La mentira tiene patas cortas

 “Falsa Influencer” (Not Okay, 2022) es una comedia negra dramática dirigida y escrita por Quinn Shephard. Protagonizada por Zoey Deutch, el reparto se completa con Mia Isaac, Dylan O’Brien, Nadia Alexander, Embeth Davidtz, Brennan Brown, entre otros. La película está disponible en la plataforma de Star+.

 

La historia gira en torno a Danni Sanders (Zoey Deutch), una joven que trabaja como editora de fotografías en una página web pero que desea ser reconocida como escritora. Enamorada a primera vista del influencer Colin (Dylan O’Brien), Danni busca llamar su atención. De esta manera, se le ocurre inventar que debe faltar a su trabajo con el motivo de un viaje a París para asistir a un retiro de escritores. Lo que Danni no se esperaba es que justo en esos días en los que finge estar en Francia ocurre un atentado que deja sin vida a 31 personas. Agrandando su mentira, Danni se hará aún más popular en las redes sociales y alrededor de su entorno por ser una sobreviviente. Sin embargo, esto le acarreará duras consecuencias.

 

Una sátira actual sobre el mundo en el que vivimos, donde muchos no pueden dejar de lado el celular como si lo virtual fuera más importante que lo real. “Falsa Influencer” nos habla de eso pero va más allá. Lo interesante pasa por la construcción del personaje principal. Danni es una chica que no tiene amigos, que en el trabajo ninguno le presta atención e incluso ella admite que le hubiera gustado estar presente en el atentado de las Torres Gemelas para sentir que formó parte de algo que cambió la historia norteamericana. Como se puede ver, Danni busca la validación en los demás, quiere ser alguien viral y con propósito. Zoey Deutch ya venía interpretando buenos papeles en filmes como “Si No Despierto” (Before I Fall, 2017) y “Set It Up” (2018), aquí vuelve a hacer un gran trabajo, en especial porque cuenta con un buen guión que le permite mostrar a una Danni diferente de lo que era en el principio de la película.

Por otro lado, Quinn Shepard también pone sobre la mesa un tópico con el que es muy fácil sentirnos identificados: la idealización de una persona que nos gusta. Cada vez que Colin ingresa a la oficina, Danni se derrite por dentro, creyéndose que este influencer con ropas coloridas, tatuajes y ultra consumidor de marihuana es el hombre más especial que vio en su vida, cuando en realidad solo es un idiota al que le importan los eventos para conseguir más likes y seguidores en su Instagram. Dylan O’Brien está muy cambiado con su cabello platinado y su look, haciéndonos recordar bastante al comediante Pete Davidson.

Otra actuación que se destaca en este filme es la de Mia Isaac, que encarna a Rowan Aldren, una adolescente que sobrevivió a un ataque con armas en su escuela. A partir de este hecho traumático, Rowan empezó a utilizar su voz en sus redes y en mítines para que los demás tomen consciencia sobre lo peligroso que resulta que en Estados Unidos cualquiera pueda portar un revólver. Nuestra protagonista se hará amiga de Rowan, copiándose de sus ideas y queriendo ser tan reconocida como ella.

Con un desenlace que se agradece que no apunte a solucionar todo, “Falsa Influencer” nos deja pensando sobre las tecnologías que nos rodean, sobre la cantidad de filtros y programas de edición que gran cantidad de personas utilizan para tener un feed especial. En particular, nos deja reflexionando sobre la cultura de la cancelación y lo mucho más bonito que es el mundo si lo vivimos dejando la computadora y el celular a un lado, mostrándonos tal cual somos sin necesidad de aparentar para ser aceptados.  

 

Puntaje: 8

Un ídolo que no perdió su identidad

 “Elvis” (2022) es una película biográfica, dramática y musical dirigida por Baz Luhrmann, que también se ocupó del guión junto a Sam Bromell, Craig Pearce y Jeremy Doner. Protagonizada por Austin Butler, el reparto se completa con Tom Hanks, Olivia DeJonge, Richard Roxburgh, Luke Bracey, Kodi Smit-McPhee, Helen Thomson, entre otros. El filme se encuentra disponible en cines.

 

La historia se centra en el recorrido hacia la fama del rey del rock and roll. Al aceptar al Coronel Tom Parker (Tom Hanks) como su mánager, Elvis (Austin Butler) se embarcará en una vida llena de conciertos, explotación laboral, excesos y reglas que le impedirán mostrarse tal cual es.

