La imaginación en la infancia

“Las aventuras del Capitán Calzoncillos: La Película” (Captain Underpants: The First Epic Movie, 2017) es un film animado de comedia basado en los cómics para niños del mismo nombre creados por Dav Pilkey. La dirección está a cargo de David Soren, conocido por la película de 2013 “Turbo”, y el guión es de Nicholas Stoller. Cuenta con las voces originales de Kevin Hart, Thomas Middleditch, Ed Helms, Nick Kroll, Jordan Peele y Kristen Schaal. En Estados Unidos se estrenó el 2 de junio de 2017 y gracias a la distribuidora Fox llegó a las salas argentinas el 17 de agosto.

La historia gira en torno a George y Harold, dos niños vecinos que van a cuarto grado de la primaria Jerome Horwitz. Desde el jardín se convirtieron en grandes amigos por su peculiar sentido del humor. Su hobbie es crear cómics de lo más imaginativos en la Tree House Comic INC. (una casa del árbol). No todo es risas y juegos ya que el gruñón director Krupp no soporta sus travesuras dentro del instituto. Debido a lo ingeniosos que son George y Harold, Krupp nunca consigue pruebas para evidenciar que ellos son los que traman las bromas; pero un sábado en el que los chicos tienen que asistir a una convención de inventos, el director, con la ayuda del nerd buchón Melvin, logra atraparlos y como castigo quiere que asistan a clases separadas. Para los niños esto sería como “aniquilar su amistad” aunque sólo tendrían un pasillo de distancia. Sin pensarlo y casi por casualidad, con un anillo hipnótico sacado de una caja de cereal manipulan a Krupp: con sólo un chasquido de dedos el hombre se convierte en lo que ellos decidan, y qué mejor que transformarlo es su superhéroe favorito, el Capitán Calzoncillos. Éste último no tiene capacidad de razonamiento, inteligencia ni agilidad pero su objetivo es salvar el mundo aunque actúe como bebé. Harold y George deberán tomar precauciones para que nadie se entere que Krupp está transformado y a la vez tendrán que lidiar con el nuevo profesor de ciencias que quiere erradicar la risa del planeta.

Asumo que desde que salió el tráiler de esta película la prejuzgué por su título bobo sin haberla visto. Parecía un largometraje tonto que sólo causaría risas en niños muy pequeños. No pude estar más equivocada: Capitán Calzoncillos logra entretener tanto a chicos como a grandes gracias a su guión inteligente, su original narrativa, el diseño de los personajes y el enorme carisma de sus dos protagonistas.

Desde el comienzo amamos a Harold y George, su amistad es entrañable y no podemos imaginarlos separados. Varias veces rompen la cuarta pared e interactúan con el espectador, lo que nos hace quererlos más. A través de ellos es que vemos a la escuela planteada como una cárcel por cómo se dictan las clases allí y entendemos por qué hacen las travesuras: quieren animar a los demás y que haya diversión. También somos testigos de la magnitud que se le da a un pequeño problema en la infancia: los chicos creen que al estar en clases separadas su amistad se esfumará y de grandes ni se saludarán (esto está representado en una secuencia espléndida con títeres de calcetín).

Cuando ven su sueño hecho realidad (el Capitán Calzoncillos de carne y hueso), Harold y George estarán en problemas. El Capitán sólo usa una capa y ropa interior mientras intenta resolver problemas en la ciudad. A pesar de lo torpe e impulsivo que es, este personaje logra ser gracioso gracias a sus“¡TRA-LA-LAAA!” y sus cambios al director Krupp cuando se le tira agua en la cara.

El problema de esta película es el villano: aparece después de 35 minutos en los que nos divertimos a pleno con Harold, George, Krupp y el Capitán. Desde que se le empieza a dar más importancia a él, el espectador quiere que se vuelva a los primeros personajes. Es como que entró tarde en escena. Sin embargo su trasfondo del por qué odia a los niños y quiere eliminar la risa tiene sentido y deja una lección sobre el bullying y sobre cómo hay que aprender a reírse de uno mismo.

