La superación de las adversidades

Rocketman (2019) es una película biográfica musical basada en la vida del músico inglés Elton John, siendo él uno de los productores ejecutivos del filme. Dirigida por Dexter Fletcher y escrita por Lee Hall, la cinta está protagonizada por Taron Egerton (Testamento de Juventud, Kingsman). El reparto se completa con Jamie Bell (Las Estrellas de Cine Nunca Mueren), Bryce Dallas Howard (La Aldea, Jurassic World), Richard Madden (Cinderella), Celinde Schoenmaker, Gemma Jones, Matthew Illesley, Steven Mackintosh, Charlie Rowe, entre otros. 

Desde pequeño, a Reginald Kenneth Dwight (Matthew Illesley) le interesó la música, en especial tocar el piano. A pesar de contar con un padre que casi ni le prestaba atención y una madre que no creía en su talento, Reggie va a probar suerte a la Real Academia de Música ubicada en Londres, todo gracias a la confianza que tenía en él su abuela Ivy (Gemma Jones). Con el transcurso del tiempo, Elton (Taron Egerton) conocerá al compositor Bernie Taupin (Jamie Bell), el cual se convertirá en su gran amigo, tendrá su enérgica presentación debut en el club nocturno californiano The Troubadour y descubrirá su homosexualidad. Además, Elton caerá en el abuso de drogas e intentará suicidarse al perder completamente el rumbo.

Luego de darle la voz al gorila Johnny y cantar I’m Still Standing en la película animada Sing: ¡Ven y Canta! (Sing, 2016), Taron Egerton conoció a Elton John en el set de rodaje de Kingsman: El Círculo Dorado (Kingsman: The Golden Circle, 2017). Ahora, Taron es Elton John y de todas las buenas decisiones que se tomaron en Rocketman, ésta se alza como la mejor. Egerton no solo interpreta a Elton de una forma magistral tanto desde sus movimientos como desde lo gestual, sino que también el actor de 29 años canta maravillosamente todas las canciones del filme, logrando que éste rol esté a otro nivel dentro de su carrera.

Por otro lado, el guión no se priva de nada ya que es súper realista y nos muestra las duras situaciones que atravesó Elton tanto en su infancia como en su juventud, todo desde una estructura narrativa no lineal que tiene muchísimo sentido y resulta muy satisfactoria. Aunque el músico a veces no se haya comportado correctamente, de igual manera la empatía con Elton se mantiene gracias a que como espectador nos es muy fácil ponernos en su lugar y comprender qué pasaba por su mente en esos momentos. Además, la cinta no tiene miedo de su género: es un musical al 100% en donde las letras de las canciones de Elton encajan a la perfección para cada conflicto personal que vivió el cantante.

Párrafo aparte para el diseño de vestuario a cargo de Julian Day. Aproximadamente 50 fueron los trajes que se hicieron para el filme, sumados a la gran variedad de anteojos extravagantes. Los colores fuertes, los brillos y las plumas eran indispensables para esta producción y cada atuendo se ve mejor que el anterior, por lo que sería una injusticia que la película no se lleve una nominación al Óscar en esta categoría. Por otra parte, el maquillaje de Bryce Dallas Howard está muy bien utilizado, haciéndola ver avejentada sin que luzca artificial.

En conclusión, poco y nada hay para reprocharle a Rocketman, una película que nos permite vivir la fantasía de Elton John en su máximo esplendor, con sus altibajos y subidas de adrenalina. Arriesgada, dura y emocionante, la cinta de Dexter Fletcher está hecha para ser disfrutada una y otra vez y recordar que, de las situaciones difíciles, siempre se puede salir adelante.

Puntaje: 9

Restaurar el equilibrio

Godzilla 2: El Rey de los Monstruos (Godzilla II: King of the Monsters, 2019) es una película de ciencia ficción y aventuras dirigida por Michael Dougherty, que también se ocupó del guión junto a Zach Shields. Secuela del filme Godzilla, estrenado en 2014, esta película conforma la tercera producción dentro de la franquicia de Legendary Entertainment denominada MonsterVerse ya que, gracias a la escena post crédito de Kong: La Isla Calavera (Kong: Skull Island, 2017) nos dimos cuenta que ésta también forma parte del universo de monstruos de Warner Bros. En esta oportunidad los protagonistas cambian y parte del reparto incluye a Vera Farmiga (El Conjuro, 8 Minutos Antes de Morir), Millie Bobby Brown (Stranger Things), Kyle Chandler (Noche de Juegos), Charles Dance (Tywin Lannister en Juego de Tronos), Ziyi Zhang, entre otros. Ken Watanabe y Sally Hawkins vuelven a repetir sus respectivos roles.

La historia gira en torno a Emma (Vera Farmiga), científica que forma parte de la organización Monarca. Junto a su marido Mark (Kyle Chandler), ella creó el ORCA, una máquina que gracias a sus ondas bioacústicas permite controlar a los diversos titanes esparcidos por el mundo. En la actualidad, Emma está separada de Mark ya que los dos quedaron muy afectados por la muerte de su pequeño Andrew en el ataque de San Francisco. Madison (Millie Bobby Brown), la otra hija que comparten, vive con su madre pero continúa teniendo una buena relación con su padre a pesar de lo poco que lo ve. Cuando Emma y Maddie son secuestradas por el ecoterrorista Alan Jonah (Charles Dance), Mark y su equipo harán lo que sea para salvarlas. Sin embargo, las intenciones de Emma son inimaginables para su ex esposo.

Como se puede ver por los pósters promocionales, las diferentes especies de kaijus abundan en este filme. La polilla Mothra, el pájaro Rodan que expulsa fuego y el imponente líder dragón de tres cabezas Ghidorah son solo algunos de los monstruos que despiertan y se convierten en una temible amenaza para la civilización. Es por eso que la cinta está colmada de escenas de acción, tantas que llegan a cansar e incluso molestar por el inagotable sonido que emiten los kaijus.

