary de Pete Davidson.

Las charlas entre estos personajes mientras cenan, compran cucuruchos al camión de helados y pasean por la ciudad de Nueva York nos recuerdan rápidamente a la trilogía “Before” de Richard Linklater (salvando las distancias). La química se palpa tanto en esas conversaciones donde los dos se animan a mostrarse tal cual son como también en las miradas y los tan significativos abrazos.

Aparte de que la película deja en claro que si se cambian o suprimen aspectos del pasado de una persona, esa persona puede llegar a transformarse en un completo opuesto, lo que más se destaca en “Meet Cute” es su afirmación de que está bien que la vida a veces sea complicada. La incertidumbre hacia el futuro puede generar mucha ansiedad y ganas de querer controlarlo todo como le sucede a Sheila, sin embargo el animarse a dar un paso adelante para experimentar cosas nuevas resulta clave. Los momentos de mayor felicidad dejan de ser tan especiales cuando se viven una y otra vez, y está en cada uno el creer que lo que está por venir también puede ser maravilloso.

Siempre los viajes en el tiempo llegan a ser de lógica cuestionable, en “Meet Cute” no es la excepción pero de igual forma esta película de corta duración se disfruta de principio a fin. Sin dudas la volvería a ver.

Puntaje: 7

La delgada línea entre la amabilidad y la inteligencia

 Bjørn (Morten Burian) y Louise (Sidsel Siem Koch) son padres daneses de la pequeña Agnes (Liva Forsberg) y deciden pasar unas vacaciones en la Toscana italiana. Allí conocen a una pareja holandesa compuesta por Patrick (Fedja van Huêt) y Karin (Karina Smulders), padres del callado y tímido Abel (Marius Damslev). No tardan en pegar buena onda por lo que, un tiempo después, de nuevo en su hogar en Dinamarca, Bjørn y Louise reciben una carta de los holandeses invitándolos a pasar un fin de semana en su casa campestre. Cansado de la rutina y con ganas de hacer algo diferente, a Bjørn le entusiasma la idea mucho más que a Louise. Pensando en que nada malo puede ocurrir, los daneses emprenden el viaje en auto hacia allí. Lo que no saben es que ese fin de semana será de todo menos placentero.

 

De esto se trata el thriller psicológico de horror danés llamado “Speak No Evil” (Gæsterne, 2022), un filme dirigido por Christian Tafdrup, el cual también se encargó del guión junto a su hermano Mads Tafdrup. “Los Invitados”, título original del filme, no es de esas películas de terror a la que recurrimos para pasar el rato entretenidos pegándonos algún que otro susto. Nada más alejado que eso. No apta para personas impresionables, “Speak No Evil” es de esas cintas que saben construir una atmósfera enrarecida, que se cuece a fuego lento llena de detalles que tanto a la pareja protagonista como al espectador ponen en un estado de incomodidad sucesivo. La seguridad y confianza de casa deja de estar presente en este hogar holandés, donde se manejan con otras reglas que a uno lo dejan completamente impactado y desprotegido.

 

Sin revelar aspectos de la trama, la cinta cuenta con una buena dirección, fotografía y actuaciones. Con respecto al guión, en varias ocasiones sucede que los personajes accionan de una forma que, de estar en su lugar, nosotros no lo haríamos. No obstante, la película es un claro reflejo de cómo el humano actúa ante los demás, queriendo ser respetuoso, alegre y amable pero muchas veces dejándose pasar por encima, aceptando las disculpas del otro y considerando que todos los demás también son buenos. Alrededor de esto hay una frase que dice Patrick en el último acto del filme que resume muy bien de qué va esta historia tan siniestra.

Perturbadora, oscura y violenta, “Speak No Evil” tiene un desenlace lleno de crueldad que incluso para el más valiente se hará difícil de ver. Como “Funny Games” (2007), este largometraje es de esos que con verlos una sola vez ya es más que suficiente.

 

Puntaje: 8

La complejidad en las relaciones humanas

“Conversaciones entre Amigos” (Conversations with Friends, 2022) es una miniserie de doce episodios de aproximadamente media hora cada uno. Basada en la novela debut y homónima de la autora irlandesa Sally Rooney, y con el mismo equipo que ya nos había traído “Normal People” (2020), el reparto está compuesto por la debutante Alison Oliver, Sasha Lane, Joe Alwyn, Jemima Kirke, Alex Murphy, Tommy Tiernan, Justine Mitchell, Kerry Fox, entre otros. La miniserie se encuentra disponible en la plataforma de Star+.