 

Como nos tiene acostumbrados el australiano Baz Luhrmann, responsable de películas súper reconocidas como “Moulin Rouge!” (2001) y “El Gran Gatsby” (The Great Gatsby, 2013), “Elvis” es puro frenesí. Veremos muchas imágenes al mismo tiempo gracias a la utilización de la pantalla dividida, iremos de un punto a otro con rapidez y en muchos momentos es fácil llegar a sentirse abrumado por el ritmo de esta historia. No obstante, Austin Butler da una interpretación espléndida, adoptando a la perfección los movimientos y tono de voz de Elvis.

La película está contada desde el punto de vista del mánager de Elvis y allí radica su problema principal. No es ningún spoiler que el Coronel fue el villano en la vida de Elvis, una sanguijuela a la que lo único que le importaba era que el cantante diera un show tras otro sea como sea. Que todo el filme sea visto desde los ojos de este señor, que muchas veces se siente caricaturizado, no ayuda a que podamos conocer más en profundidad a nuestro protagonista. En particular me hubiera gustado que haya más escenas entre Austin Butler y Olivia DeJonge, actriz que encarna a Priscilla, la esposa de Elvis. También me parece inadecuado el pensamiento final del mánager, creyente de que el causante de los problemas de Elvis no fue él sino que fue el amor del artista hacia sus fans. Rara conclusión.

A pesar de esto, hay muchos aspectos positivos por destacar. Las escenas musicales son espectaculares, logrando que uno quiera mover el cuerpo sentado en la butaca. Se representó muy bien la revolución sexual que vivieron las mujeres en esa época al ver a un cantante que se movía como ningún otro. Además, se consiguió transmitir la paranoia que sentía Elvis por su seguridad, su agotamiento físico y previamente su valentía para seguir demostrando su talento a pesar de las prohibiciones. Otro elemento que quedó perfecto fue la creación del merchandising por parte del Coronel, no solo para ganar dinero por parte de los fanáticos sino también por el lado de los haters. Insólita estrategia.

Con un final muy emotivo y un vestuario que está a la altura, “Elvis” reafirma que el legado de Presley está más vivo que nunca. El trabajo de Austin Butler junto a la puesta en escena y la música son motivos más que suficientes para disfrutar de esta biografía desatada en la pantalla grande.

 

Puntaje: 7,50

Tiros, peleas y granadas

 “El Hombre Gris” (The Gray Man, 2022) es una película de acción dirigida por Anthony y Joe Russo. Escrita por este último junto a Christopher Markus y Stephen McFeely, la cinta está basada en la novela homónima de Mark Greaney. Protagonizada por Ryan Gosling y Chris Evans, el reparto se completa con Ana de Armas, Billy Bob Thornton, Julia Butters, Regé-Jean Page (el duque de la primera temporada de Bridgerton), Jessica Henwick, entre otros. La película se encuentra disponible en Netflix, siendo uno de los largometrajes más caros realizados por la plataforma.

 

La historia gira en torno a Seis (Ryan Gosling), un hombre que la CIA decidió sacar de la cárcel para convertirlo en un mercenario. En una misión asignada, la persona que Seis debe liquidar le otorga un pen drive con información encriptada sobre los trapos sucios de Denny Carmichael (Regé-Jean Page), líder de la agencia. De esta manera, Denny le asignará al sociópata Lloyd Hansen (Chris Evans) que recupere ese pen drive y aniquile a Seis. Con ayuda de la agente Dani Miranda (Ana de Armas), Seis tendrá que luchar por su vida y proteger a los que más quiere.

 

Para quedar satisfechos con esta nueva película hay que tener muy en claro una cosa: no está hecha para pensarla y las secuencias inverosímiles abundan. Sin contar con un desarrollo en la mayoría de los personajes, “El Hombre Gris” existe para sentarse, desconectar el cerebro con secuencias de acción entretenidas y disfrutar de su elenco. No busca más que eso.

En entrevistas, Ryan Gosling comentó que desde chico soñaba con ser partícipe de una película de este estilo, llena de explosiones, peleas cuerpo a cuerpo, corridas y puñaladas. Luego de haberlo visto en dramas románticos, musicales, comedias y ciencia ficción, aquí sigue reafirmando que no hay nada imposible para él. Su personaje tiene un limitado trasfondo y la dupla que hace con Ana de Armas funciona muy bien, así como también la relación que establece con la pequeña Claire (Julia Butters), una niña que estará en peligro.