Aparte de que la primera entrega de Godzilla lograba brindar un producto entretenido, la trama de los personajes humanos llegaba a importarnos. En este caso no sucede lo mismo y, aunque el debate de si los Titanes pueden coexistir con los humanos logra ser interesante, el guión falla en la ridiculez de sus giros. El arco narrativo del personaje de Vera Farmiga está mal planteado, por lo que no se llega a comprender las brutales decisiones que toma teniendo en cuenta que sigue dolida por la pérdida de un hijo.

Con respecto a la fotografía, ésta da gusto de ver gracias a los tonos celestes eléctricos combinados con la oscuridad y destrucción. No obstante, el argumento aburre llegando a la conclusión de que aquí no existe un buen balance entre las escenas habladas y las peleas entre monstruos.

Godzilla 2: El Rey de los Monstruos solo funcionará para aquellos a los que no les importe mucho la historia y solo quieran ver enfrentamientos entre titanes. Para los demás, hay otras opciones mucho mejores en cartelera.

Puntaje: 5

El duro camino de la vida

El Árbol de Peras Silvestre (Ahlat Agaci, 2018) es un drama familiar dirigido y co-escrito por Nuri Bilge Ceylan (Tres Monos, Sueño de Invierno). Coproducido entre Turquía, Macedonia, Francia, Alemania, Bosnia y Herzegovina, Bulgaria y Suecia, el rol protagónico es interpretado por Dogu Demirkol. El reparto se completa con Murat Cemcir,  Hazar Ergüçlü,  Bennu Yildirimlar,  Serkan Keskin, entre otros. La película estuvo en competencia en la sección oficial largometrajes a concurso del Festival de Cannes.

La historia se centra en Sinan (Dogu Demirkol), un joven que vuelve a su pueblo natal turco luego de graduarse en la universidad. Cuando llega allí se da cuenta que su familia no anda bien ya que su padre Idris (Murat Cemcir) se metió en el negocio de las apuestas y las deudas cada vez son mayores. Sinan se reencontrará con su antiguo amor Hatice (Hazar Ergüçlü), que ahora recoge frutos en el campo y está comprometida con un joyero, charlará con sus amigos de la infancia y tratará de obtener fondos del alcalde para publicar su primer libro. Además, dará un examen para convertirse en maestro de primaria. Sin embargo, el joven con grandes aspiraciones se irá dando cuenta que triunfar en lo que le apasiona no es para nada sencillo y que en una comunidad chica las oportunidades van en decadencia.

Con una extensa duración de tres horas y ocho minutos, Nuri Bilge Ceylan nos muestra el lado pesimista y negativo de la vida en contraposición con una exquisita fotografía de la naturaleza a cargo de Gökhan Tiryaki. Paisajes nevados, pájaros, bruscas olas, caminos de tierra y el movimiento tranquilizador de las hojas y arbustos a causa del viento hacen que visualmente la cinta sea muy bella.

Con respecto al metraje, inevitablemente El Árbol de Peras Silvestre se vuelve aburrida, pesada y soporífera en más de una ocasión. Esto sucede debido a que el filme carece de ritmo y está lleno de charlas filosóficas que parecen nunca acabar. Por más que varias sean interesantes y hagan reflexionar, llega un punto en el que parece que el diálogo durará para siempre y uno termina perdiendo el hilo de la conversación. Teniendo en cuenta lo que se quiere contar (que es muy simple), se llega a la conclusión de que muchas subtramas que no aportan nada importante podrían haberse suprimido y el resultado sería más satisfactorio al no jugar tanto con la paciencia del espectador.

La película contiene variadas escenas en silencio donde se lo ve al solitario protagonista caminando por su lugar de origen, lo que permite contemplar la belleza del pueblo. Además, el director turco incluye escenas de sueños que parecen reales o simbolismos que quedan en la cabeza del espectador mucho después de que los créditos acaban.

El Árbol de Peras Silvestre definitivamente no es una cinta para cualquiera. Los tópicos que toca tales como la relación padre e hijo, la importancia de las ventas, lo difícil que es concretar los sueños, las pocas posibilidades de trabajo en una comunidad chica o el sentimiento de desperdicio constante con respecto a tu propia vida hacen que, a pesar de que sea una película muy lenta y cansadora, también sea toda una experiencia moral su visionado.

Puntaje: 6,50

La venganza será terrible

Ma (2019) es una película de thriller psicológico dirigida por Tate Taylor y escrita por Scotty Landes. Producida por Jason Blum, la cinta está protagonizada por Octavia Spencer (Historias Cruzadas, La Forma del Agua). El reparto se completa con Diana Silvers, McKaley Miller, Dante Brown, Gianni Paolo, Corey Fogelmanis, Juliette Lewis (Agosto, Nerve), Luke Evans (La Bella y la Bestia), Tanyell Waivers, Missi Pyle, entre otros, Allison Janney (Yo Soy Tonya), entre otros.

La adolescente Maggie (Diana Silvers) y su madre Erica (Juliette Lewis) se mudaron hace unos pocos días a uno de los pueblos ubicados en Ohio, lugar donde Erica cursó la secundaria. Allí, Maggie rápidamente se hace amiga de Haley (McKaley Miller), Andy (Corey Fogelmanis), Chaz (Gianni Paolo) y Darrell (Dante Brown). Con la intención de hacer una fiesta en la noche, el grupo se estaciona frente a un almacén y busca a un adulto que pase por la calle y los ayude a comprar el alcohol ya que ellos aún no tienen la mayoría de edad. La veterinaria Sue Ann (Octavia Spencer) acepta el dinero y compra lo que los chicos desean, no sin antes proponerles el piso de abajo de su casa como espacio para reunirse y beber. Los chicos aceptan, contentos de haber encontrado un lugar para poder divertirse sin que la policía los descubra; sin embargo, a medida que pasa el tiempo, las actitudes de Sue Ann se volverán cada vez más extrañas.

Estamos ante una historia que desde el comienzo sabe cómo captar la atención del espectador con estos cinco jóvenes a los que solo les importa pasarla bien en las noches. No obstante, la que se roba la película indiscutiblemente es Octavia Spencer, la cual interpreta un papel muy diferente a todo lo que hizo en el pasado. Sue Ann es un personaje interesante ya que, debido a situaciones que le sucedieron en la adolescencia, decidió tomar un camino oscuro marcado por el trauma que le quedó al ser burlada y humillada. De esta manera, Sue Ann tiene varias facetas, logrando empatía a través de los flashbacks como también generando un miedo tremendo por cómo esta persona canalizó lo que sufrió en su juventud.