 

Ambientada en Dublín, la historia gira en torno a Frances (Alison Oliver), una joven bisexual de 21 años que estudia literatura y es amiga de su ex novia Bobbi (Sasha Lane). Una noche, luego de recitar sus poemas en un pub, Frances y Bobbi entablan conversación con Melissa (Jemima Kirke), una escritora que no tardará en presentarles a su marido Nick (Joe Alwyn), que es actor. Mientras que Bobbi siente atracción por Melissa, Frances se enamorará de Nick, lo que dará paso a preguntarnos si una persona puede amar a dos personas a la vez y las consecuencias que esto conlleva.

 

Como ya habíamos visto en “Normal People”, los personajes creados por Sally Rooney no son los típicos que podemos encontrar en cualquier otra película o serie. Nunca vamos a estar de acuerdo con todo lo que hacen, los vamos a ver en sus peores momentos, en soledad y plena vulnerabilidad, equivocándose o teniendo conductas poco sanas, y es en esa humanidad reflejada con tanta honestidad que no podemos apartar la vista de su recorrido. Lo mismo sucede aquí con Frances, una chica sumamente callada e introvertida, que reprime sus emociones y que por el momento solo había conocido el amor en la escuela, cuando estuvo con Bobbi. El conocer al apuesto y también bastante reservado Nick Conway sumirá a Frances en un viaje de autodescubrimiento, placer pero también mucho sufrimiento.

 

La falta de comunicación, familias disfuncionales, lo complicadas que son las relaciones poliamorosas, el egoísmo, los secretos, la depresión y la dificultad de expresar lo que se está pensando son algunos de los aspectos que hacen que queramos ver un episodio detrás de otro de esta miniserie. Otro punto a favor recae en las actuaciones, las cuales se sienten muy naturales gracias también a un guión que no le tiene miedo a mantener los silencios, las miradas, las caminatas, la preparación de un café o una simple pero importante conversación por WhatsApp.

Con una fotografía más fría cuando nos ubicamos en Irlanda y una más veraniega cuando estamos en Croacia, “Conversaciones entre Amigos” se destaca por ser honesta y sensible, logrando que lo que acabamos de ver se quede con uno mucho después de terminarla. Teniendo claro que el humano no es blanco ni negro, sino un conjunto de grises, la miniserie es una bocanada de aire fresco entre tantas producciones audiovisuales por ver.

 

Puntaje: 9

Ten cuidado en donde alquilas

 “Bárbaro” (Barbarian, 2022) es una película de suspenso y horror dirigida y escrita por Zach Cregger. Protagonizada por Georgina Campbell, el reparto se completa con Bill Skarsgård, Justin Long, Richard Brake, Jaymes Butler, entre otros. Se encuentra disponible en cines.

 

La historia gira en torno a Tess (Georgina Campbell), una mujer que viaja de noche a la ciudad de Detroit ya que al día siguiente tendrá una entrevista de trabajo. Tess alquila por la plataforma de Airbnb una casa que, para su sorpresa, al llegar allí se da cuenta que ésta ya está ocupada. Keith (Bill Skarsgård), el que está en ese hogar, la invita a pasar y quedarse para solucionar ese malentendido por la mañana. Sin embargo, cosas mucho más raras ocurren en ese lugar.

 

Estamos ante una de las películas de terror del año, una de la que es mejor saber poco y nada para sorprenderse a pleno dentro del cine. Con un tráiler bien armado ya que no revela hechos importantes de la trama, “Bárbaro” es de esos pocos filmes que logran ser atrapantes desde su comienzo hasta su final, tanto es así que el tiempo se pasa volando porque se consigue que el espectador esté híper sumergido en lo que está viendo. Aquí el miedo es completamente real y palpable, los sustos no están generados de forma fácil ya que se nota un especial cuidado tanto en la dirección como en el sonido, siendo este último fundamental para la creación de una atmósfera horripilante. Va a haber varios momentos en los que vas a saltar de la butaca, en los que vas a hacerte un bollito y llevarte las manos a la cara; así también desde el guión y la actuación de un personaje en particular vas a reír, con escenas que están puestas en el lugar ideal para descontracturar el temor que acabás de experimentar.

Los giros narrativos son otro de los aspectos positivos de la película. Cuando uno cree que la historia va a ir para una dirección, el guión se encarga de dar el volantazo. Cuando creemos que cierto personaje va a actuar de cierta manera, pasa todo lo contrario. Además, el buen uso de la iluminación es clave para la construcción de un suspenso que se sostiene a más no poder.