Otro aspecto a destacar es la narrativa del film: hay flashbacks del comienzo de la amistad de Harold y George, de sus cerebros conversando, nos metemos de lleno dentro de las historietas que crean y el origen del Capitán Calzoncillos. Esto hace que sea casi imposible aburrirnos, sorprendiéndonos a cada minuto.

Por último, es para apreciar las críticas implícitas que deja: la escuela primaria es necesaria pero no tiene que ser aburrida, el sistema escolar debe darle importancia a su programa de música y arte e invertir en él para expandir la creatividad de los niños y que una persona se muestre enojada quizás no es por mero odio sino por cómo están las cosas en su casa.

“Las Aventuras del Capitán Calzoncillos: La Película” puede que en su última media hora se vuelva demasiado infantil pero sin lugar a dudas es disfrutable, saca carcajadas y sus protagonistas quedarán en la memoria luego de verla.

Una épica aventura intergaláctica

“Valerian y la Ciudad de los Mil Planetas” (Valerian and the City of a Thousand Planets, 2017) es una película francesa de ciencia ficción dirigida y escrita por Luc Besson. Está basada en los icónicos cómics “Valerian and Laureline”, que fueron escritos por Pierre Christin e ilustrados por Jean-Claude Mézières. Los protagonistas son Dane DeHaan, que hace poco lo vimos en “La Cura Siniestra” (A Cure For Wellness), y la modelo Cara Delevingne (Margo en Ciudades de Papel, Enchantress en Escuadrón Suicida). También actúan Clive Owen, Rihanna, Ethan Hawke, Herbie Hancock, Sam Spruell, Kris Wu, Alain Chabat y Sasha Luss. Es el film europeo independiente más caro de la historia, con un presupuesto que ronda entre los 177 y 210 millones. El jueves 24 de agosto se estrenó en salas argentinas tanto en 2D y 3D como en formato IMAX gracias a la distribuidora Diamond Films.

Valerian y Laureline son dos agentes espaciotemporales que trabajan para el gobierno y deben cumplir variadas misiones. En el siglo XXVIII, la Estación Espacial Internacional se transformó en Alpha, una grandiosa metrópolis donde especies de todo el universo convergieron y continúa en pleno crecimiento. Allí se comparten los diferentes idiomas, conocimientos y culturas, cada especie se ocupa de algo en particular y tienen distintos hábitats. El conflicto comienza cuando el jefe de Valerian y Laureline les comunica que la armonía en la que se desarrolla Alpha puede llegar a destruirse ya que hay una zona contaminada en donde no se puede respirar y se está expandiendo con rapidez. Todo parece estar relacionado con los Pearls, unos seres del planeta Mul que están en busca de un convertidor para replicar las playas paradisíacas donde vivían. Los agentes se embarcarán en busca de la verdad y descubrirán que no todo es lo que parece.

Luc Besson desde chico es fanático de los cómics y era su sueño transformarlos en una película, un sueño que le resultaba imposible en su momento debido a la gran cantidad de efectos especiales y el vasto mundo que conformaba Alpha. Con el estreno de Avatar en 2009, Besson se dio cuenta que “la imaginación es el único límite” y Valerian podía convertirse en un producto para la gran pantalla. Luego de un trabajo que duró 10 años, el film ya está listo para ser apreciado por todos y no decepciona. Como espectador uno se mete de lleno en el universo exótico del director, los colores, montaje y efectos especiales sorprenden a gran escala. La puesta en escena es excelente y se valora muchísimo la creatividad que se usó en las distintas misiones de los agentes.

Es para tener en cuenta y agradecer que la historia sea sencilla. Es tan simple que resulta muy predecible quién es el malvado o qué sucedió en el pasado, pero esto no juega en contra. Estamos sumergidos en Alpha y es un viaje maravilloso. La escena inicial con la canción Space Oddity de David Bowie resulta una de las mejores y desde ese momento entendemos cómo se manejan en la ciudad.

En cuanto a los protagonistas, no se entiende cómo en el título del film obviaron poner a Laureline. Cara Delevingne sorprende en su faceta de actriz y se destaca por sobre DeHaan teniendo incluso más protagonismo que él. Compone a una mujer badass que respeta sus ideales y no teme ir contra su propio trabajo. Con un carácter alocado y perspicaz, dan ganas de seguir viéndola en nuevas aventuras dentro de este universo. La química que tiene con DeHaan es lograda y agradable de ver.