Por otro lado, Chris Evans compone a un villano malísimo porque sí, que hace lo que quiere y disfruta de torturar a los demás. Una de sus mejores líneas es cuando se refiere a Seis como el “muñeco Ken”, próximo personaje que interpretará Gosling en la película de “Barbie”.

Con escenas en Bangkok, Praga y Viena, “El Hombre Gris” no quedará en la memoria de nadie pero consigue su propósito: ser una película pochoclera disfrutable. Con reminiscencias a los filmes de “Misión Imposible”, los hermanos Russo consiguen hacernos pasar un buen rato.

 

Puntaje: 6

La confrontación del mal

 “Una Vida Oculta” (A Hidden Life, 2019) es una película dramática histórica dirigida y escrita por Terrence Malick. Basada en hechos reales, la cinta está protagonizada por August Diehl y Valerie Pachner. Se encuentra disponible para ver en la plataforma Star+.

 

Ambientada en los primeros años de la década del cuarenta, la historia gira en torno a la pareja de granjeros austríacos conformada por Franz y Fani Jägerstätter, los cuales son padres de tres niñas. Cuando Franz es reclutado para luchar junto a los nazis, sus creencias y modo de ver la vida le harán imposible jurar lealtad a Adolf Hitler. Con el apoyo de su mujer y manteniendo su fe en Dios, Franz hará frente a varias dificultades en un mundo que cada vez se está volviendo más oscuro.

 

En el cine de Malick no hay grises: o lo amás o lo odiás. Me encuentro en el primer bando y ahora paso a contarles el por qué. Este director siempre encuentra la manera de retratar la vida de una forma sumamente filosófica, reflexiva y calma. Tomándose su tiempo para cada escena y cada silencio, ver una película de Malick no es simplemente eso sino que constituye toda una experiencia. Con una duración de casi tres horas, es entendible que muchos consideren que “la trama no avanza” o que los diálogos no sean lo suficientemente dinámicos, el tema a mi parecer es que lo principal para abordar su cine consiste en el estar abierto a un tipo de película distinto, donde lo más importante es el dejarse llevar.

Esta vez basándose en una historia real, Terrence nos sumerge en la naturaleza austríaca, llena de montañas, niebla, animales que cuidar y tierra que trabajar. La fotografía de Jörg Widmer es sublime por donde se la mire, con cada plano amplio que nos asombra por una luminosidad que luego se irá apagando cada vez más. El amor de pareja con pocas líneas de diálogo consigue transmitirse sin problemas, así como también el concepto de familia y la convicción del protagonista por hacer lo correcto, por más que casi todos los de su alrededor lo juzguen y critiquen.

Aunque la película tiene momentos de violencia, la mayoría de ellos están filmados de tal forma que sin mostrar mucho, como espectador podemos imaginar todo lo que Franz tuvo que padecer. Y también Fani, porque en el pueblo todos la van a mirar con mala cara, escupir o hacerla a un lado solo por la convicción de su marido, que esencialmente consistía en no creerse superior a ningún otro ser humano.

Franz recuerda muchísimo a Desmond Doss, interpretado por Andrew Garfield en “Hasta el último hombre” (Hacksaw Ridge, 2016). La religión es parte central en su vida y resulta admirable de ver el cómo siempre se mantuvo fiel a lo que creía. El filme tiene una espiritualidad híper palpable, que nos deja pensando en cómo a veces los grandes héroes no aparecen en los libros de historia, sin embargo sus actos fueron primordiales para que ahora nosotros tengamos una vida completamente diferente a la de ese entonces.

Poética y contemplativa, es una lástima que “Una Vida Oculta” no haya llegado a nuestros cines, ya que definitivamente es un largometraje para ser apreciado en la pantalla grande. No obstante, desde casa podemos ver que Malick no perdió su esencia y eso se agradece mucho.

 

Puntaje: 8

La evasión del talento

 “The Kindergarten Teacher” (2018) es una película dramática dirigida y escrita por Sara Colangelo. Basada en la película homónima israelí de 2014, la protagonista es Maggie Gyllenhaal. Completan el reparto Parker Sevak, Anna Baryshnikov (Lavinia en la serie “Dickinson”), Rosa Salazar, Michael Chernus, Gael García Bernal, Samrat Chakrabarti, entre otros. El filme está disponible en Amazon Prime Video.