La cinta hace hincapié en tópicos importantes como lo son el bullying y los problemas raciales; sin embargo desde cierto hecho que realiza la protagonista, el cual está cargado de humor negro, a la historia se la deja de tomar en serio por más que el último acto continúa funcionando en la línea de incomodar y generar impacto en el espectador. Con respecto a los jóvenes del relato, éstos no cuentan con mucho desarrollo pero de igual manera la atmósfera de tensión creada hace que nos preocupemos por su bienestar.

Ma resulta una grata sorpresa ya que, aparte de asustar, nos deja reflexionando sobre cómo lo que hacemos puede repercutir de forma negativa en la otra persona. Con solo una mirada, Octavia hace que Sue Ann sea muy temible y desde esta película va a ser imposible verla de la misma forma.

Puntaje: 7

El ladrón y la princesa

Aladdín (Aladdin, 2019) es una película cómica, musical y de aventuras dirigida y co-escrita por Guy Ritchie (Sherlock Holmes, El Rey Arturo). El filme funciona como una remake live action del clásico homónimo de Disney estrenado en 1992, el cual estaba basado en el cuento árabe Aladino de la colección Las Mil y Una Noches. Protagonizada por el canadiense Mena Massoud, el reparto se completa con Will Smith, Naomi Scott (Power Rangers), Marwan Kenzari, Nasim Pedrad, Navid Negahban, Numan Acar, entre otros.

En la ciudad de Agrabah, Aladdín (Mena Massoud) se las ingenia para robar alimentos del mercado junto a su compañero mono Abú. Debido a un altercado entre el dueño de un negocio y una mujer encapuchada que agarró pan para dárselo a dos niños pobres, Aladdín no pierde tiempo y decide ayudar a la joven para que escape del problema. Lo que Aladdín no sabe es que esa chica es la princesa Jasmín (Naomi Scott), la cual decidió escaparse ya que dentro del palacio se encuentra aprisionada con la numerosa presentación de pretendientes príncipes. Una vez que Aladdín descubre la verdadera identidad de la señorita, él se da cuenta que nunca podría estar con ella debido a su condición social. De esta manera, el chico callejero será manipulado por Jafar (Marwan Kenzari), consejero del padre de Jasmín, para ingresar a la Cueva de las Maravillas y obtener una lámpara mágica que lo ayudará a ganarse el amor de la princesa. No obstante, las intenciones de Jafar no son lo que aparentan y la traición está a la vuelta de la esquina.

Hay películas de Disney que no deberían ser convertidas en live action porque simplemente con la versión original ya estábamos satisfechos. Aladdín no necesitaba ser adaptada otra vez, en especial porque la historia tiene elementos que solo funcionan en el ámbito de la animación. Como ya se podía prever por los tráilers y clips que salieron antes del estreno, en esta versión la magia brilla por su ausencia.

Con escenarios que lucen completamente falsos, números musicales ultra forzados y un vestuario que no convence, los protagonistas no tienen ni un ápice de química entre sí. El guión pretende ser cómico pero en ningún momento lo consigue, en especial porque más que creernos esta versión del Genio, lo que no podemos evitar es pensar que Will Smith está haciendo de sí mismo. Por otro lado, el factor slow motion característico de Guy Richie aquí da vergüenza ajena y el guión está muy mal estructurado, principalmente con respecto al personaje de Jafar.

Aunque el mayor cambio con respecto a la versión original consiste en que en esta producción se agrega un personaje nuevo llamado Dalia (Nasim Pedrad), confidente de la princesa, lo demás no logra atrapar al espectador en ningún momento y el filme termina siendo visto por inercia. Al no dar buenas actuaciones y no tener un guión acorde, los personajes no podrían importarnos menos. La ingenuidad y ternura del padre de Jasmín directamente acá no están presentes y el mensaje sobre la importancia de la libertad no está bien transmitido.

Aladdín se posiciona fácilmente como el peor live action que hizo Disney hasta la fecha. Sin hacerle justicia a la versión original y con efectos que dejan mucho que desear, la adaptación de Guy Ritchie está destinada al olvido.

Puntaje: 3,50

Reglas y consecuencias

John Wick 3: Parabellum (John Wick: Chapter 3 – Parabellum, 2019) es una película de acción dirigida por Chad Stahelski y co-escrita por Derek Kolstad, Shay Hatten, Chris Collins y Marc Abrams. El filme constituye la tercera entrega dentro de la franquicia John Wick, que tuvo su primera producción en 2014 y la segunda parte en 2017. Keanu Reeves vuelve a ponerse en la piel del protagonista así como retornan los personajes interpretados por Ian McShane, Laurence Fishburne, Lance Reddick y Margaret Daly. A su vez se agregan nuevas caras tales como Halle Berry, Mark Dacascos, Asia Kate Dillon, Anjelica Huston, Jerome Flynn (Bronn en Juego de Tronos), entre otros.

Al romper las reglas del hotel Continental en el final de la segunda entrega, John Wick (Keanu Reeves) queda excomunicado y en pocos minutos el contrato de catorce millones por su cabeza se activará. Junto a su perro, John correrá por las calles de Manhattan y deberá rebuscárselas para seguir con vida.

Desde el 2014, las películas de John Wick llegaron para imponerse dentro del género de acción. Ya sea por la exquisita estética planteada, las innovadoras coreografías, la manera de filmar las peleas, la edición de sonido o la construcción del personaje protagónico, interpretado por un Keanu Reeves al que el papel le queda pintado, las producciones de Chad Stahelski supieron cómo meterse en la cultura popular con su gran dosis de violencia. Increíblemente, en esta ocasión las secuencias de peleas logran estar un escalón más arriba que las antecesoras, lo que hace que Parabellum sea un atractivo y pleno entretenimiento en la mayoría de su metraje.