Los actores secundarios cumplen sin destacarse demasiado, a excepción de Rihanna que, aunque actúa pocos minutos, su escena de baile como un ser “cambiaformas” es todo un deleite.

Hay tantas criaturas distintas que es difícil recordar cada uno de sus nombres. Sin embargo la más tierna es Melo, un animalito que vive con los Pearls y es capaz de replicar un montón de perlas llenas de energía si sólo se le da de comer una. Los Doghan Daguis hacen reír al conformar a unos traficantes de información valiosa que entre tres funcionan como un único cerebro, por lo que si uno solo es eliminado, parte de la info es destruida para siempre.

Una de las escenas finales se siente innecesaria y alargada. A pesar de ello, Valerian deja una buena moraleja sobre lo que es capaz de hacer el ser humano para salvarse a sí mismo y cómo puede llegar a destruir la naturaleza o a otras especies. Quizás la misión primordial para algunos resulte extensa por los inconvenientes que se van dando en el recorrido (cómo los protagonistas se tienen que salvar el uno al otro), en mi opinión estas situaciones extravagantes entretienen gracias al alucinante trabajo visual.

“Valerian y la Ciudad de los Mil Planetas” merece ser vista en la pantalla más grande de Argentina para entrar en el espectacular universo que es Alpha, con sus naves, grandes mercados, organización y miles de seres. Los efectos especiales y la pareja protagónica ya valen la entrada. No la dejen pasar😎

Tal para cual

“Dos Son Familia” (Demain Tout Commence, 2016) es una comedia dramática francesa dirigida por Hugo Gélin que funciona como remake del film mexicano “No Se Aceptan Devoluciones”. Los protagonistas son Omar Sy, conocido por su papel de Driss en “Amigos Intocables” (The Intouchables, 2011), y la pequeña Gloria Colston. También actúan Clémence Poésy (Fleur Delacour en Harry Potter), Antoine Bertrand, Ashley Walters, Anna Cottis, Raphael von Blumenthal, Clémentine Célarié y Raquel Cassidy (Phyllis Baxter en la serie Downton Abbey). Se estrena en las salas argentinas el 31 de agosto gracias a la distribuidora BF + Paris Films.

Samuel trabaja en la costa francesa llevando de paseo a los turistas en un yate. Tiene una vida liberal, le encanta armar fiestas en la noche aunque su jefa no se lo permita y seducir mujeres es su pasatiempo. Todo cambia cuando una mañana aparece Kristin con una beba de tres meses en sus brazos. Ella le comunica que la niña Gloria es su hija y le pide dinero para el taxi. Desconcertado, Samuel agarra a la beba y le da el dinero pensando que Kristin pagará el taxi y volverá, pero la mujer se va así sin más. Samuel tratará de hallar a Kristin y devolverle a la nena ya que él no está preparado para ser padre. La búsqueda en Londres no tendrá éxito, sin embargo en ese país conseguirá por casualidad un trabajo como doble de riesgo y aprenderá a criar a Gloria de la mejor manera posible. Ocho años después, Kristin se conecta a su cuenta inactiva de Facebook y regresa a la vida de su hija. El conflicto se desata cuando la madre quiere reconectar con Gloria y llevársela a Nueva York, lugar donde vive actualmente con su pareja.

Con un guión entretenido, la película de Hugo Gélin utiliza una historia ya conocida que sigue dando resultado. Los actores protagonistas logran empatizar con el espectador, en especial Omar Sy gracias a su carisma. La niña hace una gran dupla con él, son tal para cual y somos testigos de cómo su relación se va afianzando con el correr del tiempo. A la vez tenemos personajes secundarios que logran sacarnos carcajadas como por ejemplo Bernie (Antoine Bertrand), el amigo homosexual de Samuel, y otros que nos generan bronca por sus acciones (Kristin interpretada por Clémence Poésy).