Sin nada más que agregar para no spoilear, “Bárbaro” resulta un viaje salvaje, espeluznante y original que sin duda será apreciado por los amantes del género. Aunque algún que otro detalle queda poco claro, vaya que el director y guionista sabe ponernos los pelos de punta, más aún si se es mujer.

 

Puntaje: 8

Un misterio a esclarecer

 “Un Crimen Argentino” (2022) es un thriller político argentino basado en hechos reales que está dirigido por Lucas Combina, siendo ésta su ópera prima. Basado en la novela homónima de Reynaldo Sietecase, el filme está coescrito por Jorge Bechara, Matías Bertilotti y Sebastián Pivotto. El reparto está compuesto por Matías Mayer, Nicolás Francella, Luis Luque, Malena Sánchez, Darío Grandinetti, Alberto Ajaka, Rita Cortese, César Bordón, entre otros. La película se encuentra disponible en cines y más adelante entrará al catálogo de HBO Max.

                    

Ambientada en la ciudad de Rosario, Santa Fe, en diciembre de 1980, la historia gira en torno a la desaparición del empresario Gabriel Samid, un hombre mujeriego de 42 años que era habitué de clubes nocturnos y formaba parte de una familia con mucho poder económico. El juez de instrucción Jorge Neldo Suárez (Luis Luque) le encarga el caso a sus dos jóvenes secretarios: el peronista Carlos Torres (Matías Mayer) y el radical Antonio González Rivas (Nicolás Francella), el cual mantiene una relación secreta con su compañera de trabajo María (Malena Sánchez) y está próximo a irse a España. Bajo la dictadura militar, los secretarios deberán tratar de resolver el caso cuanto antes a pesar de todas las trabas impuestas por el policía Cerbera (Alberto Ajaka), un militar con métodos sumamente opuestos a los suyos.

 

Una investigación en una época terrible de nuestro país, donde se vivía con miedo, siendo vigilado y con la violencia a la orden del día. “Un Crimen Argentino” se enfoca en contar un caso conocido en Santa Fe pero muy poco escuchado fuera de allí. Con una recreación de época y fotografía sumamente convincentes, el largometraje arranca de una forma en la que al espectador le cuesta entrar en tema, en especial porque no se nos da mucha información sobre los personajes al punto de que ni siquiera llegamos a recordar sus nombres. La estructura narrativa tampoco se siente acertada: el filme está dividido en los diferentes días de diciembre que duró la investigación, sin embargo éste es un recurso que de no estar, la trama se entendería igual.

Con respecto a las actuaciones, se destaca Matías Mayer como Carlos Torres, un personaje al que le dieron más material con el que trabajar que a Nicolás Francella, que igualmente está correcto. Torres no pierde oportunidad para demostrar el repudio que siente hacia el accionar del militar Cerbera, un Alberto Ajaka que, aunque a veces en gestualidad llega a sentirse exagerado, logra transmitir temor por su ego y el nulo respeto hacia los demás. Además, las interpretaciones de Luis Luque, Rita Cortese y Darío Grandinetti están a la altura, siendo el personaje de este último el que consigue que la segunda mitad de la película se sienta mucho más interesante que la primera.

En cuanto al desaparecido, me hubiese gustado que el director sea más inventivo a la hora de mostrarnos quién era él. Las imágenes de este personaje son escasas y lo poco que vamos a conocer de ese hombre es a través del guión. Aunque a Gabriel Samid se lo describe como un tiro al aire que iba de joda en joda, unos flashbacks mejor diseñados sobre su vida hubiesen quedado mejor para tener su rostro más presente.

Con dichos y situaciones graciosas que funcionan muy bien para descontracturar el clima opresivo que se vivía en ese entonces, “Un Crimen Argentino” deja satisfecho al espectador por hechos inesperados que ocurren ya adentrada la trama. Cuidada producción que nos deja pensando lo mismo que se expresa en su póster: ¿sin cuerpo no hay delito?

 

Puntaje: 7

El mal milagro

 “¡Nop!” (Nope, 2022) es una película de suspenso y ciencia ficción con toques de comedia y western dirigida, escrita y producida por Jordan Peele, siendo éste su tercer largometraje luego de la aclamada “¡Huye!” (Get Out, 2017) y la misteriosa “Nosotros” (Us, 2019). Como en su primera película, el actor Daniel Kaluuya vuelve a ser el protagonista. Lo acompañan Keke Palmer, Steven Yeun (“Minari”), Brandon Perea, Michael Wincott, Keith David, entre otros. El filme se encuentra disponible en cines.