En esta ocasión, Jonathan llegó al punto en el que no puede confiar en nadie y absolutamente todos los individuos de la ciudad resultan una amenaza. La primera hora del filme se alza como lo mejor de la cinta ya que desde el comienzo a John no le es seguro detenerse en ningún lado, por lo que como espectador también sentimos el peligro que lo acecha a cada paso. Los diferentes escenarios en los que se desarrolla la acción, así como los elementos que utiliza Wick para pelear, ayudan a que sea imposible apartar la mirada de la pantalla. Cuchillazos, todo tipo de armas, libros (sí, John es letal hasta en una biblioteca), perros obedientes y hasta caballos se hacen presentes en una tercera parte llena de adrenalina.

En cuanto a los nuevos personajes, se destacan Asia Kate Dillon en el papel de la adjudicadora, una firme mujer de la Orden Suprema que viene a poner orden en el Continental y Halle Berry como Sofía, manager del hotel de asesinos ubicado en Marruecos. A pesar de que esta última tiene poco tiempo en pantalla, su personaje logra ser lo suficientemente interesante para que en el futuro se lo pueda explorar con mayor profundidad.

Sin embargo, no todo es perfecto ya que en esta tercera parte el desenlace se vuelve inverosímil teniendo en cuenta los parámetros que plantea el filme con respecto al mundo de los sicarios. A su vez, sobre el último acto una pelea en particular está alargada innecesariamente.

John Wick 3: Parabellum se alza como un festín para los fanáticos del género, uno que deja sin respiro y también impresiona en varias ocasiones. Admirable cómo Keanu Reeves a sus 54 años aún sigue dando lo mejor de sí para un papel que requiere de un trabajo físico descomunal.

Puntaje: 8

Un chico muy especial

Brightburn: Hijo de la Oscuridad (Brightburn, 2019) es una película de terror y ciencia ficción dirigida por David Yarovesky y co-escrita por Brian y Mark Gunn. Producida por James Gunn (Guardianes de la Galaxia), el reparto está compuesto por Jackson A. Dunn (Scott Lang a los 12 años en Avengers Endgame), Elizabeth Banks (Effie Trinket en Los Juegos del Hambre), David Denman, Emmie Hunter (Forever My Girl), Becky Wahlstrom (Grey’s Anatomy), Meredith Hagner, Matt Jones, entre otros.

En una granja del Estado de Kansas, la pareja conformada por Tori (Elizabeth Banks) y Kyle (David Denman) desea tener un hijo pero no lo puede conseguir. Para su sorpresa, esa noche un meteoro cae en el bosque cercano. Cuando se acercan a ver qué es lo que ocurrió, Tori y Kyle descubren que hay una nave y dentro de ella está un bebé indefenso, por lo que los dos de inmediato deciden adoptarlo como propio. Aunque Brandon Breyer (Jackson A. Dunn) no presenta inconvenientes durante la infancia, en los inicios de la pubertad varias situaciones harán dudar a sus padres de que en realidad el chico no es humano y vino a hacer el mal en la Tierra.

Catalogada como la “versión maligna de Superman” debido a las similitudes que presenta el origen de ese superhéroe con el del protagonista de esta historia, Brightburn nos muestra de una manera muy entretenida cómo un niño aparentemente inocente puede generar horror y tragedia en poco tiempo. El joven Jackson A. Dunn consigue dar una buena interpretación ya que no solo su personalidad transmite misterio sino que también aterroriza cuando se lo ve en acción. Gracias al guión, el espectador duda todo el tiempo sobre si verdaderamente Brandon es un vil mentiroso consciente de lo que está haciendo o si, cuando mata, otra fuerza dentro de sí toma el control.

Aunque la película utiliza los conocidos jump scares, el director también se encarga de construir una atmósfera sombría para que el espectador pueda asustarse. Hay varias secuencias muy bien logradas con respecto a esto, en especial una que sucede dentro de un restaurante e incluye tubos de luz y otra en la casa de la tía del protagonista. Yarovesky no se priva de mostrar escenas sangrientas por lo que para los más impresionables esta cinta no es recomendada.

Por otro lado, Elizabeth Banks está muy bien en el papel de Tori, madre que defiende a su hijo y hasta el último momento tiene la esperanza de que Brandon sea inocente. No obstante el final resulta flojo con respecto a lo que se venía proponiendo, notándose las ganas de los realizadores para que de esta película se puedan hacer continuaciones.

Cortita pero muy disfrutable, Brightburn: Hijo de la Oscuridad cumple el cometido de mantener tenso y expectante al espectador por 90 minutos. Con una máscara extraña, súper fuerza, ojos láser y la capacidad de volar, la presencia de Brandon Breyer por las noches sin duda alguna logra atemorizar.

Puntaje: 7

El poder del arte

Tolkien (2019) es una biopic dramática dirigida por Dome Karukoski y co-escrita por David Gleeson y Stephen Beresford. Protagonizada por Nicholas Hoult (Mi Novio Es Un Zombie, Jack El Cazagigantes), el reparto se completa con Lily Collins (Cazadores de Sombras, Stuck In Love), Anthony Boyle, Patrick Gibson (The OA, Mentes Poderosas), Tom Glynn-Carney (Dunkerque), Derek Jacobi, Laura Donnelly (Jenny Fraser en Outlander), Pam Ferris (tía Marge en Harry Potter y el Prisionero de Azkabán), Craig Roberts, entre otros.

Basada en la infancia, adolescencia y posterior madurez del inglés John Ronald Reuel Tolkien (Nicholas Hoult), uno de los escritores más queridos y aclamados que llegó a ser considerado el padre de la literatura fantástica moderna, el filme ahondará en su paso por la casa de la señora Faulkner (Pam Ferris) a partir de quedar huérfano junto con su hermano. Allí conocerá a Edith Bratt (Lily Collins), joven pianista también huérfana. Los dos pasarán de ser grandes amigos a desarrollar una historia de amor, siendo Edith una de las grandes inspiraciones de los libros de Tolkien. Además, la película nos mostrará la consistente amistad del escritor con el pintor Robert Gilson (Patrick Gibson), el poeta Geoffrey Bache Smith (Anthony Boyle) y el músico Christopher Wiseman (Tom Glynn-Carney), aparte de exponer cómo el haber participado en la Batalla del Somme durante la Primera Guerra Mundial expandió la imaginación de Ronald en el plano de la fantasía.