La película se centra en la responsabilidad que conlleva criar a un niño, el rol de padre y qué se es capaz de hacer por ver feliz a un hijo, hecho que a veces implica mentir, ¿es lo correcto? A la vez pone al espectador en duda: ¿La madre de Gloria tiene derecho a que la niña que abandonó ahora vuelva con ella? ¿Se puede perdonar lo que hizo?

Algunas situaciones resultan poco realistas y se toman segundos para explicarlas, otras se alargan con el único objetivo de ser cómicas. A pesar de ello, en las dos horas el film consigue hacer reír como sacar lágrimas. Los dos giros que hay en la trama por lo menos para mí, que no vi la original, resultaron efectivos e inesperados. Sí, hay golpes bajos pero están bien tratados y no buscan dejar triste a la persona luego de verla.

En francés el título del largometraje sería “Mañana Empieza Todo”, frase que hace referencia a una cita del filósofo Gaston Bachelard. Sin embargo el título en Argentina tiene mucho más sentido y se conecta más con lo que se ve en pantalla.

“Dos Son Familia” no es novedosa en cuanto a su relato pero consigue transmitir buenos valores, es tierna y te hará pasar un buen rato en la sala de cine. Ideal para ver en familia. 

Un presidente no tan "blanco"

“La Cordillera” es una película nacional dramática dirigida y co-escrita por Santiago Mitre, siendo su tercer largometraje luego de “El Estudiante” (2011) y “La Patota” (2015). El reparto incluye a Ricardo Darín, Dolores Fonzi, Érica Rivas, Gerardo Romano, Elena Anaya, Leonardo Franco, Daniel Giménez Cacho, Paulina García y Christian Slater. Tuvo su estreno mundial en el Festival de Cannes de 2017 mientras que en Argentina se estrena el 17 de agosto gracias a la distribuidora Warner Bros.

Hernán Blanco pasó de ser intendente en la provincia de La Pampa a presidente de los argentinos. Su campaña se basó en utilizar su apellido como símbolo de la pureza y autenticidad, sin que los medios conozcan mucho sobre su vida personal ni los ciudadanos sepan qué esperar de su liderazgo. Junto a su asistente personal Luisa y su jefe de gabinete Castex, Blanco asiste a la cumbre de presidentes latinoamericanos en Los Andes, Chile. Allí se deberá enfrentar con varios problemas: desde lo político, los representantes de México, Brasil y Estados Unidos lo intentan manipular sobre la alianza petrolífera en la que se basa la cumbre; su yerno quiere sacar a la luz la manera en la que fue financiada su campaña presidencial y su hija Marina está inestable emocionalmente al punto de que llega a no decir palabra. Blanco recurre a un especialista para tratar de que Marina vuelva a hablar. Éste utiliza la hipnosis y la joven cuenta una historia que ocurrió cuando aún no había nacido. El presidente tendrá que lidiar tanto con su faceta pública a la hora de decidir a quién seguir como con la situación familiar que puede llegar a tornarse peligrosa.

Desde sus tráilers el film transmitía una cierta onda de misterio que daba ganas de querer saber más, aparte del gran elenco que Santiago Mitre supo reunir. Ser testigos de cómo se maneja un presidente dentro de la Casa Rosada, quiénes se la pasan dándole consejos y los temas que se discuten en una reunión con él ya de por sí es curioso y atrapante. Los planos que se utilizan junto a la fotografía son exquisitos: Los Andes está en todo su esplendor, con una belleza inmensurable que contrasta con los conflictos internos de Hernán Blanco.

Y hablando del presidente, Ricardo Darín lo compone de una forma en la que no llegamos a conocerlo del todo: es un hombre serio, cansado y con una mirada fija que hace que queramos saber en lo que está pensando. La película tiene dos temas centrales diferentes entre sí; por un lado cómo se desarrolla la cumbre, los formalismos, charlas a solas con otros presidentes latinoamericanos, estrategias; y por otro tenemos la llegada al hotel de la hija de Blanco. Esta última para mí fue la que genera mayor interés. Dolores Fonzi hace un trabajo espectacular, su cara refleja lo dañada que está. Desde que aparece sabemos cuál es su postura hacia el gobierno y cómo es en la actualidad la relación con su padre. Lo que dice, tanto sea desde su locura o quizás no, logra hacernos pensar en los problemas de gran magnitud que puede acarrearle al presidente. El resto de los actores hacen una labor correcta, destacándose Érica Rivas como la asesora de Blanco.