 

La historia gira en torno a Lisa (Maggie Gyllenhaal), una maestra de jardín casada y con hijos adolescentes que asiste a clases de poesía. Un día en el aula, Lisa escucha al pequeño Jimmy (Parker Sevak) recitar un poema y queda maravillada con su alto conocimiento teniendo en cuenta su corta edad. Queriendo preservar al niño prodigio, Lisa irá tomando decisiones cada vez más erróneas.

 

Estamos ante una película complicada de digerir, que nos deja varios cuestionamientos que se quedan con uno mucho después de los créditos. Uno de los grandes aciertos es la construcción de un personaje protagónico complejo, al que en una escena se puede entenderla y a la siguiente ya empieza a dar miedo por cómo se desenvuelve ante el niño. Maggie Gyllenhaal está increíble como Lisa, una mujer que se siente como una sombra: sus poemas son mundanos, no llegan a transmitir lo que desea; su vida no es lo que ella esperaba, su insatisfacción la lleva a juzgar a sus propios hijos y no conectar con su marido; al ver que uno de sus alumnos tiene una mirada ante el mundo tan única y significativa, ella querrá ser parte de su arte, estar ahí para anotar rápido con lápiz y papel cada vez que el nene se expresa en voz alta, protegerlo.

Sin embargo, el interés de Lisa empieza a convertirse en obsesión cuando ella va viendo que los familiares y la niñera del niño no aprecian sus poemas, no le prestan atención. Ahí es cuando la película se convierte un poco en un thriller, porque como espectador sentimos que cualquier cosa puede pasar, que lo que está haciendo Lisa no hay manera de que llegue a buen puerto. ¿Dejamos al nene de cinco años jugar con los demás o es mejor apartarlo y ejercitarlo para que continúe por el camino de la poesía? En un mundo donde la mayoría de personas pasa de largo al arte y viven con la cabeza gacha metida dentro de la pantalla del celular, ¿es válido enojarse y querer ir más allá? ¿Cómo hacerles entender a los demás que estamos ante la presencia de un joven Mozart? ¿Adónde se fue la curiosidad y la apreciación de las pequeñas cosas que nos rodean?

Como se puede ver, “The Kindergarten Teacher” no subestima al espectador, más bien nos hace pensar. No da respuestas y no ejerce prejuicios, sino que nos muestra a una mujer que tiene tanto aciertos como errores. Con una línea final que no deja indiferente, la película nos dejará reflexionando sobre la cultura actual del consumo y sobre el nivel de calidad de la misma.

 

Puntaje: 7,50

Hay equipo

 “Top Gun: Maverick” (2022) es una película de acción y drama dirigida por Joseph Kosinski. Secuela de la emblemática “Top Gun” (1986), esta vez el guión fue escrito por Ehren Kruger, Eric Warren Singer y Christopher McQuarrie. Tom Cruise repite el rol protagónico, así como también Val Kilmer vuelve a interpretar a Iceman. El reparto se completa con Miles Teller, Jennifer Connelly, Glen Powell, Lewis Pullman, Monica Barbaro, Jon Hamm, Ed Harris, Greg Tarzan Davis, Danny Ramirez, entre otros.

 

Más de treinta años después de los hechos ocurridos en la primera entrega, el aviador Pete “Maverick” Mitchell (Tom Cruise) continúa volando como piloto de pruebas de la Marina estadounidense. Manteniendo una forma de trabajar impredecible, audaz y desafiante hacia sus superiores, y estando bajo la protección de su antiguo compañero Iceman (Val Kilmer), que ahora es Comandante de la Flota del Pacífico, Maverick es enviado de vuelta a Top Gun. Para su sorpresa, su misión ahora será entrenar en tres semanas a un grupo de primer nivel de jóvenes aviadores. La misión parece imposible: destruir en tierras enemigas una planta de uranio que está en un búnker subterráneo en el medio de dos empinadas montañas. ¿Podrán lograrlo con tan poco tiempo para practicar?