Casi todos conocemos los libros y películas de El Hobbit o El Señor de los Anillos, pero muy pocos sabemos qué fue de la mente maestra que estuvo detrás, por lo que ya de por sí la vida de Tolkien, que tuvo varios momentos difíciles, resulta más que atrapante. Con esta cinta, Dome Karukoski fue capaz de armar una bellísima carta de amor al que fue creador de más de una lengua élfica ficticia así como también de un sistema de escritura que incluso puede ser utilizado en el ámbito realista. La esencia de Tolkien está presente durante todo el filme, y esto se da gracias tanto a la labor de Nicholas Hoult como a un guión genuino que emociona a la vez que hace sonreír.

Lily Collins no se queda atrás y, como nos tiene acostumbrados, otra vez da una gran interpretación. La química con Hoult traspasa la pantalla y cada escena que comparten resulta una delicia llena de magia y amor. Edith es la encargada de recordarle a Ronald que las palabras son importantes por su significado y el sentimiento que nos producen, ella sueña con ser libre y desde los ojos de la actriz el espectador puede sentir todas las ganas que la joven tiene de salir al exterior y vivir. Por otro lado, la importancia de la amistad está presente durante toda la película. Aquí no hablamos de una amistad cualquiera sino de una hermandad, representada en el grupo T. C. B. S. (Tea Club Barrovian Society). Cada uno de los cuatro adolescentes que se conocieron en la escuela de Birmingham se especializaba en una rama artística diferente y, aunque tenían sus diversas peleas, ellos se entendían, respetaban y apoyaban el uno al otro.

Por otro lado, las escenas de guerra están súper bien retratadas ya que no solo se quedan en la destrucción, el frío y la pérdida, sino que también nos muestran desde los ojos de Tolkien qué es lo que él vislumbró en Somme. Además seremos testigos del paso de Ronald por Oxford: su insistencia hacia el profesor Wright (Derek Jacobi) para convertirse en estudiante de filología nos otorga charlas muy interesantes donde se puede ver la magnífica inteligencia que tenía John en sus primeros años de vida así como sus verdaderas ganas de aprender.

Con un desenlace completamente emocionante, Tolkien llega al corazón del espectador y se convierte en una de las mejores películas biográficas del año gracias a la forma en la que toca tópicos universales tales como el amor, la amistad y la pérdida. Un precioso homenaje para no dejar pasar en la pantalla grande.

Puntaje: 9

Choque de generaciones

El Cuento de las Comadrejas (2019) es una película de comedia negra dirigida por Juan José Campanella (El Secreto de sus Ojos, Metegol), que co-escribió el guión junto a Darren Kloomok. Coproducida entre Argentina y España, el filme funciona como remake de Los Muchachos De Antes No Usaban Arsénico (1976). El reparto incluye a Graciela Borges (La Quietud), Luis Brandoni (Mi Obra Maestra), Oscar Martínez (El Ciudadano Ilustre), Marcos Mundstock, Clara Lago (Tengo Ganas De Ti, Ocho Apellidos Vascos), Nicolás Francella (Los Padecientes) y Luz Cipriota (El Maestro).

En una gran casona alejada de Buenos Aires, la ex diva del cine Mara Ordaz (Graciela Borges) convive con su marido Pedro (Luis Brandoni), ex actor devenido en pintor que en el pasado sufrió un accidente que lo dejó paralítico. Además de la pareja, allí también se alojan el guionista Martín (Marcos Mundstock) y el director cinematográfico Norberto (Oscar Martínez), los dos amigos de Pedro. Con la repentina llegada de los jóvenes Francisco (Nicolás Francella) y Bárbara (Clara Lago), Mara será manipulada para vender la propiedad, lo que acarreará más de un problema.

Estamos ante una película que se vale de la relación entre sus personajes para divertir y atrapar al espectador. Con un humor negro particular, no se puede negar que son varias las veces en la que el filme consigue hacer reír; sin embargo, los diálogos se sienten artificiales debido a que se nota demasiado que detrás de lo que los actores están diciendo hay un guión que se tuvo que seguir a rajatabla.

La vasta casa logra ser una protagonista más de la historia, por lo que la locación elegida fue más que una buena opción. Con sus impotentes escaleras, cuadros y una flamante mesa de billar, el lugar es el perfecto hogar para una actriz premiada y reconocida en la época dorada del cine.

Graciela Borges otorga a su Mara Ordaz una gran presencia y carácter, lo que fácilmente nos hace recordar al papel que tuvo en La Quietud con la excepción de que aquí es ultra manipulable. Por otro lado, Brandoni, Mundstock y Martínez constituyen a un grupo de amigos que se unen más con el objetivo de destrozar los planes malintencionados de la aparente pareja perfecta conformada por Francisco y Bárbara. El tire y afloja que se da entre estos dos bandos de diferentes generaciones sin dudas entretiene durante la mayoría del metraje.

Párrafo aparte para la actuación de la española Clara Lago, que tiene tal grado de compromiso con su trabajo que en ningún momento nos damos cuenta de que no es de nacionalidad argentina. Individualista, soberbia y persuasiva, cada vez que Bárbara está en pantalla es imposible sacarle los ojos de encima.

Con un guión que tiene plena consciencia del formato cinematográfico (por ejemplo, un personaje aclara cuándo comienza el conflicto o cuándo la pantalla lentamente debe pasar al negro), El Cuento de las Comadrejas se convierte en un filme disfrutable pero que, con el paso del tiempo, pocos recordarán.

Puntaje: 6,50

Destinados a conocerse

El Sol También Es Una Estrella (The Sun Is Also A Star, 2019) es una película romántica dirigida por Ry Russo- Young (Si No Despierto) y escrita por Tracy Oliver. Basada en la novela homónima para adultos jóvenes de Nicola Yoon (Todo, Todo), la cinta está protagonizada por Yara Shahidi y Charles Melton (Riverdale). Completan el reparto Jake Choi, Keong Sim, Gbenga Akinnagbe, Cathy Shim, Anais Lee, Camrus Johnson, entre otros.