La película tiene escenas que se pueden tornar largas, con mucho diálogo que aburre. Es como una montaña rusa: tiene partes muy buenas, con un misterio muy bien trabajado, y otras en las que querés que se vuelva al tema anterior. Luego de su visionado quedan más incógnitas que resoluciones, el final te deja con un mal sabor de boca, protestando por lo abierto que es el relato. Se entiende que fue deliberado el dejar tantos cabos sueltos pero esto no llega a funcionar del todo, quizás se necesite verla de nuevo para tratar de sacar una conclusión.

“La Cordillera” cuenta con grandes actuaciones, una magnífica dirección de arte y de fotografía. A la hora de verla te recomiendo que tengas en cuenta que trata sobre el bien y el mal que habita en el ser humano, por lo que es un film para interpretar que no te va a dar explícitamente las soluciones que buscás. 

Un viaje para alejarse del mundo

“El Pampero” es un thriller intimista dramático argentino, uruguayo y francés, dirigido y escrito por Matías Lucchesi. Está protagonizado por Julio Chávez, Pilar Gamboa y César Troncoso. Llegó a las salas argentinas el 3 de agosto de 2017 gracias a la distribuidora Primer Plano.

Fernando ya no quiere saber nada de nadie: a sus 58 años se encuentra sufriendo los dolores en todo el cuerpo debido a una enfermedad terminal. Cansado de su situación actual, decide rechazar las llamadas de su hijo e irse a navegar en su velero lleno de provisiones. Él se toma a esta travesía como un último viaje antes de que la enfermedad lo aniquile, siendo la naturaleza su único refugio. Pero su recorrido tomará distinto rumbo cuando descubra que en su barco está escondida Carla, una joven que tiene su camisa llena de sangre. Fernando cree que ella cometió algún crimen y no quiere implicarse en el asunto. Carla afirma que es inocente, que no quiere enfrentar a prefectura y si o sí necesita que Fernando cruce la frontera y la deje en Uruguay. Las complicaciones no terminan ahí ya que aparece Marcos, un guarda costas amigo de Fernando que tiene segundas intenciones al darse cuenta que el velero también está ocupado por una mujer.

Nos encontramos ante una película que en su mayoría está plagada de silencios, lo que hace que no tenga ritmo. A pesar de ello los tres actores entregan performances sólidas: Julio Chávez casi sin emitir palabra sabe transmitir el momento difícil que está atravesando, para él su vida ya no tiene sentido y cuanto más alejado esté de la sociedad mejor; la aparición de Carla en su barco lo descoloca y saca a relucir su lado más autoritario, aunque luego este aspecto va cambiando hasta llegar a preocuparse por el destino de la chica; en cada escena somos testigos de cómo le cuesta moverse, amarrar las velas, agacharse o hacer fuerza; Pilar Gamboa brinda una oleada de misterio, no sabemos qué es realmente lo que le sucedió, si ella es inocente o mató a alguien; que por nada del mundo quiera recurrir a la policía nos hace sospechar pero a la vez encarna a una mujer gentil, que se preocupa por el estado de salud de Fernando y en distinta manera también está pasando por una situación complicada. Por último el villano de la historia, encarnado por César Troncoso, se lleva todos los aplausos. Su personaje desde que aparece logra ser insoportable, pesado y charlatán. No acepta un “no” como respuesta, se cree el dueño del lugar pesquero y si en su casa no se hace lo que él dice está claro que las cosas van a terminar mal. Troncoso pone incómodos no sólo a Carla y Fernando, sino también al espectador: se nota que sus objetivos son otros y que no para de tirar comentarios que no llevan a nada sólo para que haya una conversación (que en conclusión es un monólogo de superficialidades).

Casi todo el film se desarrolla dentro del velero y desde el aspecto técnico esto está muy bien logrado. La fotografía a cargo de Guillermo Nieto es bella pero en un punto se torna repetitiva  ya que en la primera parte de la película hay pocos hechos significativos y aburren siempre las mismas escenas. Desde la aparición del guarda costas el suspenso va in crescendo y al estar tan bien construido logra causar nerviosismo. Lo malo es que en su resolución todo se desinfla y uno se esperaba otra cosa. Además constituye un desacierto que al problema de Carla no se le dé más detalles en su explicación.