 

Lo afirmo desde ahora: con esta película, el cine regresó a las salas. Superando con creces a su predecesora, “Top Gun: Maverick” ya es un exitazo de taquilla y lo tiene súper merecido por varios motivos. Por un lado, las escenas de acción están a otro nivel, teniendo una puesta en escena y una calidad de sonido que realmente traspasan la pantalla, haciéndonos sentir parte de la adrenalina y el peligro que los pilotos están atravesando. Por otro lado, lo bien utilizada que está la nostalgia, ya que no está puesta solo para que captemos las referencias a la película original, sino que a partir de lo que ya conocíamos hay una concordancia con lo que vemos ahora, la cual permite que la trama continúe avanzando.

En cuanto a las actuaciones, Tom Cruise vuelve a dar todo de sí en un papel que se nota que ama hacer. Su rebeldía causa más de una situación cómica y, aunque en un principio Maverick siente que lo suyo no es enseñar, su maestría a la hora de transmitir conocimientos es palpable en cada segundo. También se destacan Miles Teller como el piloto Bradley “Rooster” Bradshaw, el cual va a tener una dinámica con Maverick muy particular, y Glen Powell como Jake “Hangman” Seresin, otro candidato que recuerda muchísimo a cómo se comportaba Iceman en el primer filme.

Con respecto a la subtrama amorosa, lamentablemente el director no quiso convocar a Kelly McGillis para que vuelva a encarnar a Charlotte, la cual era súper importante en la película original. Ahora tenemos a Jennifer Connelly como Penny, antiguo amor de Maverick, madre soltera y dueña de un bar. Aunque las escenas entre Maverick y Penny son lindas, siento que la química que Maverick tenía con Charlotte era muy superior a ésta. Que desde el guión ni siquiera se haga una pequeña mención a Charlotte, pretendiendo como si no existiera, no me pareció adecuado.

Por último, y no menos importante, está la música. La canción “I Ain’t Worried” de OneRepublic calza perfecto con una escena fenomenal que sucede en un día soleado de playa, y “Hold My Hand” de Lady Gaga funciona como broche de oro para el cierre de esta película épica. Además, la incorporación de elementos de la composición instrumental del “Top Gun Anthem” de 1986 le da un toque especial a esta segunda entrega.

“Top Gun: Maverick” logra que lo imposible se transforme en posible, realza el trabajo en equipo a través de unos personajes que de inmediato nos caen bien y, por sobre todo, nos deja con una sensación de libertad y energía enormes. Un emocionante viaje que desde ya se mete en lo mejor del 2022.

 

Puntaje: 8,50

El bien y el mal

 “Malos Momentos en el Hotel Royale” (Bad Times at the El Royale, 2018) es un thriller neo-noir dirigido, escrito y producido por Drew Goddard. El reparto incluye a una gran cantidad de caras conocidas, entre ellas se encuentran Jeff Bridges, Cynthia Erivo, Dakota Johnson, Chris Hemsworth y Jon Hamm. También se cuenta con las actuaciones de Lewis Pullman, Cailee Spaeny, Nick Offerman, entre otros. El filme está disponible en la plataforma de Star+.

 

Ambientada en la década del sesenta, la historia gira en torno a variados personajes que van a alojarse al misterioso Hotel Royale, ubicado mitad en California y mitad en Nevada. Miles Miller (Lewis Pullman), recepcionista del establecimiento, es el encargado de asignarles una habitación al vendedor de aspiradoras Laramie Seymour Sullivan (Jon Hamm), a la cantante Darlene Sweet (Cynthia Erivo), al sacerdote Daniel Flynn (Jeff Bridges) y a la hippie Emily Summerspring (Dakota Johnson). Cada uno de estos huéspedes guarda un oscuro secreto ya sea sobre su pasado, su identidad o el motivo por el que están ahí. Lo que ellos no saben es que los dueños de ese hotel tienen una manera de manejarse que resulta plenamente inmoral.

 

Luego de su debut como director con la bizarra “La Cabaña del Terror” (The Cabin in the Woods, 2011), Drew Goddard regresó con una propuesta que recuerda a las películas de Kenneth Branagh basadas en los libros de Agatha Christie y también a los filmes de Tarantino. Recuerdo que esta película iba a estrenarse en nuestro país pero al final decidieron dar marcha atrás, por lo cual me había quedado pendiente. Tengo sentimientos encontrados luego de verla. Por un lado me pareció increíble la estética del hotel, que tiene una mitad de colores cálidos como California y otra mitad más azul y fría como Nevada. La amplitud de ese lugar, sus pasillos secretos, las pequeñas habitaciones, el bello comedor con una estupenda rocola y demás espacios hacen que como espectador nos sumerjamos de lleno en lo que estamos viendo.