La historia gira en torno a Natasha Kingsley (Yara Shahidi), una adolescente jamaiquina que hace nueve años vive en Nueva York junto a su familia. Debido a un suceso que le ocurrió al padre de Tasha, a los Kingsley solo les queda un día en Estados Unidos ya que fueron deportados a su país de origen. Como Natasha mantiene la esperanza de revertir la situación para poder quedarse en Nueva York, la joven insistirá para tener cita con un abogado que puede reabrir la causa. En esas últimas 24 horas allí, el destino hará que Tasha conozca a Daniel Bae (Charles Menton), un chico surcoreano que desea ser poeta. Aunque Natasha no crea en el amor, Daniel le demostrará que es posible enamorarse en un solo día.

Después de la fallida After llega otra película juvenil a la cartelera, una en la que la mayoría de cosas sucede gracias a que el destino quiere ver a los protagonistas unidos. Por ello, es en vano analizar lo inverosímil del relato: aunque llegue un punto en el que las coincidencias son demasiadas, ya de antemano el espectador va predispuesto a encontrarse con un producto que carece de lógica, como en su momento había pasado con Todo, Todo (Everything, Everything, 2017), novela de la misma autora.

Teniendo en cuenta esto, la historia de amor entre Natasha y Daniel se hace llevadera gracias a la labor de los actores. Por más que en varias partes el guión llegue a dar vergüenza ajena (por ejemplo cuando es muy notorio el objetivo de que quede explícito en diálogo el título del filme), Yara Shahidi y Charles Melton logran salir adelante con sus respectivas interpretaciones debido a la química que tienen entre sí.

El hecho de que los protagonistas tengan poco tiempo para estar juntos recuerda a Antes del Amanecer (Before Sunrise, 1995), solo que aquí las charlas que mantienen no llegan ni por asomo a ser tan profundas. Por otro lado, la película tenía la posibilidad de meterse en la problemática que sufren los inmigrantes en Estados Unidos: aunque vemos a Natasha afectada por la situación, nunca se nos explica en detalle qué es lo que sucedió concretamente para llegar a la deportación.

Con alguna que otra relación familiar mal desarrollada, varios clichés y flashbacks innecesarios, El Sol También Es Una Estrella sirve como punto de partida para que haya diversidad de nacionalidades en las tramas románticas hollywoodenses. Si vas predispuesto a ver una película llena de casualidades donde “todo pasa por algo”, la cinta de Ry Russo-Young puede llegar a gustarte, en especial si decidís verla con amigas.

Puntaje: 6

Únicos e irrepetibles

UglyDolls, Extraordinariamente Feos (UglyDolls, 2019) es una película animada de aventuras dirigida por Kelly Asbury (Spirit: El Corcel Indomable, Shrek 2) y escrita por Alison Peck. Basada en la marca homónima de muñecos creada por los dibujantes Sun-Min Kim y David Horvath, la cual fue lanzada en febrero de 2001, el filme cuenta con la producción de Robert Rodríguez. Las voces originales son puestas por Kelly Clarkson, Nick Jonas, Janelle Monáe, Blake Shelton, Gabriel Iglesias, Leehom Wang, Charli XCX, Emma Roberts, entre otros. Las voces dobladas incluyen a Tini Stoessel, Sofía Reyes, Mario Bautista, Katja Martínez, Mariel Percossi, Carolina Kopelioff y Pitbull.

En la Villa Fea, los juguetes que fueron desechados por ser imperfectos conviven felizmente unidos. Sin embargo, la rosada Moxy anhela algo más para su vida: ella quiere dirigirse al Gran Mundo y ser amada por una niña. Junto a sus amigos Suertudo, Ugly Dog, Wage y Babo, Moxy se irá de su hogar para finalmente descubrir qué hay más allá del oscuro y silencioso túnel.

Estamos ante una cinta plenamente infantil, de esas que serán completamente disfrutadas por niños de entre cuatro y diez años. Llena de colores fuertes, luces y despliegues musicales, el diseño de la Villa Fea logra ser atractivo pero son los personajes los que más llegan a destacarse, en especial Moxy. La muñeca protagonista es un encanto ya que está llena de energía, valentía, esperanza y dulzura, lo que hace imposible no sentir empatía por ella. A pesar de que la cinta no cuenta con un sólido guión, son los propios juguetes y sus respectivas expresiones faciales los que hacen que la historia se vuelva disfrutable.

En cuanto a las voces, la actriz Tini Stoessel sorprende gratamente en su primer trabajo como doblajista, al punto de que solo cuando canta logramos reconocer que esa es su voz. No sucede lo mismo con Pitbull: su Ugly Dog siempre que abre la boca nos recuerda al compositor en vez de al personaje animal.

Aunque la cinta en determinados momentos recuerda mucho a Toy Story 3 (2010) y en menor medida a Monsters, Inc. (2001), son las moralejas (ultra marcadas para que los más chicos las comprendan al 100%) las que hacen que este filme sea especial. Salvo cierta parte donde el mensaje no está bien transmitido ya que se asegura que lindos y feos deben unirse en vez de dejar en claro que no tiene que existir esa clasificación, UglyDolls celebra las diferencias y particularidades de cada uno. Graciosa, divertida de a ratos y con un personaje principal hermoso tanto por dentro como por fuera, no hay dudas de que los más chicos de la casa disfrutarán de esta producción y luego querrán tener un peluche de la marca.

Puntaje: 7

Tini Stoessel es Moxy

La cantante dará voz a la muñeca protagonista de la película animada UglyDolls, Extraordinariamente Feos.

En la mañana del 12 de abril, la actriz y cantante Tini Stoessel otorgó una conferencia de prensa en el Four Seasons Hotel con motivo de su participación en el elenco de voces de doblaje al español latino del filme infantil UglyDolls. “La verdad que quiero confesar que siempre fue un sueño para mí, nunca pensé que me iba a llegar tan rápido doblar una película animada”, comenzó diciendo la joven que se hizo reconocida mundialmente al interpretar a Violetta en la serie de Disney Channel. “Moxy es un muñeco lleno de fe, de esperanza, es una líder humilde que con las personas que está acompañada siempre contagia realmente lo que quiere lograr y creo que lo más lindo que tiene este personaje es que nadie es perfecto, la perfección no existe, ella acepta sus errores y celebra todas sus virtudes”, comentó Stoessel sobre su personaje.