En lo personal, al ser una película de 77 minutos me hubiese gustado o que no sea tan lenta en su comienzo o que se tomen más minutos para desarrollar lo importante. El final me dejó con sabor a poco y sentí que la idea estaba buenísima pero acabó en algo muy simple.

Como conclusión, “El Pampero” es una buena película que cuenta una historia chiquita con muy buenas interpretaciones actorales. El buen manejo de la tensión la convierte en una opción a tener en cuenta dentro del cine independiente. 

El origen de la muñeca diabólica

 “Annabelle 2: La Creación” (Annabelle: Creation, 2017) es una película de terror que forma parte del universo de “El Conjuro” (The Conjuring, 2013) y funciona como precuela del film Annabelle dirigido por John R. Leonetti. Esta vez la dirección se encuentra a cargo de David F. Sandberg, conocido por la bien recibida “Cuando las luces se apagan” (Lights Out, 2016) y el guión continúa en manos de Gary Dauberman. El reparto incluye a Talitha Bateman (“Teacup” en La Quinta Ola), Lulu Wilson (“Doris” en Ouija: El Origen del Mal), Stephanie Sigman (“Estrella en 007: Spectre), Anthony LaPaglia, Miranda Otto, Samara Lee, Philippa Coulthard y Grace Fulton. En Estados Unidos se estrenará el 11 de agosto de 2017 mientras que en Argentina llegará el 31 del mismo mes gracias a la distribuidora Warner Bros.

Samuel Mullins, un hombre que se dedica a la fabricación de muñecas, vive tranquilo con su esposa Esther y su pequeña hija Annabelle, apodada Bee. La felicidad dura poco ya que debido a un trágico accidente los Mullins pierden a su hija. Doce años después, Samuel decide dar asilo a la Hermana Charlotte y seis niñas huérfanas. Entre ellas se encuentran las mejores amigas Linda y Janice, esta última padeciente de polio. La curiosidad de Janice hace que se interese por la habitación que pertenecía a Bee, sin tener en cuenta la advertencia de Samuel sobre que a ese cuarto no hay que ingresar. Propiciados por la muñeca Annabelle, sucesos extraños comenzarán a ocurrir en esa casa alejada de la sociedad, siendo Janice la más afectada por ser la débil del grupo.

Luego de ver cómo la muñeca amenazaba la vida de Mía y su bebé Leah en el film del 2014, con un guión soso y pocas escenas realmente aterradoras, es sorprendente encontrarse con una producción que funciona como precuela de ésta y es altamente superior. Se nota muchísimo que el cambio de director funciona para bien: David F. Sandberg brinda una historia original en la que el espectador logra interesarse por las vidas de las niñas huérfanas, en especial las de Linda y Janice. Su deseo de ser adoptadas por los mismos padres y nunca separarse, más la renguera de Janice debido a la polio ya nos hace empatizar desde el comienzo.

En cualquier película de terror, para verdaderamente lograr asustarnos se necesita de una cuidada creación de la atmósfera, música acechante que no da lugar a la armonía y actuaciones creíbles. En esta película cada uno de estos elementos se cumple con creces: las situaciones que van surgiendo son temibles gracias a cómo se usan la oscuridad y los crujidos, la banda sonora de Benjamin Wallfisch sabe poner nervioso al espectador como también respeta los momentos de silencio absoluto y tanto las nenas Talitha Bateman y Lulu Wilson como la monja interpretada por Stephanie Sigman brindan trabajos correctos, destacándose más la primera en el papel de Janice.

El film tiene una referencia a la próxima película del mundo de “El Conjuro” llamada “The Nun” (La Monja), programada para estrenarse en 2018, que fascinará a los fanáticos de este universo. Además la conexión entre Annabelle del 2014 con esta precuela está muy bien enlazada (para disfrutar más/entenderla recomiendo que primero vean la del 2014).