 

La historia gira en torno a los hermanos OJ (Daniel Kaluuya) y Em (Keke Palmer) Haywood, los cuales deberán ocuparse del rancho familiar una vez que su padre muere de forma extraña y repentina. OJ es entrenador de caballos que son utilizados para aparecer en películas, series y comerciales, sin embargo el negocio anda cada vez peor por lo que la situación económica de los Haywood está complicada. Al percibir que algo raro ocurre en el cielo, OJ tendrá un nuevo objetivo: captar mediante cámaras lo que ocurre para lograr reconocimiento, dinero y fama.

 

Estamos ante la película más ambiciosa y desatada de Jordan Peele, una en la que se nota que el presupuesto fue mucho más grande y que toma inspiración de grandes directores como lo son Steven Spielberg y M. Night Shyamalan. Al contrario de sus otros dos filmes, ésta no es una historia donde el foco esté puesto en los personajes sino que se le da más importancia a lo desconocido que habita en los cielos. Esto en particular no me convenció del todo, ya que deseaba conocer más sobre los personajes pero el guión no ayuda a que podamos conectar con ellos. Por otro lado, el ritmo de la película flaquea, llegando a que las dos horas y diez minutos de duración se sientan.

No obstante, lo bueno de esta producción es que puede llegar a ser disfrutable tanto para los que buscan una película pochoclera, con una amenaza desconocida en el cielo, como para los que quieren ir más allá y hacer sus propias interpretaciones sobre lo que acabaron de ver. Simbolismos, críticas y referencias hay muchos, y lo interesante es que el director no subestima al espectador, no nos lo da todo masticado para que lo entendamos de una, más bien planta la semilla para que nosotros nos quedemos pensando y estableciendo relaciones.

En especial, la película nos habla sobre la búsqueda del ser humano por ser validado ante los demás a partir de una situación externa a él. A OJ no se le pasa por la cabeza escapar del rancho por lo que acaba de presenciar, sino que desde el primer momento busca documentar el hecho para que la sociedad finalmente lo valore. Esto se puede conectar con nuestra actualidad, en donde a través de las redes sociales vivimos fotografiando o haciendo videos sobre lo “real” y “lindo” de nuestra vida, para que la mirada del otro sea puesta sobre nosotros y no nos sintamos invisibles. Consumimos sin parar espectáculo tras espectáculo, película tras película, para luego en pocos días desecharla de nuestro cerebro con el afán de dar espacio a más contenido. La entidad del cielo puede ser vista como esto: un ser vivo que consume de forma voraz, expulsa lo que no le sirve y vuelve a ir por más.

 

Por otro lado, también veremos un hecho traumático que le ocurrió a un personaje secundario llamado Jupe (Steven Yeun) que, aunque en un principio puede parecer descolgado, está muy relacionado con el mensaje del filme y la frase inicial que se muestra al inicio de éste. Además, hay una comparación entre las cámaras para filmar de antaño y los aparatos electrónicos que se utilizan ahora, lo que gustará mucho a los que les agrada ver el detrás de escenas de un contenido audiovisual.

Asimismo, acercándonos al último acto, el cual es donde Peele más desatado está en darnos un buen espectáculo, podemos ver un llamado de atención a la prensa amarillista o en general al periodismo, que hace lo que sea por conseguir el video inédito que llevará a generar una gran cantidad de me gusta y comentarios, haciendo que la cámara sea más importante que la propia integridad física. También se pone foco en cómo el humano esconde muy dentro de sí su trauma personal, transformándolo en un producto con el que es posible beneficiarse económicamente.

Por último, aunque hay muchísimos tópicos más por analizar, “¡Nop!” pone sobre la mesa el ego humano. Tanto OJ como Jupe creen firmemente que pueden domesticar a lo que deambula en los cielos, por más que ni siquiera lo conozcan. Esa creencia de que somos superiores a todo lo demás impacta y nos deja reflexionando alrededor de lo efímeros que en realidad somos.

Con una fotografía excelente por parte de Hoyte van Hoytema, reconocido por sus colaboraciones con Christopher Nolan, “¡Nop!” en su conjunto no me parece que supere a los dos filmes anteriores del director, sin embargo lo que sí consigue es dar pie al debate luego de salir de verla, intercambio de opiniones que se sigue dando los días siguientes porque siempre se le puede encontrar algo nuevo. Reinventando el concepto del ente volador, Jordan Peele continúa demostrando que se le da bien la mezcla de géneros.

 

Puntaje: 7