En cuanto a esta labor que realizó en México hace siete semanas aproximadamente, Tini expresó que “parece súper fácil hacer doblaje (…) pero en realidad es un trabajo súper fino de horas y horas encerrada en un estudio practicándolo y haciéndolo de la mejor forma posible”. A su vez, la película cuenta con muchas canciones a las que Kelly Clarkson da vida en la versión original. “La voz que tiene Kelly es impresionante y yo escuchaba las canciones y decía ‘¿cómo voy a hacer?’”, se preguntó Stoessel. “Como (las canciones) son dobladas vos tenés que hacerlo milimétricamente perfecto para que encaje perfecto con lo que está haciendo el muñeco entonces fue un desafío súper grande para mí pero la verdad es que me encantó haber compuesto ese personaje”, dijo Tini a lo que agregó: “Tengo muchas ganas de que vean la película y que digan ‘¿es Tini?’ Porque de verdad que no parezco yo (…) obviamente que a la hora de cantar sí se reconoce mi voz y todo pero el personaje tiene como una identidad propia y eso me pareció importante también buscarlo como actriz”.

La cantante también tuvo su momento para recordar su participación en el programa de Telefé La Voz Argentina. “Me encantaría repetir la experiencia, este año estoy súper centrada en la música, La Voz la hice el año pasado, estaba en mente que se haga La Voz Kids quizás para el año que viene, todo eso se está viendo pero bueno este año estoy así como más centrada en la música”, acotó. Y es que Tini Stoessel no para de crecer: en un nuevo capítulo en su carrera, ahora ya establecida como cantante solista, la joven estrella presentó en diciembre del 2018 su Quiero Volver Tour en el Estadio Luna Park y este mes la gira continuará por variadas provincias del país. Por otro lado Martina ya se encuentra preparando su tercer álbum de estudio, el cual comenzó a ser grabado en Los Ángeles, otra vez con los productores Mauricio Rengifo y Andrés Torres.

Con respecto a por qué le interesó este proyecto, Tini se refirió a la cercanía e identificación que siente con el mensaje de la película: “Hasta a mí me hicieron sentir que ser flaquita está mal porque yo soy así genéticamente y que debería ser de otra forma porque el mundo me lo pide así (…) en realidad es no, aceptar que soy así, amarme de esta forma y ese mensaje transmitirlo en cada personalidad… si te dicen eso, hacerte más fuerte y decir ‘no, yo soy así y me amo tal cual soy y así voy a salir a la vida’; creo que ese mensaje yo también que lo viví en primera persona me pasaba en el colegio y me sigue pasando hoy en día con el tema de la delgadez porque es un tema como que siempre insistieron con eso pero con un montón de cosas más entonces creo que es importante aceptarse uno por como es ¿no?”. Al ser una persona súper expuesta, Tini recibe críticas día tras día, pero la cantante decidió no quedarse estancada en la negatividad del Internet: “Hace un tiempo lancé una canción en mis redes, una canción de las propias críticas que me hacían a mí (…) diciendo como ‘miren esto me hace más fuerte’; también como un mensaje para toda la gente que me escucha o que mismo va a venir a ver esta película”.

Con un reparto de voces latinas que incluye a Pitbull, Sofía Reyes, Mario Bautista, entre otros, Tini dijo: “Los coaches me salvaron la vida porque solita ahí no sé qué hubiese hecho (…); siento que me acompañaron muy bien y me enseñaron todo lo que tenía que saber. Fue como casi una semana y estaba en el estudio como seis horas por día. A veces nosotros los argentinos quizás no llegamos a modular bastante bien y tuve como que modular demasiado y hablar demasiado así (hace expresión con boca y manos) para que se entienda perfecto, me marcaban para no hablar de forma cerrada, a la hora de cantar también, fue un trabajo meticuloso”. De acuerdo a lo musical, Stoessel aseguró que todas las canciones tranquilamente podrían ser sencillos para la radio: “De verdad suenan muy bien y son canciones súper pegadizas y con mensajes muy lindos también”.

Por último, Martina recordó que también ella en su infancia tuvo un muñeco defectuoso con el que se súper encariñó. “Era un osito amarillo ‘¿te lo acordás papá?’ No te lo debés acordar. Mi papá me lo trajo una vez de un viaje. Yo tuve ese y no lo cambié, se me fue rompiendo con el tiempo claro, pasaban los años pero yo seguía queriendo ese y creo que esto pasa también con Moxy, ella es consciente de que puede ser amada y que la pueden amar aunque sea imperfecta”.

UglyDolls, Extraordinariamente Feos llega el 16 de mayo a todos los cines del país. “Si hay UglyDolls 2 voy a estar feliz porque me encantó hacer este trabajo”, aseguró Tini a pura sonrisa.

En búsqueda de su padre

Pokémon: Detective Pikachu es una película cómica de misterio y aventuras dirigida por Rob Letterman, que también se ocupó del guión junto a Dan Hernandez, Benji Samit y Derek Connolly. Basada en el videojuego homónimo de 2016, la cinta es la primera producción de acción real/animada dentro de la franquicia Pokémon creada por Satoshi Tajiri. El reparto incluye a Justice Smith (Cada Día, Jurassic World: El Reino Caído), Kathryn Newton (Big Little Lies), Bill Nighy (Cuestión de Tiempo), Ken Watanabe, Rita Ora, Suki Waterhouse (Los Imprevistos Del Amor), Karan Soni, Chris Geere, Omar Chaparro, entre otros. En cuanto al personaje de Pikachu, la voz es puesta por Ryan Reynolds.