En algunas partes se abusa de los jump scares, generando que los sustos no sean tan efectivos como cuando se decide tomar el tiempo necesario para crear el miedo. Por otro lado los ángulos de cámara y las posiciones de la muñeca resultan un acierto ya que la hacen ver más tétrica de lo que ya es.

“Annabelle 2: La Creación” consigue mantener entretenido al espectador, asustándolo de forma genuina en varias ocasiones. Sólo teniendo en cuenta su ambientación vale la pena pagar la entrada de cine. Si sos fan del terror, no te la pierdas. 

Lo que deseas tiene consecuencias

“7 Deseos” (Wish Upon, 2017) es una película de “terror” dirigida por John R. Leonetti y escrita por Barbara Marshall. El reparto incluye a Joey King, conocida por Ramona & Beezus (2010), Ki Hong Lee (The Maze Runner, 2014), Shannon Purser (Barb en la serie Stranger Things), Ryan Phillippe, Sydney Park, Mitchell Slaggert, Kevin Hanchard, Alice Lee y Sherilyn Fenn. En Estados Unidos se estrenó el 14 de julio de 2017 mientras que en Argentina llegó a las salas el 27 de ese mismo mes gracias a la distribuidora Digicine.

La historia se centra en Clare, una chica de 17 años que en su infancia vio a su madre cuando se acababa de ahorcar. Ella convive con su padre y tiene dos mejores amigas, Meredith y June. Las tres van a la secundaria y no son para nada populares, por lo cual tienen que soportar las burlas de los demás estudiantes. Un día el papá de Clare, que tiene como hobbie buscar elementos útiles en los cestos de basura, encuentra una caja de música muy peculiar de origen chino. Al regalársela a su hija, Clare la inspecciona y descubre la inscripción “7 deseos”. Sin saber muy bien cómo es el mecanismo, la adolescente comienza a pedir todo lo que siempre quiso para su vida: atención por parte del chico que le gusta, venganza para la persona que más le hace pasar el ridículo en el colegio, buena posición económica, etc. Lo que Clare no sabe es que por cada deseo alguno de sus seres queridos debe pagar con la muerte. Cuando se da cuenta de lo que está pasando, la joven recurre a su compañero asiático para conocer la historia de la caja maldita.

Puse la palabra terror entre comillas porque realmente esta producción no da ni una pizca de miedo, más bien genera carcajadas al ver cada muerte ridícula. Aún no puedo comprender cómo es que llegó a nuestro país calificada para mayores de 16 si ninguna escena impresiona ni sucede algo morboso. Las actuaciones son flojísimas y menos creíbles si se ve al film doblado al español (la mayoría de los cines da la película en esta versión). Pareciera que Joey King, la protagonista, pasó de una infancia con buenas actuaciones a una adolescencia con malos papeles. Su personaje es demasiado tonto, superficial, tarda muchísimo en darse cuenta que los deseos que ella pide están relacionados con las muertes. A la vez se abusa de los clichés de películas dirigidas a un público teen: estudiantes con cierta popularidad que se creen mejores que los demás sólo por ser lindos y engreídos, chica que vive en una casa un poco venida abajo y por eso no es considerada “cool”, un padre que, debido a sus acciones, su hija desea que no la avergüence más, un chico lindo que nunca se fija en la protagonista y deseos estúpidos como ser la más popular de la escuela y ser querida por todos.

En ningún momento uno puede llegar a considerar creíble este relato debido a las situaciones que se van dando. Por ejemplo es imposible que un celular que cae de una gran altura siga funcionando lo más bien o que por tropezarse con una alfombra la cabeza de una personaje quede atravesada por un elemento filoso. Esto sería aceptable en un film que busca parodiar a las películas de terror, pero 7 Deseos parece tomarse en serio a sí mismo como una cinta del género.

Les puedo asegurar que si van a verla con amigos se van a reír muchísimo, es de esas producciones en la que todo está tan mal ejecutado que termina siendo buena por lo mala que es. Encima tiene una escena en el medio de los créditos que hace pensar en la construcción de una secuela. Si es tan descabellada como esta, que sea bienvenida. 