Por otro lado tenemos la estructura narrativa y los diversos personajes. La película está dividida en varias pantallas a negro que marcan lo que se nos contará a continuación utilizando el respectivo número de habitación en el que está cada huésped, el lugar y fecha donde ocurrió algo que debemos conocer o el nombre de un nuevo personaje. Con una duración de dos horas y veinte minutos, sentí que esta no fue la opción ideal para narrar la historia, ya que en ciertos momentos se pierde el ritmo y la fluidez. Por ejemplo, vemos qué es lo que sucede en el cuarto cinco para luego pasar a conocer a través de un flashback qué es lo que llevó a ese sujeto a estar en esa situación, para después pasar a otra habitación donde se nos cuenta otro embrollo. Aunque después todo se conecta, la película llega a sentirse pesada; en especial debido a que ningún personaje genera una conexión, es como que nos sentimos súper alejados de ellos y mucho no nos importa si sobreviven o no.

Con respecto a la temática, el filme viene a poner sobre la mesa la dualidad del bien y el mal. El hotel funciona como ese ojo que ve lo que el humano no quiere que se sepa. La manipulación en las creencias, las mentiras y el cargo de consciencia son algunos de los elementos que veremos del lado oscuro, pero por la parte más optimista también tendremos la lucha por salvar a un ser querido de un ambiente tóxico, las ganas de crecer profesionalmente a pesar de los obstáculos y el arrepentimiento.

Cargada de unos planos e iluminación muy bien logrados, así como también actuaciones que están a la altura, “Malos Momentos en el Hotel Royale” vale la pena por su nivel técnico. Si el guión hubiese logrado indagar más sobre las vidas de estos personajes, el resultado sería más satisfactorio.

 

Puntaje: 6,50

Absoluta obediencia sin excepciones

 “La Cabeza de la Araña” (Spiderhead, 2022) es un thriller de ciencia ficción dirigido por Joseph Kosinski. Basado en el cuento distópico “Escape from Spiderhead” de George Saunders, el guión del filme estuvo a cargo de Rhett Reese y Paul Wernick. Protagonizado por Chris Hemsworth y Miles Teller, el reparto se completa con Jurnee Smollett, Mark Paguio, Tess Haubrich, Angie Milliken, Nathan Jones, entre otros. La película se puede ver por la plataforma de Netflix.

 

La historia gira en torno a Jeff (Miles Teller), un presidiario que acepta ir al alejado establecimiento de “Spiderhead” para reducir su sentencia. Allí, Steve Abnesti (Chris Hemsworth) junto a su socio Mark (Mark Paguio) son los responsables de la investigación del comportamiento humano a través de la administración de diversos tipos de drogas. Jeff se relacionará con otros sujetos que están en la misma situación que él, sin embargo pronto se dará cuenta que Abnesti no es del todo sincero con lo que está haciendo.

 

Un lugar en donde cada día estás bajo los efectos de las drogas y tu accionar se vuelve diferente, luego sintiendo que lo que hiciste está  borroso en tu mente, cada vez perdiendo más y más tu identidad. Momentos en los que no podés parar de reír, otros en los que tu cerebro te ordena no dejar de comer, otros en los que inmediatamente querés acostarte con la persona que tenés en frente y la lista continúa. Como se puede notar, la premisa es más que interesante, llevándonos a ser testigos de cómo viven estos presos que ya no tienen nada que perder, que ante cada pregunta de si se dejan administrar las drogas deben responder “Reconocido”.

La película se toma su tiempo para arrancar, manteniendo su misterio y generándonos curiosidad. No es hasta la mitad del metraje que se da una situación fuerte y dramática, la cual dejará a nuestro protagonista en shock. No obstante, desde el comienzo se puede prever quién es el villano de la historia y qué está pasando en realidad allí dentro. Chris Hemsworth construye a un líder de proyecto súper manipulador con sus palabras. Intentando hacerse el amistoso, se ve a mil millas sus verdaderas intenciones. Por otro lado, Miles Teller es el que cuenta con un personaje más humano, carcomido por la culpa de su pasado pero aún conservando su moralidad.