A partir del accidente automovilístico que tuvo su padre, el joven vendedor de seguros Tim Goodman (Justice Smith) decide viajar al departamento de Ryme City para seleccionar las pertenencias que no quiere desechar. Para su sorpresa, Tim se encuentra allí con Pikachu (Ryan Reynolds), pokémon de su papá que sufre de amnesia pero asegura que su dueño sigue vivo. Con la ayuda de la pasante periodística Lucy (Kathryn Newton) y su pokémon Psyduck, Tim y Pikachu irán siguiendo las diversas pistas que los llevarán a descubrir qué es lo que realmente sucedió cuando el auto cayó del puente.

Diseñada para que tanto los fanáticos del videojuego como los que veían la serie de animé en la televisión disfruten de esta historia que viene a ser como una continuidad de lo que ya está establecido, Pokémon: Detective Pikachu funciona de igual manera para los espectadores que no conocen nada sobre la temática. Entretenida y llena de acción, el filme contiene un par de aspectos positivos y otros tantos que no logran funcionar del todo.

Por empezar, la ciudad urbana de Ryme City mezcla detalles de la isla de Manhattan en Nueva York con otros tantos de Tokio, capital de Japón, país de donde es originaria la saga. Las calles de este lugar donde los animales conviven pacíficamente con los humanos son muy lindas de ver, en especial por la cantidad de luces de neón que se encienden cuando llega la noche. Por otro lado, los pokémones están súper bien hechos por computadora, lo que genera que sea muy fácil sumergirnos en este mundo fantástico.

No obstante, la criatura amarilla protagonista aquí cambia la personalidad que tenía en las otras producciones y esto se debe en gran medida a la voz de Ryan Reynolds, la cual no encaja con lo adorable que lucía el personaje animado. En muchas ocasiones la manera de ser de Pikachu nos recuerda a Deadpool (sin pasarse de la raya para que los chistes sean aptos para todo público). Aunque en el trailer y en el principio de la película la voz no convence del todo, a medida que la historia se desarrolla el espectador termina aceptando la nueva faceta del animalito eléctrico.

Con respecto a la trama, el misterio de qué es lo que pasó con el padre de Tim capta y mantiene la atención gracias a las revelaciones que se van haciendo en el trayecto. Sin embargo aproximadamente a la mitad de la película las aventuras se vuelven demasiado exageradas para dar paso a secuencias de acción súper pochocleras. El guión cae en el cliché al meterse con los laboratorios científicos, los cambios genéticos y los empresarios con malas intenciones.

Sin que ningún actor se destaque y con un desenlace que resultará disparatado para muchos, Pokémon: Detective Pikachu se convierte en una reinvención decente si se la compara con otras fallidas adaptaciones de videojuegos tales como El Príncipe de Persia: Las Arenas del Tiempo (Prince of Persia: The Sands of Time, 2010) o Assassin’s Creed (2016). Con una secuela ya en desarrollo, no hay dudas de que el filme vendrá a contrarrestar el tremendo éxito en taquilla de Avengers: Endgame.

Puntaje: 6,50

Una madre dispuesta a todo

Regresa a Mí (Ben is Back, 2018) es una película dramática dirigida y escrita por Peter Hedges (La Extraña Vida de Timothy Green). Protagonizada por Julia Roberts y Lucas Hedges (Manchester Junto al Mar, Boy Erased), el reparto se completa con Kathryn Newton (No Me Las Toquen, Big Little Lies), Michael Esper, Courtney B. Vance, David Zaldivar, Rachel Bay Jones, Mia Fowler, Jakari Fraser Alexandra Park, entre otros.

En vísperas navideñas, Holly Burns (Julia Roberts) lleva en coche, de regreso a casa desde la iglesia, a su hija adolescente Ivy (Kathryn Newton) y sus niños Lacey (Mia Fowler) y Liam (Jakari Fraser). Su sorpresa es enorme cuando, antes de llegar, ve a través del vidrio que su hijo Ben (Lucas Hedges) está en el porche. Debido a su adicción a las drogas, Ben pasó los últimos meses en rehabilitación y aún no debería haber salido de allí. Sin embargo el joven le dice a su madre que su sponsor le recomendó pasar las fiestas con su familia ya que reconectarse con ellos le hará bien. Alegre como también preocupada, Holly intentará estar lo más alerta posible con respecto a las acciones de su hijo, sin embargo eso no será suficiente y Ben volverá a estar metido en problemas.

Con un tópico similar al de la reciente Beautiful Boy: Siempre Serás mi Hijo (2018), Regresa a Mí nos muestra de una forma muy auténtica cómo es convivir con un familiar que fue adicto. Las preocupaciones, el estricto control, el no poder confiar del todo en el otro y los miedos están ultra presentes en el personaje de Julia Roberts, una madre que mantiene las esperanzas y se pone firme cuando la situación lo requiere. La ambientación navideña e invernal es la perfecta atmósfera en la que podría desarrollarse la historia: arrepentimiento por los errores del pasado, el perdón de los demás y la necesidad de unión se mezclan en esta alegre festividad.

Lucas Hedges (hijo del director) ya viene demostrando lo inteligente que es al elegir sus papeles dramáticos. En esta ocasión, la dupla de Julia Roberts y él como madre e hijo constituye el alma del filme, y si no fuera por sus buenas actuaciones habría sido muy posible que la película no llegara a buen puerto. Desde el comienzo el director nos sumerge dentro de la familia Burns, haciendo que sea muy fácil para el espectador empatizar de inmediato con los protagonistas. A su vez, Kathryn Newton en el rol de la hermana de Ben hace una digna labor a la hora de ser la voz de la razón de su madre.

No obstante, la película se siente como si pudiera ser dividida en dos partes, ya que por sobre la mitad el drama pasa a convertirse en un thriller. Aunque el interés sigue estando presente, es imposible obviar los hechos inverosímiles o las situaciones puestas a favor del guión, lo que nos hace llegar a la conclusión de que menos es más: si se quedaba en el terreno de lo dramático, el filme hubiese sido más satisfactorio.

Con unos minutos finales donde Julia Roberts está inmensa en su papel, consiguiendo que su desesperación traspase la pantalla, puede que el desenlace de Regresa a Mí sea considerado por muchos como muy abrupto. Sin embargo, no deja de ser realista, lo que convierte a la película en un claro ejemplo de lucha día tras día.

Puntaje: 7,50