Simios unidos jamás serán vencidos

“El Planeta de los Simios: La Guerra” (War for the Planet of the Apes, 2017) es una película de ciencia ficción que conforma la última parte de la trilogía reboot de esta franquicia. Matt Reeves vuelve a estar a cargo de la dirección y el guión fue obra de él junto a Mark Bomback. El reparto de los monos incluye a Andy Serkis, Karin Konoval, Steve Zahn, Ty Olsson, Terry Notary, Michael Adamthwaite, Judy Greer, Aleks Paunovic, Devyn Dalton, Max Lloyd-Jones y Sara Canning. Por el lado de los humanos están Woody Harrelson, Amiah Miller y Gabriel Chavarria. El film llega a las salas argentinas el 3 de agosto gracias a la distribuidora Fox. Cuenta con un preestreno en la noche del 2 de agosto (algunos cines reestrenan las dos primeras películas para culminar con La Guerra).

La historia se sitúa luego de lo ocurrido en Confrontación, en la cual un simio llamado Koba generó un golpe de Estado hacia César y comenzó la batalla contra los humanos. Ahora el clan de César necesita encontrar refugio ya que está siendo atacado por un grupo de militares comandados por el Coronel. Los seguidores de Koba, por miedo a César, trabajan para los humanos y se dejan llamar “burros”. Después de un hecho que afecta desde lo más profundo a César, él ordena a los simios que comiencen su viaje en busca del desierto (“la tierra prometida”). Su objetivo personal es diferente: César quiere ir en busca del Coronel y cobrar venganza. Los monos Maurice, Luca y Rocket no lo dejarán ir solo y en el recorrido hacia la base militar se encontrarán con una niña que no puede hablar debido a un virus que atenta contra la inteligencia humana.

Después de ser testigos del crecimiento de César en Revolución (2011) y Confrontación (2014), en Guerra vamos a ver a un líder noble que se encuentra en una situación complicada: los humanos quieren exterminarlos, algunos de su grupo lo traicionan y alguien le provoca un odio que rebasa sus propios límites. En la mayoría del film los monos son los protagonistas. Esto podría resultar poco creíble, sin embargo gracias a los increíbles efectos especiales y la gran actuación de Andy Serkis, junto a las demás personas que interpretan a los simios, todo en esta cinta parece muy real, aún más que en las dos primeras. Sumado a la intensa banda sonora y los paisajes nevados que transmiten el frío con sólo ver los copos de nieve en 3D, el espectador se mete de lleno en esta última aventura, no pareciéndole para nada raro que un mono monte a caballo o hable.

Al ver la palabra “guerra” en el título lo que directamente se piensa es que lo central del largometraje va a ser el enfrentamiento entre los simios y los humanos. Si se va al cine con esa idea, la experiencia puede que no sea satisfactoria. La acción trepidante de la segunda parte acá es dejada de lado para darle paso a las metas internas de cada uno de los personajes, a cómo deciden enfrentar lo que les está sucediendo. Tampoco hay que confundirse con el póster: la niña muda no es lo central de la trama ni la gran compañera de César, el conflicto pasa por la supervivencia del más apto, el rol que cumple la naturaleza, la co existencia del bien y del mal y cómo el hombre se cree el dueño superior pero hay cosas que no puede detener, ya sea una enfermedad o la propagación de un virus.

El villano de la historia, el Coronel interpretado por Woody Harrelson, tiene gestos muy teatrales y una escena en particular en la que se la pasa hablando, lo que no concuerda con el tono que tiene la película (poco diálogo y la mayoría con lenguaje de señas). A pesar de ello logra ser temible y dan ganas de matarlo tanto por su trato hacia los simios como por su manera de pensar. Además se incorpora un nuevo personaje que se hace llamar “Simio Malo” y su único rol es el de dar gracia para que no todo sea dramatismo. Al principio es divertido pero a medida que pasan los 140 minutos las risas se evaporan.

“El Planeta de los Simios: La Guerra” brinda un final correcto, enriquecedor y solemne para la trilogía. Aunque es la más lenta de las tres, y quizá no la mejor de todas o la más entretenida, uno queda satisfecho con lo visto. Sin lugar a dudas el simio César será un personaje memorable para todos los cinéfilos.