Todo lo que en el primer y segundo acto se podía sentir bien armado, atrapante y entretenido, en la última media hora se echa a perder. Y es que el final se siente no solo apresurado, sino muy poco creíble. Hasta incluso se agregan momentos cómicos y de acción que no están a tono con lo que se venía mostrando, volviendo a la cinta genérica y olvidable.

“La Cabeza de la Araña” supo plantear sus bases pero no logró cerrar su historia con éxito. Una lástima, porque su mensaje sobre el aprender a perdonarnos a nosotros mismos y seguir adelante con las personas que nos aceptan por cómo somos estaba más que correcto.

 

Puntaje: 5

La percepción del otro sin atajos

 “Una Segunda Oportunidad” (Enough Said, 2013) es una comedia dramática romántica dirigida y escrita por Nicole Holofcener. Protagonizada por Julia Louis-Dreyfus y James Gandolfini, el reparto se completa con Toni Collette, Catherine Keener, Ben Falcone, Tavi Gevinson, Tracey Fairaway, Eve Hewson, Anjelah Johnson, entre otros. El filme se encuentra disponible en la plataforma de Star+.

 

La historia se centra en Eva (Julia Louis-Dreyfus), una masajista a domicilio que está divorciada hace diez años y tiene una hija que pronto partirá a la universidad. En una fiesta a la que asiste con sus amigos Sarah (Toni Collette) y Will (Ben Falcone), Eva conoce a la poeta Marianne (Catherine Keener) y a Albert (James Gandolfini), el cual es amigo de Will. Ya empezando a sentir el síndrome del nido vacío, Eva acepta ir a una cita con Albert por más que no le parezca físicamente atractivo. Además, Eva empezará a ir a la casa de Marianne para darle masajes y, de paso, entablar conversación. Lo que aún no sabe Eva es que estas dos personas con las que está formando un lazo (de pareja y amistad respectivamente) están conectadas de una forma que la llevará a actuar con hipocresía.

 

Qué lindo ver una historia de amor entre personas que tienen más de 40 años, lo cual no se retrata muy seguido en las películas. Siempre vemos la crisis a esa edad, pero nunca somos testigos de que las relaciones amorosas pueden continuar. Siendo la excepción, este filme con bajo presupuesto y creado por la misma mujer que luego se encargó de ser la coguionista de la subestimada “El Último Duelo” (The Last Duel, 2021) viene a poner sobre la mesa los miedos, problemas e incertidumbre que se viven en la vida adulta.

La película cuenta con dos temáticas muy marcadas. Por un lado, la soledad y tristeza que la protagonista siente porque su hija ya no estará más junto a ella. Es tal el abandono que Eva no quiere enfrentar que hasta le ofrece la habitación de su hija a la mejor amiga de ésta para contar con alguien a quien cuidar. Por el otro, tenemos el tópico más importante: buscar conocer por otros medios a la persona con la que recién estás saliendo, generándote a vos mismo una idea preconcebida del otro a través de la mirada ajena con el objetivo de protegerte para no salir lastimado otra vez.

Como se puede ver, la trama resulta muy original y fresca. A través de unas conversaciones que se dan de forma tan natural que tranquilamente podemos imaginarnos que las escenas suceden en la vida real, la película nos hace parte de lo mal que está el juzgar al otro simplemente por cómo es, sin tener en cuenta que los comentarios en broma pueden lastimar los sentimientos del prójimo.

Con respecto a las actuaciones, tanto Julia Louis-Dreyfus como James Gandolfini se lucen. Los momentos en los que los dos están en pantalla son los mejores del filme, en especial porque el personaje de Gandolfini tiene unas grandes líneas cómicas y la directora y guionista sabe cómo recrear escenas cotidianas con naturalidad. Por otra parte, Toni Collette como la mejor amiga de la protagonista tiene una situación muy divertida alrededor de su empleada doméstica interpretada por Anjelah Johnson.

Tan graciosa como vulnerable, “Una Segunda Oportunidad” tiene un final precioso que encima fue improvisado por sus protagonistas. Su mensaje es lo más valioso: conocer al otro sin prejuicios es el camino adecuado para llegar a tener una relación sana y con confianza. Recomiendo no ver el tráiler ya que revela demasiado. 

 

Puntaje: 8